La danza de la luz: David Szauder para What’s in a Lamp?
En las manos del artista multimedia David Szauder, las lámparas de Foscarini se despiertan, danzan, nos llevan a otra parte. En un Ballet Mécanique que es a la vez clásico y radicalmente contemporáneo.
Transformar las lámparas de Foscarini en objetos capaces de encender la imaginación. Usar el poder de la luz —que transforma materiales, espacios y percepciones— para dar vida a las cosas y a lo que las rodea. Contar la poesía de la relación que puede nacer entre nosotros y los objetos, cuando sabemos dejarnos llevar.
De aquí nace el proyecto de David Szauder para What’s in a Lamp?: artista multimedia, pionero en el uso de la inteligencia artificial para crear coreografías, obras visuales, animaciones e imágenes que indagan en la relación entre las personas, las tecnologías y la historia del arte.
Trabajando con las lámparas Foscarini, Szauder ha realizado un Ballet Mécanique, inspirado en la obra homónima de Fernand Léger, en el que las lámparas cobran vida, danzan y evolucionan, embriagando a quien las mira de belleza y estimulando su imaginación.
Su método parte de la recopilación y creación de materiales visuales, que luego ensambla proporcionando inputs precisos a la IA generativa. No guía los resultados mediante prompts, sino a través de lo que él mismo llama «trucos visuales»: engaña a la máquina superponiendo imágenes, orientando así el resultado hacia lo que considera más emotivamente significativo o cautivador.
¿Cómo ha cambiado la profesión del artista multimedia desde que empezaste?
«Cuando empecé, el arte multimedia era un campo relativamente especializado y el acceso a la tecnología era limitado. Hoy casi todo el mundo tiene a su disposición herramientas creativas potentes. El reto ya no es acceder a la tecnología, sino desarrollar un lenguaje visual distintivo y una postura artística significativa».
¿Cuál es el mejor y el peor aspecto de tu profesión hoy en día?
«El mejor es la libertad de moverme entre formatos diferentes: exposiciones, proyecciones públicas, teatro, música, moda. El peor es la velocidad a la que se producen y consumen las imágenes. Resulta difícil crear algo ante lo cual la gente se detenga de verdad».
Trabajaste en el estreno de Wunderland en el Hamburg Ballet. ¿Qué revela esta experiencia sobre el arte multimedia y sobre tu trabajo en particular?
«Demuestra que el arte multimedia ya no tiene por qué quedarse confinado a una pantalla. En Wunderland, mi mundo visual se hizo físico a través del vestuario. Para mí fue una expansión importante de mi práctica: las imágenes ya no solo se observaban, sino que se habitaban e interpretaban».
Trabajas con inteligencia artificial, pero también intentas explicar su papel al público. ¿Cuál es el mensaje principal de tu libro Glitches & Glory?
«El libro cuenta mi relación entre la imaginación humana, la memoria y la tecnología. La inteligencia artificial está presente, pero no es la autora de la obra. El mensaje central es que las herramientas cambian, pero la responsabilidad artística, la intención y la autoría siguen siendo humanas».
¿Qué tipo de concienciación cultural y pública se necesitaría para garantizar un uso correcto de la IA en las artes?
«Hace falta más transparencia y una comprensión más profunda de cómo funcionan estos sistemas. La gente debería saber de dónde proceden los datos, cómo se generan las imágenes y qué papel juega el artista. La educación no debería centrarse solo en el uso de la tecnología, sino también en la autoría, la ética y el pensamiento crítico».
¿Cómo nacen tus atmósferas oníricas?
«Por lo general, parten de algo familiar: una fotografía antigua, un rostro, un objeto, un recuerdo personal. Luego introduzco elementos que no terminan de encajar. La atmósfera nace de la tensión entre el reconocimiento y la incertidumbre —de la sensación de conocer el mundo que se está observando, aun sabiendo que algo en su interior no encaja».
¿Cómo utilizas tu cuenta de Instagram?
«La uso como un diario visual en continua evolución y como canal directo de comunicación con un público internacional. Me permite probar ideas, observar reacciones y compartir trabajos fuera de las estructuras institucionales tradicionales. Al mismo tiempo, procuro no dejar que sea la lógica de la plataforma la que determine la dirección de mi trabajo».
Descubre la colaboración con David Szauder y la serie completa en el canal de Instagram @foscarinilamps, y explora todas las interpretaciones del proyecto What’s in a Lamp?, donde artistas internacionales son invitados a interpretar libremente la luz y las colecciones de Foscarini.
Bajo la luz de las lámparas Foscarini nacen historias. Son esos momentos en los que la luz deja de ser un mueble y se convierte en Hogar.
Para What’s in a Lamp?, Frelly construye una serie en la que cada lámpara Foscarini se convierte en un tocado para vestir, transformando objetos de diseño en presencias vivas que definen el espacio alrededor de quien las lleva.
Imágenes silenciosas, escenarios domésticos, una luz que despierta posibilidades inesperadas. Para What’s in a Lamp?, Marianna Tomaselli crea una serie de ilustraciones en las que las lámparas Foscarini se convierten en el punto de partida de una narrativa visual, donde la luz genera relaciones, atmósferas y sutiles desplazamientos de significado.
Ilustrador, animador y storyteller, Brian Rea entra en el universo de What’s in a lamp? transformando las lámparas de Foscarini en presencias vivas, íntimas y silenciosas. Un proyecto en el que la luz y los personajes dialogan a través de la delicadeza, la sorpresa y la imaginación.
Un proyecto de Massimo Gardone para Foscarini que explora las potencialidades de la inteligencia artificial como herramienta de expresión, siempre guiada por una mano humana, sensible y consciente. Una narrativa donde la tecnología se convierte en un instrumento que amplifica la mirada humana, en entornos generados por la IA que acogen lámparas fotografiadas en la realidad.
Para What’s in a Lamp?, el ilustrador y director de arte español Jorge Arévalo retrata las lámparas y a los diseñadores de Foscarini con su sello inconfundible: líneas esenciales, colores potentes y elegancia gráfica. Un diálogo suspendido entre el objeto de diseño y el autor que lo imagina.
Para el proyecto What’s in a Lamp?, el artista italiano Beppe Conti no considera las lámparas simplemente como fuentes de luz, sino como instrumentos que revelan lo invisible. En sus collages digitales, fragmentos y capas ocultas emergen de la oscuridad, moldeados por la luz de las lámparas Foscarini en espacios oníricos.
Con su estilo inconfundible, hecho de formas esenciales y colores decididos, Peter Grundy transforma las lámparas de Foscarini en arquetipos visuales de los conceptos y valores que definen la identidad de la marca, en el marco del proyecto editorial What’s in a Lamp?. Un ejercicio de síntesis y visión que invita a mirar la luz no solo como fuente, sino como significado.
El universo artístico de Helen Musselwhite se compone de recortes de papel, pliegues y sombras que cuentan la maravilla del mundo natural. Para What’s in a Lamp?, la artista reinterpreta algunas lámparas de Foscarini, transformándolas en paisajes oníricos de papel.
Doble evento con Foscarini en la Milan Design Week 2025: en Euroluce en Fiera Milano y en nuestro showroom Spazio Monforte
