La danza della luce: David Szauder per What’s in a Lamp?
Nelle mani dell’artista multimediale David Szauder, le lampade di Foscarini si risvegliano, danzano, ci portano altrove. In un Ballet Mécanique che è insieme classico e radicalmente contemporaneo.
Trasformare le lampade di Foscarini in oggetti capaci di accendere l’immaginazione. Usare il potere della luce — che trasforma materiali, spazi e percezioni — per dare vita alle cose e a ciò che le circonda. Raccontare la poesia della relazione che può nascere tra noi e gli oggetti, quando sappiamo lasciarci andare.
È da qui che nasce il progetto di David Szauder per What’s in a Lamp?: artista multimediale, pioniere nell’uso dell’intelligenza artificiale per creare coreografie, opere visive, animazioni e immagini che indagano il rapporto tra persone, tecnologie e storia dell’arte.
Lavorando sulle lampade Foscarini, Szauder ha realizzato un Ballet Mécanique, ispirato all’opera omonima di Fernand Léger, in cui le lampade prendono vita, danzano ed evolvono, inebriando chi guarda di bellezza e stimolandone l’immaginazione.
Il suo metodo parte dalla raccolta e creazione di materiali visivi, che poi assembla fornendo input precisi all’AI generativa. Non guida i risultati con dei prompt, ma attraverso quelli che lui stesso chiama “trucchi visivi”: inganna cioè la macchina sovrapponendo immagini, indirizzandone così l’esito verso ciò che ritiene più emotivamente significativo o accattivante.
Come è cambiata la professione dell’artista multimediale da quando hai iniziato?
Quando ho iniziato, l’arte multimediale era un campo relativamente specializzato e l’accesso alla tecnologia era limitato. Oggi quasi tutti hanno a disposizione strumenti creativi potenti. La sfida non è più accedere alla tecnologia, ma sviluppare un linguaggio visivo distintivo e una posizione artistica significativa.
Qual è l’aspetto migliore e quello peggiore della tua professione oggi?
Il migliore è la libertà di muovermi tra formati diversi: mostre, proiezioni pubbliche, teatro, musica, moda. Il peggiore è la velocità con cui le immagini vengono prodotte e consumate. Diventa difficile creare qualcosa davanti a cui le persone si fermino davvero.
Hai lavorato alla prima di Wunderland all’Hamburg Ballet. Cosa racconta questa esperienza dell’arte multimediale, e della tua in particolare?
Dimostra che l’arte multimediale non deve più restare confinata a uno schermo. In Wunderland, il mio mondo visivo si è fatto fisico attraverso i costumi. Per me è stata un’espansione importante della mia pratica: le immagini non venivano più solo osservate, ma abitate e interpretate.
Lavori con l’intelligenza artificiale, ma cerchi anche di spiegarne il ruolo alle persone. Qual è il messaggio principale del tuo libro Glitches & Glory?
Il libro racconta il mio rapporto tra immaginazione umana, memoria e tecnologia. L’intelligenza artificiale è presente, ma non è l’autrice dell’opera. Il messaggio centrale è che gli strumenti cambiano, ma la responsabilità artistica, l’intenzione e la paternità restano umane.
Che tipo di consapevolezza culturale e pubblica servirebbe per garantire un uso corretto dell’IA nelle arti?
Serve più trasparenza e una comprensione più profonda di come funzionano questi sistemi. Le persone dovrebbero sapere da dove arrivano i dati, come vengono generate le immagini e quale ruolo gioca l’artista. L’educazione non dovrebbe concentrarsi solo sull’uso della tecnologia, ma anche su paternità , etica e pensiero critico.
Come nascono le tue atmosfere oniriche?
Di solito partono da qualcosa di familiare: una vecchia fotografia, un volto, un oggetto, un ricordo personale. Poi introduco elementi che non tornano del tutto. L’atmosfera nasce dalla tensione tra riconoscimento e incertezza — dalla sensazione di conoscere il mondo che si sta osservando, pur sapendo che qualcosa, al suo interno, non torna.
Come usi il tuo account Instagram?
Lo uso come un diario visivo in continua evoluzione, e come canale diretto di comunicazione con un pubblico internazionale. Mi permette di testare idee, osservare le reazioni e condividere lavori al di fuori delle strutture istituzionali tradizionali. Allo stesso tempo, cerco di non lasciare che sia la logica della piattaforma a determinare la direzione del mio lavoro.
Scopri la collaborazione con David Szauder e l’intera serie sul canale Instagram @foscarinilamps ed esplora tutte le interpretazioni del progetto What’s in a Lamp?, dove artisti internazionali sono invitati a interpretare liberamente la luce e le collezioni Foscarini.
Sotto la luce delle lampade Foscarini nascono storie. Sono i momenti in cui la luce smette di essere arredo e diventa Casa.
Per What’s in a Lamp?, Frelly costruisce una serie in cui ogni lampada Foscarini diventa un copricapo da indossare, trasformando oggetti di design in presenze vive che definiscono lo spazio attorno a chi le porta
Immagini silenziose, ambienti domestici, una luce che accende possibilità inattese. Per What’s in a Lamp?, Marianna Tomaselli costruisce una serie in cui ogni lampada Foscarini diventa il punto di partenza di un racconto visivo, dove la luce genera relazioni, atmosfere e piccoli slittamenti di senso.
Illustratore, animatore e storyteller Brian Rea entra nell’universo di What’s in a lamp? trasformando le lampade Foscarini in presenze vive, intime e silenziose. Un progetto dove luce e personaggi dialogano con delicatezza, sorpresa e immaginazione.
Un progetto di Massimo Gardone per Foscarini che indaga le potenzialità dell’intelligenza artificiale come strumento espressivo, sempre però guidato da una mano umana, sensibile e consapevole. Un racconto in cui la tecnologia è uno strumento che amplifica lo sguardo umano, dove gli ambienti generati con l’AI accolgono lampade fotografate dal vero.
Per What’s in a Lamp?, l’illustratore e direttore creativo spagnolo Jorge Arévalo ritrae le lampade e i designer Foscarini con la sua cifra inconfondibile: linee essenziali, colori potenti, eleganza grafica. Un dialogo sospeso tra l’oggetto di design e l’autore che lo immagina.
Per What’s in a Lamp?, l’artista torinese Beppe Conti interpreta le lampade non come semplici sorgenti di luce, ma come strumenti che rendono visibile l’invisibile. Nei suoi digital collage, la luce delle lampade Foscarini fa emergere frammenti e strati nascosti, generando spazi onirici e suggestivi.
Con il suo stile inconfondibile, fatto di forme essenziali e cromie decise, Peter Grundy trasforma, per il progetto editoriale What’s in a lamp?, le lampade Foscarini in archetipi visivi dei concetti che definiscono l’identità del brand. Un esercizio di sintesi e visione che ci invita a guardare la luce non solo come fonte, ma come significato.
L’universo artistico di Helen Musselwhite si compone di ritagli di carta, pieghe e ombre che raccontano la meraviglia del mondo naturale. Per What’s in a lamp?, l’artista reinterpreta alcune lampade Foscarini, trasformandole in paesaggi onirici di carta.
Mattia Cimadoro e Giuseppe Mauro che guidano Dordoni Studio, raccontano in questa intervista Etoile: un progetto in cui rivivono leggerezza eterea e sobria ma decisa eleganza, unite a una luce d’atmosfera discreta e sofisticata.
