Kategorie: Kommunikation

In ihrem Studio in Manchester, an den Toren der englischen Landschaft, formt Helen Musselwhite verzauberte Landschaften, indem sie Papierausschnitte mit einer Meisterschaft schneidet und übereinanderlegt, die Handwerkskunst, künstlerische Vision und Innovation vereint. Ihre Kunst erkundet die Schönheit der Natur mit einer akribischen Detailgenauigkeit: Von kleinen Tieren bis zu verzauberten Landschaften ist jedes Element mit Präzision und Poesie gebaut, und ein einfaches Material wie Papier erzeugt narrative Szenarien, die voller Suggestionen sind.

Für das Projekt What’s in a Lamp? von Foscarini hat die britische Künstlerin eine Reihe von Werken geschaffen, die einige Foscarini-Lampen neu interpretieren, die aus denen ausgewählt wurden, bei denen das Design oder der Name Elemente der natürlichen Welt evocieren.

Durch ihre unverwechselbare Layering-Technik – eine sorgfältige Konstruktion, Schicht für Schicht, mit Papieren unterschiedlicher Gewichte und Farben – wird jede Lampe in eine dreidimensionale Erzählung eingefasst, die sich aus ihrer Form entwickelt und Emotionen sowie Visionen evoziert. In diesen Kompositionen ist Licht nicht nur ein Motiv: Es ist ein lebendiges Material, das mit dem Papier in Dialog tritt, die Szenen formt und Schatten, Tiefe und Rhythmus erzeugt. Das Ergebnis sind Werke, die sowohl zart als auch komplex sind und uns in eine Dimension zwischen Traum und Realität versetzen, in der jede Lampe zu einem Zugangstor zu einer Welt wird, die es zu entdecken gilt.

Entdecke das imaginäre Universum von Helen Musselwhite: Lies das vollständige Interview, um ihre kreative Vision besser kennenzulernen. Folge dem Projekt What’s in a Lamp? auf Instagram und lass dich von den kommenden Kunstwerken inspirieren.

Erzählen Sie uns ein wenig über sich und Ihren Werdegang. Gab es einen Moment oder eine Erfahrung, die Sie dazu bewegt hat, eine Karriere in der Kunst einzuschlagen?

Ich komme aus einer Familie von Künstlern und kreativen Hobbymenschen. Schon als Kind war ich von Beispielen für Kreativität umgeben: Mein Großvater malte mit Ölfarben, während er klassische Musik hörte, mein Vater reparierte alles Mögliche, von Spielzeugen bis hin zu Traktoren, und meine Mutter, die die Hauptquelle meiner kreativen Interessen war, experimentierte ständig mit neuen künstlerischen Aktivitäten und ermutigte mich, dasselbe zu tun. Der Einfluss dieses Geistes ist in allem, was ich tue, präsent, und dafür bin ich wirklich dankbar.

Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben?

Mein Stil ist grafisch, farbenfroh und komplex. Er basiert stark auf Handwerk, Prozess und Detail. Früher habe ich nach Perfektion gestrebt, aber in letzter Zeit versuche ich, die Unvollkommenheiten zu akzeptieren, die zwangsläufig aus meiner Handarbeit entstehen, ein bisschen im Sinne des Wabi Sabi. Ich denke, es ist auch eine Reaktion auf die KI.

Was hat Sie an Papier als Hauptmaterial fasziniert? Und was fasziniert Sie noch an seinen unendlichen Möglichkeiten?

Ich habe angefangen, Papier zu verwenden, weil es ein einfaches, zugängliches und sehr vielseitiges Material ist. Die ersten Arbeiten waren alle weiß, und ich mochte die Idee, dass sie, obwohl sie Komplexität und Detail hinzufügten, eine ruhige und minimale Qualität behielten, weil es weiß auf weiß war. Aber bald kam die Farbe! Die ursprünglichen Gründe, warum ich mich für Papier entschieden habe, faszinieren mich immer noch: Ich liebe es, dass ein einfaches Blatt in alles verwandelt werden kann, was meine Kreativität sich wünscht.

Ihre dreidimensionalen Papierarbeiten sind für ihre Komplexität, den Einsatz lebendiger Farben und eine starke narrative Komponente bekannt. Wie haben Sie diesen so markanten Stil entwickelt?

Meine Arbeit liegt zwischen 2D und 3D; am besten lässt sie sich als 2,5D beschreiben. Manchmal wird meine Arbeit vollständig dreidimensional, aber ich mag es, in diesem Zwischenbereich zu bleiben. Ich habe angefangen, Papier und die Technik des Layerings zu verwenden, weil ich mich im traditionellen 2D nicht sicher fühlte. Außerdem, da ich nicht digital illustrieren gelernt habe, hatte ich das Bedürfnis, etwas Originelles hinzuzufügen, etwas, das mich auszeichnet.

In den letzten Jahren habe ich mich sehr auf den narrativen Aspekt meiner Arbeit konzentriert, oft inspiriert von Kindheitserinnerungen: der Freude und dem Staunen, das ich beim Besuch von Miniaturdörfern empfand, beim Erstellen von Gärten auf Keksdosen und insbesondere einige hawaiianische Bilder, die einem Onkel gehörten, die aus Schichten von Papier, Rinde und Zweigen bestanden. Ich wollte wirklich in diese Welten eintauchen, mich verkleinern und hindurchlaufen!

Wie fügt sich diese Zusammenarbeit im Projekt What’s in a Lamp? in Ihren künstlerischen Ansatz ein?

Ich war sehr froh, zu What’s in a Lamp? beizutragen. Mein Interesse an Kreativität erstreckt sich auch auf Innen- und Produktdesign, und Foscarini ist eine Marke, die ich aufgrund ihrer Innovation, Einzigartigkeit und Handwerkskunst mit Interesse verfolge. All diese Elemente sind das, was ich bewundere und in meiner Arbeit zu reproduzieren versuche.

Was ist Ihr kreativer Prozess, wenn Sie an Ihren Arbeiten arbeiten? Haben Sie bestimmte Rituale oder Gewohnheiten, die Sie folgen, um Ihre künstlerische Vision zu fördern?

Mein kreativer Prozess ist hauptsächlich analog. Er beginnt mit schnellen Notizen und Skizzen, die ich dann mit einem Kopierer vergrößere und verfeinere, indem ich Schichten und Details entscheide. Ich füge meinen Skizzen Farbe mit Markern hinzu, was ich sehr liebe und schon seit meiner Kindheit mache, auch wenn ich damals einfache Marker verwendet habe und nicht die teuren, die ich heute benutze!

Dann geht es zur Umsetzungsphase: Die Schichten und Elemente werden auf das Papier übertragen, ausgeschnitten und zusammengebaut. Die letzte Phase ist die Fotografie, in der ich in die digitale Welt eintauche, allein oder vorzugsweise mit einem professionellen Fotografen. Ich würde mir wünschen, dass mein Prozess ordentlicher wäre, aber leider wird mein Studio immer ein Chaos, also mache ich nach jedem Projekt eine gründliche Reinigung, um mich auf den nächsten Schritt vorzubereiten! Ein weiterer wichtiger Teil meines Tages ist ein Spaziergang. Das habe ich früher mit unserem Labrador Earl (RIP) gemacht und tue es auch weiterhin. Ich verbringe viele Stunden damit, sich wiederholende Aufgaben zu erledigen, daher brauche ich eine Pause, sowohl für den Körper als auch für den Geist. Ich hoffe auch, bald einen neuen vierbeinigen Freund zu haben, mit dem ich spazieren gehen kann…

Könnten Sie uns das zentrale Konzept oder die Inspiration hinter der Serie What’s in a Lamp? näher erklären?

Die Inspiration hinter der Serie What’s in a Lamp? stammt von der Idee der Designer oder den Namen der Lampen, die ich ausgewählt habe. Der rote Faden, der die verschiedenen Arbeiten verbindet, sind die Silhouetten, die als Rahmen dienen, durch die Schichten und Details im Inneren sichtbar werden. Dieser Ansatz hat gut funktioniert, um die Form und den Umriss der Lampen zu definieren und die Geschichten sowie die Designkonzepte innerhalb der Formen selbst hervorzuheben.

Die Natur spielt eine zentrale Rolle in Ihrer Arbeit. Wie hat sich diese Verbindung in dieser Serie manifestiert? Gab es eine bestimmte Emotion oder Geschichte, die Sie vermitteln wollten?

Einige der Lampen, die ich ausgewählt habe, sind mit der Natur verbunden, sowohl im Namen als auch im Design. Aus diesem Grund waren sie eine natürliche Inspirationsquelle.

Hast du ein Lieblingswerk aus dieser Serie? Was macht es besonders?

Birdie und Gregg waren die ersten, die ich ausgewählt habe. Mir gefiel die Idee, dass sie einen flüchtigen Moment erhellen: Ein Vogel, der fliegt, und nachtaktive Kreaturen, die im Licht vorbeiziehen, das sie projizieren.

Was bedeutet Kreativität für dich?

Für mich bedeutet Kreativität, inspiriert zu werden, etwas zu denken, zu tun oder zu erschaffen. Es ist etwas Flüchtiges, das manchmal schwer zu fassen und zu definieren ist, aber immer um uns herum ist.

Francesca Gastone, Absolventin der Architektur am Politecnico di Milano und spezialisiert auf redaktionelle Illustration, schöpft ihre Inspiration aus ihren Erfahrungen in Metropolen wie São Paulo und Hongkong. Ihre Illustrationen erfassen die Essenz menschlicher Interaktionen, Emotionen, die Einzigartigkeit jedes Einzelnen in der Menge, während ihre Ausbildung in Architektur sich in der sorgfältigen Raumgestaltung und Komposition zeigt.

In ihrer Serie für “What’s in a lamp?” illustriert Francesca Gastone mit der Technik des digitalen Collagens Lebensgeschichten, die sich um eine Auswahl von Lampen aus der Foscarini-Kollektion formen. In diesen eindrucksvollen Illustrationen beleuchtet jede Lampe Episoden des täglichen Lebens in Mikro-Welten, die gleichzeitig vertraut und surreal erscheinen und entwickelt Erzählungen, in die einzutauchen natürlich ist und Protagonisten skizziert, mit denen wir uns identifizieren können. Visuelle Geschichten, die wie Brücken zu den Lampen, die sie zum Leben erwecken, Wege zeichnen, die uns ihrem Licht näher bringen.

In diesem exklusiven Interview gibt Gastone Einblicke in ihren kreativen Prozess und verfolgt ihre Reise von einer kindlichen Faszination für das Zeichnen bis hin zu ihrer Entwicklung als Illustratorin und Architektin. Sie geht auf die Inspiration hinter ihrer Zusammenarbeit mit Foscarini ein und teilt die Einflüsse, die ihre künstlerische Vision prägen.

Hallo, Francesca! Können Sie uns etwas über sich selbst und Ihre künstlerische Reise erzählen? Wann haben Sie mit dem Zeichnen begonnen und wann haben Sie erkannt, dass Sie Illustratorin werden wollen?

Das Zeichnen ist mir immer leicht gefallen, und meine Liebe zur Kunst in all ihren Formen führte dazu, dass ich eine Kunstschule absolvierte und später einen Abschluss in Architektur machte. Ich begann als Architektin in Italien zu arbeiten und dann in São Paulo, Brasilien, und Hongkong. Mein erster Kontakt mit der Illustration ergab sich zufällig aus der Notwendigkeit heraus, Innenarchitekturprobleme zu lösen. Während meiner Zeit in São Paulo, einer kulturell reichen Stadt, fand ich fruchtbaren Boden, um in diese Welt einzutauchen: Ich begann, immer mehr Zeitschriften und illustrierte Bücher zu kaufen, besuchte Workshops und Kurse, hatte aber nur wenig Bewusstsein dafür, wie die Illustration zu einem echten Beruf werden könnte. Die Geburt meiner Tochter Olivia fiel mit meinem Umzug nach Hongkong zusammen. Diese Zeit, gekennzeichnet durch langsame, aber intensive Rhythmen, Entdeckungen, Neugierde und eine echte Vertiefung in Bilderbücher, war ein Wendepunkt. Eines Tages nahm ich ein Flugzeug nach Shanghai und verbrachte drei Tage damit, meine Werke (zu dieser Zeit noch sehr roh) auf der Shanghai Children’s Book Fair zu präsentieren. Ich sammelte nicht viel, aber ich verstand, dass es ein echter, erreichbarer Weg war, und die Illustration wurde zur Notwendigkeit. Ich hatte jedoch das Gefühl, dass mir solide Grundlagen fehlten, also beschloss ich 2021, mich für ein Masterstudium in Mailand einzuschreiben. Ab diesem Moment änderte sich meine Perspektive auf diesen Beruf, und ich erkannte, dass die Illustration in der richtigen Menge alles umfasste, was ich liebte.

Wie vereinen und beeinflussen sich die beiden Seelen von Francesca Gastone, der Architektin und der Illustratorin?

Sie existieren ständig nebeneinander und beeinflussen sich gegenseitig in dem Maße, dass es manchmal schwierig ist zu unterscheiden, wo die eine endet und die andere beginnt. Ich erinnere mich, dass ich im Alter von 7 Jahren nur Dächer und Fliesen gezeichnet habe, und mein Lehrer sagte meiner Mutter scherzhaft, dass ich Architekt werden würde. Ob es ihr unerschütterliches Vertrauen in ihr Urteil oder eine echte Neigung war, die mich motivierte, ich nahm diese Worte als Offenbarung an, als hätte ich ein Geschenk erhalten, und der Weg vor mir war auf wundersame Weise klar geworden. Das Bild des Architekten erschien mir magisch und unglaublich mächtig; niemand in meiner Familie hatte jemals diesen Beruf gewagt. Diese Anekdote zaubert mir heute noch ein Lächeln aufs Gesicht, und ich glaube, die Architektur bleibt eine meiner größten Leidenschaften; ich verdanke ihr viel. Im Laufe der Jahre, und nachdem ich auf drei Kontinenten mit unterschiedlichen Ansätzen zur Arbeit des Architekten gelebt habe, wurde mir klar, dass diese Rolle für mich oft beengend war. Die Illustration löste auf seltsame Weise viele Dinge, die in mir ungelöst waren, aber die Wahrheit ist, dass ich mich auch dann wie eine Architektin fühle, wenn ich illustriere. Die polytechnische Schule hat mir eine Methode eingeflößt, die ich fast unbewusst auf jeden Aspekt meines beruflichen Lebens anwende. Es ist ein unschätzbares, aber manchmal auch belastendes Gepäck, das mich oft in Muster einschließt, aus denen ich schwer herauskomme.

Wie würden Sie Ihren künstlerischen Stil beschreiben, und wie hat er sich im Laufe der Zeit entwickelt?

Tatsächlich begann ich damit, das zu tun, was ich in der Architektur immer gemacht habe, aber anstelle von Bauplänen und technischen Zeichnungen begann ich, imaginäre und metaphorische Strukturen zu erschaffen und sie zum Leben zu erwecken. Architektur geht nicht nur um Gebäude; es ist ein Werkzeug, um jedes Thema zu erforschen, weil es in uns allen widerhallt. Menschen können nicht nur physische Räume bewohnen, sondern auch Emotionen, Empfindungen und Ideen. Wir haben die Macht zu entscheiden, wie viel von uns wir investieren wollen, ob wir einen Raum füllen oder ihn leer lassen – einen leeren Raum, eine Stille, sowohl physisch als auch konzeptionell zu schaffen. Das ist es, was mich antreibt. Oft spiele ich wie bei Foscarini mit Kontrasten und verwandle Objekte in kleine bewohnte Welten. Die resultierende Überraschung ist mein Maßstab für Erfolg; Wenn es mir gelingt, Staunen hervorzurufen, weiß ich, dass ich gute Arbeit geleistet habe. Ein weiterer entscheidender Aspekt ist die Collage: Während ich manchmal Elemente abstrahiere, um ein Thema schnell zu vermitteln, integriere ich immer echte Charaktere und Gegenstände. Diese Verbindung zur Realität ist mir wichtig, und ich wähle ihre Ausdrücke, Positionen und Blicke sorgfältig aus.

Was ist Ihre größte tägliche Inspirationsquelle, und wie pflegen Sie Ihre Kreativität?

Ohne Zweifel sind Menschen und ihre Vielfalt meine wichtigste Inspirationsquelle. Meine Illustrationen schreien selten eine direkte Botschaft heraus, sie werden irgendwie zu Manifesten. Stattdessen zeichnen sie ein Bild einer idealen Zukunft für mich. Sie zeigen überwiegend Menschen; das menschliche Element ist entscheidend für die Interpretation des Bildes selbst. Das Leben in pulsierenden Metropolen wie São Paulo und Hongkong hat meine Wahrnehmung des Lebens anderer geschärft und mir ermöglicht, die Einzigartigkeit innerhalb der Vielzahl zu erkennen. Vielleicht liebe ich deshalb große Städte: Dieses gemeinsame Identitätsgefühl ist häufiger und fühlt sich greifbarer an, fast notwendig. Ich pflege meine Kreativität, indem ich beobachte und kontinuierlich Themen, Orte und Atmosphären durch Fotografie einfange; mein Computer ist voller unzähliger Ordner mit Bildern, die ich immer wieder besuche und je nach Bedarf nutze. Allerdings wäre nichts davon ohne kontinuierliches Studium und eine unersättliche Neugier auf die Vergangenheit (was bereits getan wurde, die Meister, das Gepäck, das wir tragen) sowie auf die Gegenwart möglich. Wir leben in einer Ära, in der Reize übermäßig und überall vorhanden sind, und wir müssen unsere eigene kritische Perspektive entwickeln. Ich glaube, das ist extrem wichtig.

Erzählen Sie uns, wie die Zusammenarbeit mit Foscarini zustande kam.

Foscarini war als Architektin ständig in meinem Leben präsent, von ihren Produkten bis hin zu Inventario. Mit ihnen zusammenzuarbeiten ist das, was ich ein “Traumprojekt” nennen würde – es ist die perfekte Fusion von allem, was mir wichtig ist.

Bei dem Projekt “What’s in a lamp?” für Foscarini haben Sie faszinierende “Mikrowelten” um die Lampen der Kollektion geschaffen. Können Sie uns mehr über die Inspiration hinter dieser Serie erzählen?

Der Ausgangspunkt waren die Produkte von Foscarini selbst. Ich wollte, dass sie im Mittelpunkt der Erzählung stehen, also begann ich, sie im Hinblick auf ihr Zusammenspiel von Festkörpern und Hohlräumen zu untersuchen, von denen jeder sein eigenes Leben hat, das durch Zeit und Licht definiert ist – sei es natürlich oder künstlich – und die resultierenden Schatten. Es fühlte sich fast instinktiv an, sie als Miniaturarchitekturen zu sehen, um die sich das Leben dreht. Die Zeit entfaltet sich in einer Abfolge von Morgen, Nachmittagen, Abenden und Nächten; Die Lampen selbst scheinen unverändert zu bleiben, aber sie besitzen die bemerkenswerte Fähigkeit, zu leuchten und lebendig zu werden und so den Raum und das Leben um sie herum subtil zu verändern. Es ist eine subtile Verzauberung, eine Reflexion über die alltägliche Magie, die uns umgibt – der einzige Unterschied hier: Sie wird auf einer anderen Ebene vergrößert.

Gibt es Objekte, die wie die Foscarini-Lampen in Ihrer Serie feste Punkte, konstante Präsenzen darstellen, um die sich Ihre täglichen Erfahrungen entwickeln?

Ich habe in zahlreichen Häusern gelebt und eine komplizierte Beziehung zur Vorstellung von Zuhause selbst (vielleicht kommt daher meine Obsession mit dem Wohnen), und im Laufe der Zeit bin ich immer wählerischer geworden bei der Auswahl der Gegenstände, die mich umgeben. Der eine konstante, der “Anker” in jedem dieser Häuser, glaube ich, war immer der Esstisch. Das Leben im gesamten Haus dreht sich um diesen Tisch – von Mahlzeiten über Vorbereitungen, vom Studium bis zur Arbeit, von Experimenten bis zum Spielen, von Gesprächen bis zur Gastfreundschaft. Tatsächlich dominiert es derzeit fast das gesamte Haus. Wenn ich spezifische Gegenstände nennen müsste, die mich in diesen elf Häusern begleitet haben, sind es allesamt kleine und leicht zu tragende Gegenstände: eine hölzerne Heilige Geistfigur, ein Geschenk von einem Freund; ein Buch von Zumthor; ein altes Foto meines Großvaters, das das Blühen einer Sukkulente einfängt; eine Gravur einer Gruppe brasilianischer Araukarien. Es ist wie eine kleine, tragbare Wunderkammer.

Können Sie auf den narrativen Aspekt Ihres kreativen Prozesses eingehen?

Die Erzählung hinter jedem Stück ist entscheidend und spielt eine wichtige Rolle; sie bereichert und formt das Werk selbst. Die Entscheidung, was gesagt werden soll, in welchem ​​Umfang, wie es ausgedrückt werden soll und welche Tonart angenommen werden soll, beeinflusst alle folgenden formalen Entscheidungen, von der Komposition bis zur Farbpalette. Persönlich bevorzuge ich die Werke, die keine endgültigen Antworten geben, sondern Fragen aufwerfen sollen. Ich glaube, die Illustrationen, die ich für Foscarini geschaffen habe, veranschaulichen diesen Ansatz: Sie zeigen das Leben, das sich um die Lampen entfaltet, geben uns aber keine Anweisungen, wie wir mit ihnen interagieren sollen. Stattdessen regen sie uns zum Nachdenken an, uns in ihnen zu sehen und zu überlegen, welche Rolle wir gespielt haben könnten, welche Momente des Tages für uns resonieren und welche Art von Licht uns am meisten beruhigt. Sie dienen als Verbindung zu den dargestellten Lampen und zeichnen Pfade, die uns näher an sie heranführen und uns dazu bringen, an diesem Lebenskarussell teilnehmen zu wollen.

Was ist Ihre Lieblingsillustration in diesem Projekt, und was bedeutet sie für Sie?

Jede dieser Illustrationen war für mich eine persönliche Reise, aber ich muss sagen, ich habe eine besondere Zuneigung für Cri Cri’s Nacht. Es ist die einzige Lampe, die ich während der Nachtstunden beleuchtet dargestellt habe, weil ihre Ähnlichkeit mit einer kleinen Laterne sofort den Zauber einer mit Leben gefüllten Nacht hervorrief. In diesem intimen und magischen Moment ist ein Kind fasziniert, vertieft in die Seiten eines Buches, was den Raum mit Möglichkeiten lebendig macht.

Was ist Ihr Lieblingsthema zum Zeichnen?

Kinder sind mein Lieblingsthema zum Zeichnen, aus mehreren Gründen. Erstens vermitteln sie mühelos Konzepte und Emotionen, da ihre Aktivitäten oft komplexe Ideen auf einfache und unmittelbare Weise verkörpern. Ihr Spiel dient als Metapher für das Leben selbst. Außerdem macht es mir Freude, sie zu zeichnen; Mir wurde gesagt, dass ich lächle, während ich sie skizziere. Kurz gesagt, sie sind das beste Antidepressivum.

Was bedeutet Kreativität für Sie?

Ich werde Ihre Wahl des Verbs, um über Kreativität zu sprechen, aufgreifen: kultivieren. Ich glaube, dieses Verb umschreibt ihre Essenz perfekt: sie ist lebendig. Kreativität verlangt tägliche Nahrung, Aufmerksamkeit und Pflege, aber auch die Fähigkeit, sie wachsen und erstrahlen zu lassen. Eine Fähigkeit, die mit Vorbereitung und angeborener Veranlagung verbunden ist.

Fausto Gilberti ist ein vielseitiger Künstler: Maler, Zeichner und Autor von Büchern, die mit Ironie und Neugierde von Kunst erzählen, insbesondere von der zeitgenössischen sowie Konzeptkunst. Sein kennzeichnender Stil zwischen Malerei und Zeichnung, zwischen Grafik und Illustration, erzählt Geschichten anhand von Bildern, in denen stilisierte Figuren mit großen Augen auf einem unbestimmten, weißen Hintergrund auftauchen und so einzigartige und sofort erkennbare Szenarien entstehen lassen.

Die ikonischen Männchen bewegen sich in einem himmlischen Bereich, wo sie mit den Foscarini-Leuchten interagieren und ironische sowie surreale Situationen entstehen lassen.

Minimalistische und kurz gefasste Linien, ein Ergebnis von jahrelanger Suche, um eine persönliche, grafische Linienführung zu finden, die den Menschen auf ein Minimum reduziert. Darin findet er mit dem Design der Foscarini-Leuchten einen gemeinsamen roten Faden: die Suche nach Synthese, die Beseitigung des Überflüssigen, um das Wesentliche zu erreichen. Gilberti meint: „Beim Zeichnen suchte ich stets einfache Formen und eine klare Linienführung. Diese formalen Elemente fand ich auch bei den Foscarini-Leuchten. Als ich sie zeichnete, merkte ich sofort, dass ihre Form perfekt mit der meiner Figuren harmonierte.“

Bei dieser ganz neuen Reihe von Zeichnungen interagiert Gilbertis archetypisches Männchen mit den Leuchten der Foscarini-Kollektion, indem er sie stützt, umarmt und bildlich in ihr Licht und ihre Form eintaucht. Ein einzigartiger Blick auf die intime Beziehung zwischen Mensch und Licht.

Die Illustrationen in Schwarz-Weiß sind lebendig und ausdrucksstark. Kleine Details kennzeichnen die stilisierten Figuren und die Leuchten tragen – als einziger Farbtupfer – dazu bei, die Persönlichkeit der Figur zu bestimmen, die mit ihnen interagiert, so wie sie etwas von uns erzählen, wenn wir sie für unser Heim auswählen.

Folgen Sie dem Projekt „What‘s in a Lamp?“ auf Instagram, um die gesamte Reihe zu entdecken und lesen Sie unser Exklusivinterview mit dem Künstler Fausto Gilberti, erfahren Sie mehr über seine Inspirationsquellen, seine künstlerische Arbeit und über seine Zusammenarbeit mit Foscarini.

Wie begann dein künstlerisches Abenteuer? Hast du immer gewusst, dass die Kunst deinen Lebensweg begleiten würde? Was war deine erste bedeutende Erfahrung in dieser Welt?

Als Kind sah ich meinem Bruder Mario beim Malen zu und ahmte ihn nach. Mario ist viel älter als ich und begleitete mich zu seinen Ausstellungen durch ganz Italien und in Kunststädte, um die Werke berühmter Maler zu betrachten. Ihm gefällt heute noch von allen Beato Angelico am besten.

Es war im Jahr 1987 und ich besuchte die Kunstschule. Während des Geometrieunterrichts war ich dabei, heimlich eine Zeichnung fertigzustellen, auf der einige hundert Männchen zu sehen waren, die ein kleines Blatt vollkommen übersäten. Irgendwann bemerkte der Professor, dass ich dem Unterricht nicht folgte. Also näherte er sich mir bedrohlich und entdeckte, dass ich mich meiner Zeichnung widmete. Anstatt mir jedoch die Leviten zu lesen, sagte er zu meiner Überraschung und der meiner Klassenkameraden: „Bravo Gilberti, mach weiter.“

Diese Zeichnung, die ich noch immer aufbewahre, ist eine Zusammenstellung von 562 zweieinhalb-Zentimeter-großen Männchen, die auf zehn Reihen angeordnet sind. Jedes ist anders. Es heißt: „Die Nonne“. Diese Geschichte sehe ich als den Anfang von allem an.

Was motiviert dich beim Kreieren? Leitet sich deine Inspiration von der Neugierde, von der Bedeutungssuche oder vom puren, visuellen Ausdruck ab?

Ich fühle mich von allen Bildern, die ich sehe, angezogen, nicht nur von Kunstbildern. Auch die, die in den sozialen Netzwerken gepostet oder in einer normalen Hochglanzzeitschrift veröffentlicht werden, interessieren mich. Auch die, die von einem literarischen Text beschrieben oder von einem Film projiziert oder aber beim Hören von Musik wachgerufen werden. Jedes Bild, das mich beeindruckt, kann Inspirationsquelle sein.

Dein minimalistischer und kurz gefasster Stil, mit stilisierten Figuren mit großen und verdrehten Augen, wurde zu deinem Markenzeichen. Wie hast du diesen unverwechselbaren Stil entwickelt?

Es war ein langsamer Vorgang zur Synthese und Reduzierung meiner Linienführung.

Wie ich schon sagte, zeichnete ich vor einigen Jahren menschliche Gestalten voller Details. Jedes Männchen war anders. Jedes hatte einzigartige Merkmale: sie waren Personen. Heute hingegen ist das Männchen, das ich zeichne, die allgemeine, auf ein Minimum reduzierte Darstellung des Menschen.

Sprechen wir über das Foscarini-Projekt „What‘s in a lamp?“. Was hat dich bei dieser Zusammenarbeit besonders inspiriert? Welches Werk ist im Rahmen dieses Projekts dein Lieblingswerk und welche Bedeutung hat es für dich?

Beim Zeichnen suchte ich stets einfache Formen und eine klare Linienführung. Diese formalen Elemente fand ich auch bei den Foscarini-Leuchten. Als ich sie zeichnete, merkte ich sofort, dass ihre Form perfekt mit der meiner Figuren harmonierte.

Von den angefertigten Zeichnungen ist die mit der Leuchte Gregg meine Lieblingszeichnung. Ich wollte die Sanftheit, Poesie und Eleganz dieser Leuchte vermitteln. Und die Darstellung mit der Umarmung kam mir fast automatisch in den Sinn.

Trotz des minimalistischen Stils sind viele deiner Arbeiten imstande, mit wenigen Linien ganze Geschichten, das Leben, Situationen und Gefühle zu erzählen. Kannst du den „erzählerischen“ Teil deines Schaffensprozesses vertiefen?

Manchmal braucht man nur die Linienstärke ändern und die Zeichnung sieht gleich anders aus und ändert ihre Bedeutung. Linien, Formen und Farben auf das Papier zu zaubern, ist ein bisschen so, als würde man ein Musikstück komponieren. Die Noten sind immer dieselben, doch hat man unendliche Möglichkeiten, sie zu kombinieren. Es braucht nicht viel und die Musik ist ganz anders.

Welche Inspirationsquellen leiten dich bei deiner Arbeit? Was fasziniert dich in der Welt, die dich umgibt, und wie spiegelt sich das in deinem Stil wider?

Ich vergöttere seit jeher die Malerei des Mittelalters und der frühen Renaissance und ich habe stets versucht, meine Werke zu schaffen, indem ich mich von den formalen Merkmalen dieser Kunstepochen inspirieren ließ: von der Sinnbildlichkeit, Schlichtheit und Starrheit der mittelalterlichen Malerei sowie von der Harmonie, dem Gleichgewicht und der narrativen Ausdruckskraft der Malerei der Renaissance. Ich machte meine künstlerische Ausbildung in der Welt der zeitgenössischen Kunst, doch gleichzeitig sah ich mir andere kreative Bereiche an und studierte sie.

Vor ein paar Jahren war eine meiner größten Inspirationsquellen die Musik, die musikalischen Videoclips, die Alben-Covers, sowie die Vorstellungswelt, an der sich einige Musikrichtungen inspirierten. Ich malte viele Bilder zu diesem Thema und veröffentlichte ein Buch mit etwa 200 Zeichnungen.

Auch das Kino inspirierte mich oft: 1999 fertigte ich für eine meine allerersten Einzelausstellungen eine Reihe von Werken (Öl auf Leinwand, Zeichnungen und Wandgemälde) an, die sich an Twin Peaks von David Lynch inspirierten.

Ich bin überzeugt, dass jeder Künstler immer sich selbst erzählt, dass sein Werk immer „autobiografisch“ ist. In meiner Arbeit spiegeln sich sämtliche Erfahrungen meines Lebens wider, meine Leidenschaften, sowie meine Besessenheit.

Du hast zusammen mit Corraini Edizioni eine Reihe von illustrierten Büchern verfasst, die das Leben verschiedener Künstler, wie Piero Manzoni, Bansky, Yayoi Kusama, erzählen. Warum hast du beschlossen, das Leben und das Werk von anderen Künstlern zu erzählen und warum ist es wichtig, es aus dem Blickwinkel eines Künstlerkollegen zu tun? Wie spiegelt sich dein künstlerischer Ansatz in diesen Biografien wider?

Das erste Buch der Reihe über die zeitgenössischen Künstler ist beinahe zufällig entstanden. Die Idee kam mir, als ich die Ausstellung von Piero Manzoni im Jahr 2014 in Mailand besuchte. Ich hatte Emma und Martino (meine beiden Kinder, die damals 7 und 8 Jahre alt waren) mitgenommen, obwohl ich fürchtete, dass sie sich langweilen könnten. Ich sah sie neugierig und amüsiert durch die Räumlichkeiten des Königspalastes spazieren und die bizarren Werke von Manzoni erstaunt bewundern. Da habe ich verstanden, dass mein nächstes Buch eine wahre Geschichte erzählen würde! Die von Piero Manzoni. Als ich das Buch veröffentlicht hatte, bemerkte ich, dass es weitere revolutionäre Künstler und Konzeptkünstler wie Manzoni gab, die von den Erwachsenen oft mit Vorurteilen betrachtet wurden und die den Kindern noch nicht nähergebracht worden waren. So haben wir mit Corraini nachgedacht und dann beschlossen, eine eigene Bücherreihe zu beginnen.

Ich mache diese Bücher mit einem Ansatz, der dem sehr ähnlich ist, den ich verwende, wenn ich für eine Ausstellung zeichne oder male. Ich arbeite vollkommen frei und setze mir keine didaktischen oder pädagogischen Ziele. Ich versuche, mich zu amüsieren und das Publikum zu unterhalten, indem ich ihm eine – wenn auch komplexe – Geschichte auf minimalistische und möglichst wirksame Weise erzähle, wobei ich die grafische Linienführung und vor allem den Text einer Kürzung unterziehe.

Wer waren deine Lehrer und bedeutendsten Einflüsse, die deine künstlerische Vision formten?

Zeitgenössische Künstler wie Yves Klein, Keith Haring, Jean Dubuffet, Jochum Nordstrom, Raymond Pettibon und viele andere. Frühere Maler wie Rosso Fiorentino, Piero della Francesca, Jan Van Eyck. Schriftsteller wie Cormac McCarthy und Raymon Carver. Regisseure wie David Lynch und Lars Von Trier. Musiker wie Miles Davis, The Cure, Joy Division, Radiohead, Apex Twin, Nine Inch Nails, Bon Iver, Alt-J.

Hast du beim Zeichnen ein Ritual? Folgst du bestimmten Gewohnheiten oder Abläufen, wenn du dich dem Zeichnen widmest?

Sagen wir, dass ich fast nie in Stille zeichne. Entweder zeichne ich, während ich Musik höre, oder während ich in den Pausen (also wenn ich den Stift vom Papier nehme) zu einem Film oder einer TV-Serie spähe.

Was bedeutet für dich Kreativität?

Es ist die Fähigkeit, die Welt und alles um uns herum von mehreren Blickwinkeln zu betrachten. Auf der Suche nach etwas, das den meisten nicht gleich offensichtlich erscheint. Und dann die persönliche Ausarbeitung dessen, was wir entdeckt und wahrgenommen haben.

Der Mailänder Künstler Stefano Colferai etabliert sich als vielseitiges Talent. Als Grafiker und Illustrator entwickelte er sich in der 3D-Modellierung und dann in der Bildhauerei weiter, wobei er ein wenig verwendetes Material – das Plastilin – als Ausdrucksmittel wählte. Seine Figuren und seine ironischen und ansprechenden Animationen haben die Aufmerksamkeit von Verlagen und Zeitschriften auch aus Übersee auf sich gezogen, die dazu beigetragen haben, seine Kunst einem internationalen Publikum näherzubringen.

In seiner Serie für Foscarinis Redaktionsprojekt „What‘s in a lamp?“ erforscht Stefano Colferai, inspiriert vom Fotoprojekt VITE (von Foscarini und Gianluca Vassallo, weitere Informationen hier [Link]), die Beziehung zwischen Licht, Leuchte, Mensch und Heim und lässt eine in ihrer Art einzigartige Animationsserie entstehen. Die Leuchten von Foscarini werden wesentlicher Bestandteil des Alltags einer sympathischen, vom Künstler kreierten Plastilinfigur und begleiten ihn vom Frühstück bis hin zum abendlichen Serienmarathon.

In diesem Exklusivinterview erforschen wir die kreative Welt von Stefano Colferai und vertiefen seine Zusammenarbeit mit Foscarini. Der Künstler erzählt von seiner künstlerischen Laufbahn, davon, warum er sich für Plastilin als charakteristisches Material entschieden hat, und er spricht von der entscheidenden Bedeutung des Lichts in seiner Kunst.

Erzähl uns etwas von dir: Wusstest du schon immer, dass du Künstler werden wolltest? Wie bist du zur Bildhauerei gekommen?

Ich glaube schon! Ich hatte schon immer den Wunsch, den Willen und das Bedürfnis, meine Ideen auszudrücken und anhand verschiedener Instrumente zu vermitteln, wobei ich ständig auf der Suche nach dem war, was sich mit meiner Vorstellungskraft am besten vereinen ließ und mich zufriedenstellen konnte. Es war ein autodidaktischer Weg, der stets die Erschaffung von Figuren als Leitfaden aufwies und vom Zeichnen auf Papier und der digitalen Zeichnung über die Malerei hin zur Bildhauerei führte.

Warum hast du dich für ein Arbeitsmaterial wie Plastilin entschieden? Wie hast du gelernt, es zu nutzen?

In der Phase der stilistischen Suche war ich auf einmal sehr von der 3D-Welt fasziniert und davon, den Figuren und Illustrationen, die ich (vor ca. 10 Jahren) umsetzte, mehr Tiefe verleihen zu können. In meiner Annäherung und Begegnung mit der 3D-Sprache und nach meiner Erforschung der digitalen Welt begriff ich, dass meine kreative Wende eigentlich in eine handwerklichere Richtung gehen konnte, um mich zur natürlichen Fähigkeit, mit den Händen zu arbeiten, zurückzubringen. Ich habe also begonnen, mit Plastilin zu arbeiten und es zu fotografieren, dank einer Intuition, es als Material für meine Skulpturen verwenden zu können und dabei meinem damaligen Stil treu zu bleiben, um so einen echten 3D-Effekt zu simulieren.

Wie sieht dein kreativer Schaffensprozess aus? Hast du ein besonderes Ritual, wenn du deine Skulpturen erschaffst?

Ich bin sehr spontan. Selten fertige ich Skizzen von Ideen an, weil ich lieber sofort veranschauliche und mit den Händen einer Idee, die ich hatte, Gestalt verleihe. Vielleicht besteht mein Ritual darin, all meinen Ideen in den Notizen des Telefons zu vermerken, um keine Ideen zu vergessen und sie in dem Moment, in dem ich sie umsetzen kann, wieder aufzunehmen. Ab diesem Zeitpunkt ist es ein ständiges Fließen zwischen Skulptur, Foto, Animation und Nachbearbeitung.

Welche Rolle spielt das Licht in deiner Kunst?

Die Rolle des Lichts ist wesentlich: Meine Arbeiten würden ohne die Fotografie nicht existieren! Obwohl angesichts der Beleuchtung der von mir umgesetzten Arbeiten eine große Kontinuität besteht, habe ich in diesen Jahren viel recherchiert, um die beste Beziehung zwischen meinen Subjekten, meiner Kulisse, der mich umgebenden Umwelt und der Beleuchtung zu suchen, um so zu versuchen, auch dank des Lichts eine Erzählung zu erschaffen. Durch die Kommunikation anhand von Fotos und Videos kann ein richtiges Licht einer umgesetzten Skulptur und aufeinanderfolgenden Frames, die eine Animation entstehen lassen, unfassbar mehr Wert verleihen, die richtige Atmosphäre schaffen, den Körper und den Charakter jeder Szene bestimmen. Das Licht jeder Animation oder jedes Standbilds ist einer der Momente, für den ich zusammen mit der Modellierung mehr Zeit brauche.

Wie entstand die Zusammenarbeit mit Foscarini?

Sicherlich aus den gemeinsamen Interessen für einige sehr wichtige Elemente heraus, wie Licht, Sorgfalt, das Interesse für die Form und das Handwerk.

In diesem Projekt hast du häusliche, familiäre Szenen beschrieben, in denen das Licht und die Foscarini-Leuchten die Hauptfigur begleiten und etwas von ihrer Persönlichkeit erzählen, da Eindrücke und Gefühle freigesetzt werden, in die man sich leicht hineinversetzen kann. Erzählst du uns mehr über die Inspiration hinter dieser Arbeit?

Ich habe das Foscarini-Projekt VITE, das anhand der Fotografie von der Beziehung zwischen Licht/Leuchte, Mensch und Heim erzählt, gleich sehr interessant gefunden. Es war für mich eine große Inspiration, die Unvollkommenheit in den Aufnahmen dieser Erzählungen wahrzunehmen, in denen das Licht sehr ist, und mich zu fragen, wie sich die Beziehung zwischen Mensch und Heim in diesen Jahren geändert hat. Da ich mich mit Figurendesign befasse und von diesem Projekt von Foscarini angeregt war, wollte ich meine eigene Figur erschaffen und sie in verschiedenen, hypothetischen Umgebungen leben lassen, als ob es Momentaufnahmen von Vite wären. Die Figur erlebt also ihren Alltag, begleitet vom Licht und von der Form der Leuchten. in den verschiedenen Zimmern, in denen sie sich aufhält, wobei sie in bei den verrichteten Tätigkeiten die Sprache beibehält, die meinen Stil mit derselben Spontanität der Erzählungen von VITE prägt.

Gibt es Gegenstände, die dich «wie Zuhause» fühlen lassen, wo immer du auch bist?

Ja, und ich würde Kaffeetassen, Lehnsessel, Holztische, Leuchten, Bilderrahmen und Druckwerke, Landkarten, Kommoden und Schuhregale, Plattenspieler und Platten, Brettspiele und Karten auf die Liste setzen. Ich könnte mit der Aufzählung noch lange weitermachen!

Welche Szenen dieser Serie gefallen dir am besten und warum?

Ich habe die Szene des Malers in mein Herz geschlossen, die ich sowohl wegen dem Kulissenaufbau als auch wegen Licht und Umgebung mit meinem Opa in Verbindung bringe. Er malte immer Landschaften von Ansichtskarten nach, Landschaftsfotos aus Zeitungen oder jedenfalls Erinnerungen an seine Orte. Das Gemälde von Venedig, das die Figur umsetzt, ist ein Osterei, das an die Wurzeln von Foscarini verweist, doch mich besonders auch an ihn erinnert.

Was sind die Quellen für deine Inspiration und wie förderst du deine Kreativität?

Ich habe verschiedene und versuche, sie alle beizubehalten: Ich mag besonders Märkte, wo man alle möglichen Leute treffen, unerwartete Situationen beobachten, Gerüche wahrnehmen, Laute, Lärm und verschiedene Sprachen hören kann. Es inspiriert mich sehr, Kunstgalerien zu besuchen und zu versuchen, die Künstler, die ich nicht kannte, zu verstehen, zu schätzen oder nicht zu schätzen. Mich inspiriert alles, was eine händische Anstrengung bedeutet und Kreativität miteinbezieht, mich inspirieren Menschen, die über ihre Grenzen hinausgehen, und sportliche Leistungen. Mich inspiriert wer seine Ziele erreicht, doch auch wer es nicht schafft, obwohl er es mit all seiner Kraft versucht hat. Mich inspiriert, wer eine Veränderung zu Ende bringt und ich finde es besonders inspirierend, unter der Dusche zu stehen. Mich inspiriert Reisen und aus meiner Komfortzone hinauszugehen. Mich inspirieren Erzählungen. Es gibt viele Dinge, dich mich inspirieren und ich versuche, meine Kreativität zu hegen, so als ob all diese Dinge Leuchten wären, die es im richtigen Moment einzuschalten gilt!

Was bedeutet für dich Kreativität?

Das sichtbar zu machen, was noch nicht kreiert wurde.

Ein neues Kapitel des Redaktionsprojekts „What‘s in a Lamp“ von Foscarini: Der italienische Künstler Luccico interpretiert künstlerisch das Konzept der „erweiterten Realität“ auf noch nie dagewesene und überraschende Weise neu. Die raffinierten Stillleben-Produktaufnahmen des Fotografen Massimo Gardone treffen auf Luccicos Fantasie und lassen so unerwartete und surreale Erzählungen entstehen, bei denen die Foscarini-Leuchtenikonen im Mittelpunkt stehen und zu Protagonisten von symbolischen Märchen werden.

Luciano Cina, besser bekannt als Luccico, ist nicht nur ein Künstler: Er ist ein Geschichtenerzähler, der gewöhnlichen Dingen neues Licht einhaucht. Der in Ökodesign an der Polytechnischen Universität in Turin spezialisierte Künstler beginnt seine Laufbahn mit einem Spitznamen, Luccico, den er zur Zeit der Universität erhalten hat. 2014 beginnt er mit dem Projekt #MoreThanAPics auf Instagram: Fotografien alltäglicher Ansichten, die allein mit Hilfe seiner Finger, eines Tablets und seiner persönlichen Note von Kreativität, Leichtheit und Ironie surreal werden. So verwandelt sich ein Theater in ein Aquarium, ein Loch im Asphalt wird ein Eisbär, ein Ölfleck ist ein Wildpferd und der Säulengang des Petersdoms wird zum Jazzmusik-Ensemble. In Luciano Cinas Augen kann auch das banalste Detail ein Kunstwerk werden.
Das Unternehmen Foscarini, das in Kreativität und Design oft sehr fortschrittlich ist, hat den Künstler entdeckt und im Jahr 2015 eine Zusammenarbeit mit Luccico begonnen. Heute wird diese Zusammenarbeit im Rahmen des Redaktionsprojekts „What‘s in a Lamp?“ erneuert, das den Instagram-Feed von @foscarinilamps in eine virtuelle Galerie verwandelt, in der sich unterschiedliche Interpretationen der Foscarini-Kollektion von etablierten und neuen Künstlern abwechseln, jeder von ihnen mit seiner eigenen Sichtweise und einzigartigen Kreativität.
Die Reihe von Luccico für „What‘s in a Lamp?“ ist eine noch nie dagewesene Mischung von Fotografie und Illustration, die ausgehend von sechs Stillleben-Produktfotos des Fotografen Massimo Gardone Gestalt annimmt. Diese Aufnahmen sind für Luccico eine ideale Leinwand, auf der er seine kreative Neuinterpretation einiger Foscarini-Leuchten schaffen kann. Das Resultat ist eine Bilderreihe, die dazu anregt, außergewöhnliche Geschichten zu erforschen, die über die Fotografie hinausgehen. In dieser visuellen Erzählung, in der die Leuchten im Mittelpunkt stehen, vereinen sich Erzählungen, die sich an ihren Geschichten und ihrem unverwechselbaren Design inspirieren, bereichert mit einem Hauch von Extravaganz.

„Ich bin ständig auf der Suche nach kleinen Details, die als Brücke zu meiner Fantasiewelt dienen können – einer Traumwelt, in der die Vorstellungskraft die einzige Grenze setzt. Der flexible Bogen der Leuchte Twiggy von Marc Sadler war z. B. die perfekte Inspiration für eine wunderschöne Geschichte, die mit dem Angeln zusammenhängt. Jede kleine Geste trägt dazu bei, den Funken der Kreativität am Leben zu erhalten und ich hoffe, dass ich es nie müde werde, das, was uns umgibt, mit den Augen eines Kindes zu betrachten.“ Luciano Cina alias Luccico

Lesen Sie das Interview und tauchen Sie in Luccicos Fantasie ein, eine bezaubernde Welt, in der ein Strich ausreicht, um das Gewöhnliche in etwas Außergewöhnliches zu verwandeln.

Erzähl uns etwas von dir und deiner künstlerischen Laufbahn: Wie entsteht «Luccico»? Wann hast du mit dem Zeichnen begonnen?

Luccico ist ein Spitzname, den man mir zur Unizeit gab. Beim Herumexperimentieren mit meinem Namen wurde aus Luciano Lucio, dann Luce und … bum! … so entstand Luccico.
Ich habe eher zufällig mit dem Zeichnen begonnen. Ich hatte gerade das Flugticket für meine neue Stadt gekauft und, während ich in tausend Gedanken versunken war, hatte ich eine Skizze auf meinem Smartphone angefertigt: ein Flugzeug zwischen den Wolken auf einem Foto. Ich teilte es in den sozialen Netzwerken und mein Leben änderte sich. Jetzt, nach fast zehn Jahren, erzähle ich diese Geschichte noch immer.

Im Jahr 2014 hast du begonnen, Instagram mit deiner „erweiterten Realität“ zu füllen, mit Fotoaufnahmen, die dank deiner überlagerten Illustrationen zu Leben erwachen. Wann und wie entsteht dein Kreativprojekt?

Erweiterte Realität ist der am besten geeignete Ausdruck, um das Projekt #MoreThanAPics zu beschreiben, da er über das einfache Foto hinausgeht.
Die Idee entstand aus dem Wunsch heraus, etwas dem Foto hinzuzufügen, eine Nachricht, einen Gedanken. Ich bin ständig auf der Suche nach kleinen Details, die als Brücke zu meiner Fantasiewelt dienen können. Ich vereine gerne Szenen des Alltagslebens, typische Augenblicke und Orte mit fantastischen und surrealen Landschaften. So entsteht eine Traumwelt, in der unsere Vorstellungskraft die einzige Grenze setzt.

Deine Bilder erzählen Geschichten anhand der Universalität der visuellen Sprache. Wie entwickelst du das Erzählelement in deinem Schaffensprozess, um ausgehend von einem Bild das Storytelling entstehen zu lassen?

Sicherlich mag ich es, mich von den Gefühlen leiten zu lassen, die ich in einem bestimmten Moment verspüre.
Um die richtige Inspiration zu finden, beobachte ich alles, was mich umgibt. Oft ist es derselbe, aus verschiedenen Perspektiven betrachtete Gegenstand, der meine Kreativität anregt.

Die Zusammenarbeit mit Foscarini beginnt im Jahr 2015, beinahe zufällig, und nun wird sie für das Projekt «What’s in a lamp?» erneuert. Sechs Produktfotos, die vom Fotografen Massimo Gardone aufgenommen wurden, treffen auf deine Fantasie und lassen unerwartete und surreale Situationen entstehen. Erzählst du uns mehr über die Inspiration hinter dieser Arbeit?

Die erste Zusammenarbeit ist eine unauslöschliche Erinnerung. Für einen Design-Studenten wie mich, war es wie einen Traum zu verwirklichen.
Foscarini war stets für seine Originalität und Innovation bekannt und die Gelegenheit zu bekommen, mit einer international bekannten Marke in Verbindung gebracht zu werden, war ein Grund, um sehr stolz zu sein.
Die Einfachheit der Bildkomposition von Massimo Gardone sowie der minimale Gebrauch von Licht und Farbe machen es mir möglich, das Design dieser Leuchtenikonen auf ironische Weise zu erforschen und neu zu interpretieren.

Welche Zeichnung(en) dieser Serie gefallen dir am besten und warum?

Ich denke an die Bodenleuchte Twiggy von Marc Sadler: Der flexible Bogen, der einer Angelrute ähnelt, war die perfekte Inspiration für eine wunderschöne Geschichte, die mit dem Angeln zusammenhängt.

Deine Werke erfordern Kreativität und die Fähigkeit, die Realität aus verschiedenen und originellen Perspektiven zu betrachten: Wie bleibst du offen für neue Ideen? Welche sind deine Inspirationsquellen?

Die Kreativität zu trainieren, erfordert Zeit. Ich versuche, ein paar Momente des Tages dem Erforschen, Experimentieren und Spielen zu widmen, denn anhand der Vorstellungskraft können wir unser kreatives Potenzial freisetzen. Diese Momente können in einer schnellen Skizze bestehen, einem Spaziergang durch die Straßen der Stadt, in der Lektüre eines Buches, das sich von unserem üblichen Genre abhebt, oder einfach darin, die Wolken am Himmel zu betrachten.
Jede kleine Geste trägt dazu bei, den Funken der Kreativität am Leben zu erhalten und ich hoffe, dass ich es nie müde werde, das, was uns umgibt, mit den Augen eines Kindes zu betrachten.

Gibt es einen Gegenstand, den du am liebsten zeichnest?

Ich zeichne gerne Papierflugzeuge, weil ich sie mit der Leichtheit der Gedanken verbinde.
Außerdem – kleiner Spoiler – arbeite ich daran, eine Figur zu kreieren, die in meinen nächsten Arbeiten zu einem konstanten und erkennbaren Fixpunkt wird.

Hast du beim Zeichnen ein Ritual?

Normalerweise zeichne ich nachts. Nach einem intensiven Arbeitstag ist das meine Art, mich zu entspannen.
Ich versuche, nicht länger als 30 Minuten an einer Zeichnung zu arbeiten, da sie direkt, einfach, klar sein muss und nur wenige Linien aufweisen darf.
An einem Bild länger als 30 Minuten zu arbeiten, macht es schwierig, die Nachricht zu verstehen.

Was bedeutet für dich Kreativität?

Es ist ein Funke, der die Fantasie anzündet und das Gewöhnliche ins Außergewöhnliche verwandelt.

Alessandra Bruni, Geburtsjahr ´97, ist eine träumerische Seele, die mit der Kreativität tanzt. Als Künstlerin und Tätowiererin begleitete sie stets ihre Leidenschaft für Kunst, doch erst in den letzten Jahren etablierte sie sich als eine der anregendsten Persönlichkeiten am italienischen Horizont, die die Aufmerksamkeit von wichtigen Zeitungen, wie The New York Times, L‘Espresso und Internazionale, erobern konnte. Ihre Leidenschaft für Illustrationen entfachte erst vor kurzem: Tatsächlich begann Alessandra erst während der Covid-19-Pandemie, ihre Zeichnungen auf Instagram zu teilen. Ihre Werke, die sich an aktuellen Themen inspirieren, handeln von Emotionen und menschlichen Beziehungen und geben einen direkten und tiefen Blick auf einen einzigartigen und unverwechselbaren Stil und minimalistische, doch besonders suggestive Linienführung frei.

In ihrer Reihe für das Projekt „What‘s in a lamp?“ rückte das Licht in den Mittelpunkt und ließ so häusliche Umgebungen entstehen, die trotz ihrer Vertrautheit unerwartet überraschen. Erzählungen mit Bildern, in denen jede Leuchte mit der Persönlichkeit des Protagonisten harmoniert, sie offenbart und Gefühle und Emotionen hervorruft, in die man sich einfach hineinversetzen kann. Bilder, die – als wären sie offene Fenster – auf unseren Alltag blicken, genau von uns erzählen zu scheinen, von dem, was wir waren oder von dem, was wir sein werden, und beinahe spürbare Atmosphären entstehen lassen, die viel Vertrautheit vermitteln.

Entdecken Sie das vollständige Interview mit Alessandra Bruni und tauchen Sie in ihre faszinierende Welt voller Licht und Emotionen ein.

Erzähle uns von dir: Wusstest du immer schon, dass du Illustratorin werden wolltest? Wann hast du mit dem Zeichnen begonnen und wie hast du deinen Stil entwickelt bzw. weiterentwickelt?

Ich habe nicht immer gewusst, dass ich Illustratorin werden wollte, doch träume ich seit jeher, mit der Kunst zu arbeiten und ihr mein Leben zu widmen. Ich habe als Kind zu zeichnen begonnen, im Alter von drei Jahren hielt ich bereits Buntstifte in der Hand und hatte Spaß daran, am Computer mit Paint etwas zu kritzeln, was ich als eine Art ersten Ansatz an die digitale Welt bestimmen könnte. Obwohl ich mich nicht für einen Kunstzweig entschieden habe, widmete ich mich in der Schulzeit dem realistischen Zeichnen auf beinahe übertriebene Weise. Die Kopie des Echten war die Anfangsphase meiner Laufbahn, so als wollte ich mir die Formen der Dinge, Gesichter, Körper aneignen. Mit der Zeit kam die Notwendigkeit dazu, den Bildern eine Bedeutung und einen Inhalt zu verleihen. So begann ich, mich der konzeptuellen Illustration zu widmen. Der Stil wird ständig weiterentwickelt, er passt sich den Phasen, die ich in meinem beruflichen und persönlichen Leben durchquere, ganz natürlich an. Klarerweise ist ein Teil der Recherche vorbehalten, doch ist die instinktive Seite stets sehr maßgeblich.

Wie entstand die Zusammenarbeit mit Foscarini?

Die Zusammenarbeit mit Foscarini ist so entstanden, wie es vielleicht der Traum eines jeden Künstlers ist. Foscarini wurde auf meine Arbeit in einer Buchhandlung aufmerksam, als man meinen Namen hinter dem Einband eines Buches las, das ich illustriert hatte. Ich glaube, dass es nichts Befriedigenderes gibt, als zu wissen, dass meine Arbeit geschätzt und im wahrsten Sinne zufällig entdeckt wurde, mit der Einfachheit, mit der man eine kleine Wahrheit an einem gewöhnlichen Ort findet, „zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein“.

Deine Illustrationen sind in jeder Hinsicht Geschichten: die nicht mit Worten erzählt werden, sondern durch die unmittelbare und universelle Bildsprache. Kannst du uns vom „erzählerischen“ Teil deines Schaffensprozesses erzählen?

Wir leben in einer historischen Zeit, in der alle danach streben, ihrer Stimme Ausdruck zu verleihen, indem sie immer lauter werden und die anderen übertönen, manchmal ohne innezuhalten und nachzudenken. Ich hoffe, mit meiner Arbeit gegen den Strom zu schwimmen: Der Teil, den ich am liebsten mag, ist Zuhören. Ich versuche, so viele Informationen, wie ich kann, aufzunehmen, um sie dann auszuarbeiten und in ein Bild zu verwandeln. Es geht nur darum, die richtigen Elemente auszuwählen, die aneinandergereiht, mehr als viele Worte ausdrücken.

In diesem Projekt mit Foscarini hast du häusliche Szenen beschrieben, die zugleich vertraut und überraschend wirken: Situationen, in denen das Licht eine Wandlungskraft hat und beinahe materisch wird, um unerwartet und surreale Situationen entstehen zu lassen. Erzählst du uns mehr über die Inspiration hinter dieser Arbeit?

Bevor ich begann, mir diese Zeichnungen vorzustellen, durfte ich zu meiner großen Freude den Worten von Carlo Urbinati, dem Gründer und Präsidenten von Foscarini, lauschen. Seine Geschichten und die Leidenschaft, mit der er seiner Arbeit nachgeht, haben mich sehr inspiriert. Dieses Projekt veranlasste mich dazu, mit dem Licht zu hantieren und es als lebendig zu betrachten. Das Licht, im alltäglichen Leben wie bei einer künstlerischen Veranstaltung, lässt uns einem Element mehr Wert oder Bedeutung beimessen, hier steht das Licht selbst im Mittelpunkt. Die Idee, „das Licht zu beleuchten“ faszinierte mich sehr und ich hatte Spaß daran, damit zu spielen, um diese Reihe zu erschaffen, wobei ich nicht vergaß, den Schatten ebenso viel Bedeutung beizumessen.

In dieser Reihe sind die Leuchten der Dreh- und Angelpunkt, das Detail, das einen einfachen «Raum» in eine warme und persönliche Umgebung verwandelt, die wir Zuhause nennen können, indem sie die Atmosphäre schaffen, etwas von der Persönlichkeit des Protagonisten des Bildes erzählen und Gefühle und Emotionen anregen, in die man sich einfach hineinversetzen kann. Gibt es Dinge, die dich wie «zu Hause» fühlen lassen, wo immer du auch bist?

Während ich auf diese Fragen antworte, durchlebe ich einen ziemlich einzigartigen und besonderen Moment in meinem Leben. Ich bin gerade dabei, mein erstes Heim zu kaufen. Ich bin 25 Jahre alt und mein bisheriges Leben habe ich nur daran gedacht, zu „gehen“, ohne nie lange anzuhalten. Es ist also das erste Mal, dass ich dieses Bedürfnis verspüre, nach „Wärme“, nach einem Ort, an den ich heimkehre und mich zu Hause fühle. In den letzten Jahren habe ich in verschiedenen Umgebungen gelebt, ich bin mehrmals umgezogen und die Dinge, die ich immer dabeihatte, waren meine Bücher. Schachteln mit Büchern, die ich schon gelesen habe, ein paar schon als Kind. Trotzdem sind sie ein wesentliches Element in der Umgebung, sie schaffen Atmosphäre und vermitteln mir Unbeschwertheit. Ehrlich gesagt, habe ich mich noch nicht damit aufgehalten, über das Thema nachzudenken. Ich kann es kaum erwarten, zu entdecken, welche anderen Dinge mein Zuhause ausmachen.

Welche Zeichnung(en) dieser Serie gefallen dir am besten und warum?

Es ist nicht einfach, eine „Lieblingszeichnung“ auszuwählen. Jedes Bild ist einzigartig, so wie die Leuchten, von denen ich mich inspirieren ließ. Wenn ich mich entscheiden muss, würde ich vielleicht sagen, die, die ich für die Hängeleuchte Gregg geschaffen habe. Auf dem Bild sieht man ein gedankenverlorenes Mädchen am Fenster. Die Leuchte lässt etwas Paradoxes entstehen, denn das Licht spiegelt sich im Freien, auf dem Meer wider. Auf diese Weise lasse ich die Leuchte die Rolle der „Sonne“ der häuslichen Umgebung spielen. Außerdem setzen sich Drinnen und Draußen miteinander in Verbindung und die Grenze ist nicht mehr wahrnehmbar. Auf einer tiefgehenderen Ebene soll das eine Metapher sein, um zu beschreiben, wie unsere Innen- und Außenwelt eng miteinander verbunden sind.

Deine Arbeit reicht von aktuellen Themen über menschliche Beziehungen und persönliche Gefühle bis hin zu Umweltthemen und sozialen Fragen. Welches Motiv zeichnest du am liebsten oder in welchem Bereich fühlst du dich am wohlsten?

Ich neige dazu, immer neue Anregungen für meine Arbeit zu suchen, konstant ist wahrscheinlich die menschliche Gestalt. In fast all meinen Zeichnungen ist eine menschliche Gestalt vorhanden, die mit ihrer Umgebung interagiert, denn mich faszinieren die unendlichen Facetten ihrer Seele und ihres Geistes. Im Laufe der Geschichte hat der Mensch bewiesen, unglaubliche und wunderschöne Werke erschaffen zu können, doch ist er auch in der Lage, entsetzliche, manchmal nicht wiedergutzumachende Dinge anzurichten. Vielleicht sind wir deswegen so komplexe Wesen. Gleichzeitig fühle ich mich außerordentlich wohl, dieses umfassende Thema zu erforschen, da ich täglich gemischte Emotionen spüre und Zeichnen kann besonders befreiend sein, wie auch eine Art, um mit den anderen zu kommunizieren.

Inspiration und Kreativität liegen der redaktionellen Illustration zugrunde. Welche sind deine Inspirationsquellen?

Meine Inspirationsquellen sind vielfach. Ich versuche, mich von allem inspirieren zu lassen, was mich umgibt, angefangen bei der Umgebung, in der ich lebe. Auch Filme, Kunstwerke und Fotografien sind ausgezeichnete Modelle, von denen man sich inspirieren lassen kann, um etwas Neues zu schaffen. Außerdem folge ich der Arbeit von vielen Illustrationsmeistern, die für mich eine Anregung und ein Beispiel sind, um zu versuchen, ständig besser zu werden. Ich nenne hier nur einige: Noma Bar, Ivan Canu, Beppe Giacobbe, Pablo Amargo.

Was bedeutet für dich Kreativität?

Kreativität ist ein Drang, der von innen kommt und an zahlreiche Orte führen kann. Es ist ein atavistisches Bedürfnis, verschiedene Elemente miteinander zu verbinden, um etwas Neues entstehen zu lassen. Das Leben verdankt alles der Kreativität. Zu kreieren, bedeutet für mich, zu entdecken, zu wachsen, doch vor allem Spaß zu haben. Wenn ich kreiere, spüre ich, dass ich das tue, für das ich auf der Welt bin, es ist ein vollkommen irrationales Gefühl, dessen bin ich mir bewusst, doch es ist auch außerordentlich angenehm.

Ausgestattet mit einem einfachen Stift erweckt Kevin Lucbert Szenarien zwischen dem Vertrauten und dem Unbekannten zum Leben. Sein unverwechselbarer Stil, der die Grenzen zwischen Schriftstellerei, Design und Malerei überschreitet, regt dazu an, die eigenen Träume zu erforschen und loszukritzeln. Er nimmt einen Alltagsgegenstand – einen Kugelschreiber -, erfindet ihn neu und verwandelt ihn in ein Werkzeug der freien, künstlerischen Entfaltung.

Kevin Lucbert, der sich selbst gleichzeitig als Franzose und Berliner bezeichnet, hat im Jahr 2008 an der Nationalen Schule für Angewandte Kunst in Paris seinen Abschluss gemacht und lebt nun zwischen Berlin und Paris als Mitglied von The Ensaders, einer in der Umsetzung von Performances, Ausstellungen und Design-Workshops tätige Künstlergruppe.

Seine Kreativität hat ihre Wurzeln in der Macht zum Träumen, um dann den Traum Wirklichkeit werden zu lassen. Indem er sich über die Grenzen des Bewusstseins hinwegsetzt, lässt er geheimnisvolle Welten entstehen, die harmonisch Naturelemente vereinen, wie Sonne, Wasser, Erde und Himmel. Diese beeindruckende Kombination kann die Wahrnehmung der Realität verwirren und lädt dazu ein, sich auf eine faszinierende Fantasiereise durch Raum und Zeit zu begeben. Mit seinen Linien wird der Künstler zu unserem visionären Begleiter, während wir in sein bebendes und mystisches Universum eintauchen.

In seiner Reihe für das Foscarini-Projekt „What‘s in a Lamp?“ erforschte Kevin Lucbert die Leuchtenkollektion von Foscarini und ließ dabei seiner Vorstellungskraft freien Lauf. Das Ergebnis: surreale Szenarien, die von seinem unverwechselbaren Stil geprägt werden. Tauchen Sie ein in die Meerestiefen und stoßen Sie auf faszinierende Chouchin-Medusen und ungewöhnliche Lanternenfische mit der leuchtenden Twiggy, die sie auf ihrem Weg begleitet. Oder bewundern Sie den Himmel durch die Tischleuchte Nile, die als riesiges, gegen den Mond gerichtetes Teleskop ein Portal zum Universum und zum Himmel wird.

Entdecken Sie hautnah den Zauber von Kevin Lucbert und lassen Sie sich von seiner Kunst in außergewöhnliche Dimensionen entführen. Die komplette Reihe finden Sie im Instagram-Kanal @foscarinilamps.

Erzähl uns etwas von dir und deinem Weg als Künstler. War dir irgendwie stets bewusst, dass das der Weg war, den du einschlagen würdest?

Ich wurde 1985 in Paris geboren. Als Kind tauchte ich in die Comicwelt ein und las immer wieder die Familienkollektion der Klassiker, wie Tintin und Asterix. Dann entdeckte ich durch Zeitschriften wie „Metal Hurlant“ und „A Suivre“ den Autorencomic. Künstler wie Moebius, Tardi, Hugo Pratt, Enki Bilal, Druillet und Comès mit ihren bizarren und faszinierenden Geschichten in ihrer persönlichen Linienführung, mit verworrenen Zügen in Schwarz-Weiß. Meine junge Vorstellungskraft wurde davon so beeindruckt, dass in mir der Wunsch entfacht wurde, ein Comiczeichner und Illustrator zu werden.
Jahre danach studierte ich Kunst an der „Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs“ in Paris und konzentrierte mich auf den Bereich „Druckbild“. Hier studierte ich Illustration, Gravur, Siebdruck, Graphic Design und widmete mich auch der Filmkunst. Der multidisziplinäre Ansatz dieser Schule begünstigt eine mentale Öffnung und erweiterte meine Perspektiven. Im Jahr 2005-2006 hatte ich das Glück, eine Erasmus-Austauscherfahrung zu machen und Kommunikationsdesign an der Kunsthochschule Berlin- Weissensee zu studieren, eine sehr kostbare Erfahrung. 2012 beschloss ich, nach Berlin umzuziehen, wo ich und meine Familie seit nunmehr 10 Jahren leben.
Ich bin auch ein stolzes Mitglied der Künstlergruppe „Ensaders“, die ich gemeinsam mit zwei Studienkollegen gründete: Yann Bagot und Nathanaël Mikles. Seit unserer Begegnung im Jahr 2002 haben wir an der Umsetzung von Gemeinschaftszeichnungen gearbeitet, Workshops geleitet und Vorstellungen inszeniert.

Dein charakteristischer Stil mit Kugelschreiberlinien, die geschickt Schatten und Licht manipulieren, weckt unsere Neugierde. Wie würdest du deinen Stil beschreiben?

Mein Stil ist figurativ und orientiert sich an der Vereinfachung und Abstraktion der Formen. Ich setze geraden und sauberen Linien sowie geometrischen Mustern die Kurven und das Chaos der Naturelemente entgegen. Die moderne Stadtlandschaft mit ihrer Orthogonalität steht den wilden Meeren und dunklen Wäldern gegenüber. Ich kombiniere gerne Gegenteile miteinander. Der Kugelschreiber ermöglicht mir, verworrene Details, beinahe wie in einer Gravur, zu erschaffen und gleichzeitig kann ich ein Lineal verwenden, um Gitter oder geometrische Muster mit sauberen und klaren Linien zu zeichnen. Diese verschiedenen Linienstile, die durch die blaue Tinte homogen gestaltet wird, eröffnen vom grafischen Standpunkt aus eine Reihe von Möglichkeiten, die ich zu erforschen liebe.

Was hat dich dazu bewegt, dich für einen Kugelschreiber als Wahlwerkzeug zu entscheiden?

Ich verwende Kugelschreiber, weil ich gerne im Freien zeichne und dann stets einen bei der Hand habe. Ich nehme nicht gerne viele Zeicheninstrumente und Material mit. Der ikonische blaue Bic-Kuli ist etwas, das jeder in Reichweite hat. Er ist das Instrument, mit dem die Träume Form annehmen, während man auf einem Stück Papier kritzelt. Es ist der gleiche Stift, mit dem ich als Kind herumkritzelte und dabei die Ränder meiner Schulhefte verzierte. Wenn ich telefoniere, verwende ich ihn, um mir Notizen zu machen und unbewusst schaffe ich dann verworrene Muster, die sich auf einem Post-it überlagern. Ich war neugierig, herauszufinden, wie ich etwas vollkommen Neues ausdrücken könnte, indem ich ein so einfaches Werkzeug verwende und nur mit blauer Tinte ein originelles Universum erschaffe.

Kannst du uns von der Bedeutung des blau-weißen Doppelszenariums in deinen surrealen Zeichnungen erzählen?

Ich bin von der besonderen blauen Farbe des Bic-Kulis fasziniert, mit seinem eigentümlichen blau-roten Farbton. Dieses Blau kann sehr intensiv zum Ausdruck kommen. Man kann die Linien beinahe unendlich ineinander verkreuzen, um Farbtöne und Tiefe zu erhalten, so ähnlich wie bei der Radiertechnik. Bei meinen Zeichnungen verwende ich das Weiß des Papiers als Reserve, um Kontrast und Helligkeit zu erzeugen und die Bedeutung der blauen Farbe hervorzuheben.
In meiner Art der Wahrnehmung ist Blau eine Farbe, die eng mit der Traumwelt verbunden ist. Sie ist mit dem Wasser, der Nacht und dem Schlaf verbunden, mit dieser Traumwelt, die ihre Wurzeln im Geheimnis des Unbewussten hat. Das Unbewusste offenbart sich in einer eigenartigen Sprache, die wir mit der Kunst zu übersetzen versuchen können. Meiner Meinung nach ist eine Zeichnung, wie jedes Kunstwerk, das Ergebnis der Alchimie, die zwischen dem Bewussten und Unbewussten besteht. Das Blau des Kugelschreibers ist uns so vertraut, dass es ein wesentlicher Teil unseres Geistes geworden ist.

Wie würdest du deine ersten Eindrücke von den Foscarini-Leuchten beschreiben, als du sie zum ersten Mal gesehen hast?

Ich habe sie schön und elegant gefunden. Die einfachen jedoch gleichzeitig komplexen Formen haben mich beeindruckt. Mehr als einfache Leuchten habe ich Lichtgeschichten gesehen, die Inspiration erwecken und die Ideen in einem Raum anregen. Das Licht spielt in meinen einfarbigen Zeichnungen eine wichtige Rolle und oft arbeite ich am Kontrast zwischen den hellen und dunklen Bereichen. Die Schönheit des Lichts wird durch die Kraft der es umgebenden Dunkelheit betont. Ich denke oft an dieses Zitat von Stanley Kubrick: „Wie groß die Dunkelheit auch sein mag, wir müssen unser eigenes Licht liefern.“

In dieser Reihe von Werken werden die Foscarini-Leuchten Teil von Traumlandschaften und tragen so dazu bei, imaginären und surrealen Welten Leben (und Licht) zu verleihen. Kannst du uns davon erzählen, wie die Inspiration für diese Reihe entstanden ist?

Diese Reihe ist tiefgehend im Surrealismus, in den Träumen und in den Märchen verwurzelt. Als ich als Kind die Ferien in der Bretagne, der Heimat meiner Mutter, verbrachte, war ich von einer Kultur voller Legenden und bizarren Kreaturen der keltischen Mythologie umgeben. Geister, Wesen und Feen leben in den Heiden und Burgruinen, Bilder, die meiner künstlerischen Arbeit zugrunde liegen.
Ich projiziere gerne Alltagsgegenstände in surreale Welten, wo gewöhnliche Dinge wie rechteckige Stühle, Leuchten und moderne Parkettböden zum Leben erwachen und sich in seltsame Wesen verwandeln, die die Grenze zwischen Traum und Wirklichkeit überwinden.
Ich habe begonnen, die abstrakte Form der Leuchte zu beobachten und versucht, mir vorzustellen, welche Gefühle sie in mir wachrufen könnte. Davon ausgehend habe ich eine Reihe von Skizzen ausgearbeitet und dabei die Leuchte in verschiedenen Szenarien eingebettet. Während meines Schaffensprozesses höre ich oft Musik, die einen bestimmten Gemütszustand hervorruft und manchmal unerwartete Ideen und Inspirationen erzeugt. Ich habe überlegt, wie die Leuchte die Rolle des Hauptelements, des Schauspielers, in einer seltsamen Geschichte übernehmen könnte.

Seltsame Geschichte, die an Märchen erinnern und Chagalls Stil wachrufen – haben Chagalls Werke deine künstlerische Sichtweise beeinflusst?

Ja, ich bewundere Chagall wegen seiner figurativen und gleichzeitig traumähnlichen Gemälde. Ich lasse mich auch von René Magrittes Surrealismus inspirieren. Ich könnte meinen, dass diese Reihe von Zeichnungen den Geist der Filme von Georges Méliès verkörpert, insbesondere von „Le Voyage dans la Lune“. Sie ist eine Mischung aus Märchen, Poesie und Surrealismus. Auch das Kino benutzt Licht als Mittel, um Bewegung und Geschichten zu erzeugen. Ich bin sehr interessiert an Künstlern, die suggestive Universen und Visionen entstehen lassen können, wie Alfred Kubin, Odilon Redon und Edward Munch. Als Kind liebte ich Comiczeichner wie Hugo Pratt, Moebius und Roland Topor mit seinem bizarren Universum, insbesondere im Animationsfilm „La Planète Sauvage“. Sie haben mir die Liebe zur Erzählung und zu den unendlichen Möglichkeiten der Zeichnung vermittelt.

Welche ist deine Lieblingszeichnung deiner Reihe „What‘s in a lamp?“ und warum?

Ich mag „Nuee“, weil sie mich an „Der kleine Prinz“ von Antoine de Saint-Exupéry mit seinen kleinen Planeten und den dort lebenden Personen erinnert. Auch „Rituals“, weil sie uns wie bei „Alice im Wunderland“ durch einen Spiegel führt.

Deine Illustrationen heben eine Mischung aus Einfachheit und Komplexität hervor, wo minimale Linien faszinierenden Geschichten den Weg ebnen. Welche Rolle spielt die Erzählung in der Illustrationskunst?

Ich liebe es, Geschichten zu erzählen und im Gewöhnlichen das Außergewöhnliche zu suchen. Am Anfang war ich Comiczeichner und meine Arbeit entwickelte sich allmählich zur Gestaltung von Reihen von Bildern mit einem Schwerpunkt auf der Erzählung. Es ist, als ob diese Zeichnungen gemeinsam eine Geschichte erschaffen und eine unbekannte Traumwelt malen. Mein Hauptziel ist es, Spaß dabei zu haben und meine Ideen und Fantasien zu Papier zu bringen.

Kannst du uns von deinem kreativen Schaffensprozess erzählen? Wie machst du es, dass sich die neuen Ideen entfalten?

Zuallererst, während ich den Gegenstand betrachte, nehme ich mir Zeit, um willkürliche Skizzen zu hinkritzeln und Bleistiftentwürfe auf Papier zu zeichnen. Einige Skizzen offenbaren sich als „natürlicher“, weil sie die Dynamik und den Anreiz erfassen, den der Endentwurf nötig hat. Eine Skizze ist etwas Faszinierendes: mit wenigen Linien verkörpert sie die Energie und die wesentlichen Elemente des endgültigen Entwurfs. Auf jeden Fall bin ich stets offen, den Entwurf während seiner allmählichen Fertigstellung zu ändern. Neue Ideen können während des Schaffensprozesses auftauchen.
Ich suche Inspiration in verschiedenen Quellen: in der Lektüre, der Musik und manchmal auch in den Träumen. Ein Entwurf führt oft zur Anfertigung eines weiteren. In einer Reihe von Werken folgen meine Zeichnungen einer gewissen Logik, manchmal sind sie erzählerisch verbunden und andere Male hingegen im Widerspruch zur vorangegangenen Arbeit. Manchmal bilden die Zeichnungen sogar eine „Mini-Reihe“, wie im Fall der Reihe ohne Titel „Meditation 1, 2, 3 …“.
Die Lektüre der Bücher des Psychiaters Carl Gustav Jung ist für mich eine besonders interessante Quelle. Seine Studien über das Unbewusste und über Träume faszinieren mich. Sein Ansatz ist besonders kreativ und voller Ideen und Visionen. Er berücksichtigt viele Bilder und Symbole der Kunstgeschichte und unseres „kollektiven Unbewussten“. Zum Beispiel: Was bedeuten für uns Figuren wie ein Baum, das Wasser oder die Sonne? Seine Recherche zur Mythologie und über Archetypen ist außerordentlich faszinierend.

Was bedeutet Design für dich?

Design ist für mich, einer Materie den Geist einzuhauchen. Es ist der Atem, der dem Rohmaterial Leben verleiht. Es ist die Geste, Gegenstände mit Liebe zu erfüllen, in der Hoffnung, dass sie diese vor aller Augen widerspiegeln. Wir alle möchten auf Dinge stoßen, die eine Seele und Geschichten zum Erzählen haben.

Das Foscarini-Projekt „What‘s in a Lamp?“ wird mit einem neuen Kapitel bereichert, das Maja Wrońska (@majatakmaj) in den Mittelpunkt stellt, eine talentierte polnische Künstlerin, die in Aquarellmalerei spezialisiert ist. Ihre faszinierenden Bilder stellen europäische Architekturen dar und zeichnen sich durch das perfekte Gleichgewicht zwischen beeindruckenden Linien und Zügen und dem feinen Farbenverlauf des Aquarells aus. Maja ist nicht nur eine Künstlerin, sondern auch eine Architektin, was sich in der Inspiration offenbart, die ihre Arbeiten besonders originell und unverwechselbar gestaltet.

In diesem neuen Kapitel des Foscarini-Projekts „What‘s in a Lamp?“ schuf Maja Wrońska eine überraschende Reihe von Kunstwerken, die die Verwandlungskraft der Foscarini-Leuchten innerhalb von architektonischen Bereichen hervorheben. Animierte Aquarelle sorgen für Staunen und können das Leben, die Emotionen, den Lauf der Zeit in städtischer Architektur einfangen, wo die Leuchten zu einem bedeutenden Element werden, zu einem Schwerpunkt – vor allem bei Einbrechen der Dunkelheit.

Was die Werke dieser Reihe ansprechend macht, ist die Art, in der sie zum Leben erwachen, wenn die Stadt vom Tag zur Nacht übergeht: Die von außen gesehenen Innenräume der Gebäude stehen im Mittelpunkt, wenn die Foscarini-Leuchten sie bei Nacht erhellen.

Tauchen Sie im Instagram-Feed @foscarinilamps in den Zauber und die Faszination der Werke von Maja Wrońska ein und erfahren Sie in unserem Interview mehr über ihren Schaffensprozess, ihre Einflüsse und die Art, in der sie mehrere kreative Disziplinen kombiniert.

Erzähle uns ein bisschen über deinen Hintergrund. Wie hast du dich der Kunst genähert und was regt dich zum Schaffen an?

Ich bin Maja Wrońska, Architektin und Aquarellmalerin aus Polen. Schon als ich noch ein Kind war, erlaubte mir meine Mutter, die ebenfalls Architektin ist, ihre professionellen Materialien zum Malen und Zeichnen zu verwenden. Wenn man in Polen ein Architekturstudium beginnen möchte, muss man auch eine Zeichenprüfung bestehen. So besuchte ich später auch Zeichenkurse, um mich auf diese Prüfung vorzubereiten. Sobald ich dann an der Universität studierte, wurden das Zeichnen und Malen zum wesentlichen Bestandteil meines Studienprogramms. In dieser Zeit interessierte ich mich besonders für Aquarellmalerei und dachte, ein Profil auf DeviantArt zu erstellen, um meine Bilder mit anderen zu teilen. Zu meiner großen Überraschung wurde mein Profil sehr beliebt und die Leute begannen, mich zu fragen, ob meine Bilder zum Verkauf stehen würden. Nach dem Studienabschluss begann ich meine Tätigkeit als Architektin Maja Wrońska, wobei ich mit meiner Mutter Architekturen entwerfe und mich gleichzeitig meinen Aquarellen widme.

Was zeichnest du am liebsten?

Ich liebe es, Architektur, Städte und Orte zu zeichnen.

Wann hat sich dein Interesse für die Architektur entwickelt?

Die Architektur fasziniert und begeistert mich seit jeher.

Auf welche Weise bestehen die Architektin Maja Wrońska und die Malerin Maja Wrońska nebeneinander und beeinflussen sich gegenseitig?

Ich sehe mich als Architektin, die es liebt, Aquarelle zu malen. Das Verfahren zum Entwurf einer Immobilie kann Wochen oder sogar Monate dauern, während das Malen eines Aquarells wenige Stunden in Anspruch nimmt. So kann ich anregende Kunstprojekte fertigstellen, während ich als Architektin arbeite.

In diesem für Foscarini umgesetzten Projekt sieht man wunderschöne Bilder von eindrucksvollen Architekturen, die sich animieren und mit Emotionen und Leben füllen. Was hat dich zur Aquarellmalerei hingezogen und wie fiel dir ein, sie zu animieren?

Vielen Dank! Auch ich bin begeistert darüber, wie sich unser Projekt verwirklicht hat. Als Architektin habe ich zum Gestalten und Rendern der Architektur Photoshop und 3D-Programme nutzen gelernt. Ich dachte, ich könnte traditionelle Kunsttechniken wie Zeichnen und Aquarellieren mit modernen Techniken, wie Animation und Augmented Reality, kombinieren. Als Instagram begann, Reels einzuführen, beschloss ich etwas zu experimentieren, indem ich meine Aquarelle animierte und sie auf die App Artvive lud, um den Effekt der Augmented Reality bei meinen traditionellen Kunstkreationen zu sehen. Als ich das erste Mal meine Aquarelle animierte war es für einen Wettbewerb eines Autoherstellers. Auch wenn der Wettbewerb von jemand anderem gewonnen worden war, führte mich die Neugier, zu sehen, wie meine anderen, auf diese Weise animierten Aquarelle aussehen würden, dazu, weiterzumachen und das Konzept zu erforschen.

Welcher Schaffensprozess liegt deinen Kunstwerken zugrunde?

Meine Absicht ist es, die Orte, die ich liebe, zu malen und die Schönheit, die ich wahrnehme, einzufangen.
Der Schaffensprozess beginnt mit der Auswahl eines Gebäudes, das mich beeindruckt. Ich mache davon eine Bleistiftskizze und dann füge ich Aquarellfarben hinzu. Anschließend digitalisiert mein Mann es und überprüft, dass der Scan das Originalwerk so getreu wie möglich wiedergibt. Schließlich kreiere ich mit Hilfe von Photoshop eine Animationsschleife von Fotogrammen in gif und mp4.

In dieser Artwork-Reihe konntest du die Verwandlungskraft der Foscarini-Leuchten innerhalb eines Raums einfangen, sowohl im ausgeschalteten Zustand als auch wenn sie eingeschaltet sind und so zum Schwerpunkt werden. Kannst du uns noch etwas über die Inspiration erzählen, aus der diese Reihe entstanden ist?

Diese Reihe ist eine Weiterentwicklung meiner vorangegangenen Animationen, in denen man Städte und Orte im Übergang vom Tag zur Nacht sieht. Zuerst animierte ich Autos, dann begann ich, die Lichter der Gebäude zu integrieren, die sich ein- und ausschalten. Mit dem Foscarini-Projekt wollte ich das Erforschen in die architektonischen Bereiche verlegen und betonen, wie die Leuchten im Inneren der Gebäude die Atmosphäre verändern können.

Welches ist dein Lieblingswerk deiner Reihe „What‘s in a lamp?“ und warum?

Hinsichtlich der Aquarellmalerei ist mein Lieblingswerk das mit der roten Bodenleuchte Tobia. Was hingegen die Animation anbelangt, mag ich besonders das Werk, in dem ein Wohnhaus mit großen Fenstern von einer Kaskade mit Hängeleuchten Gregg beleuchtet wird.

Welche sind deine Inspirationsquellen? Gibt es irgendeinen Künstler im Besonderen, der für dich einen Bezugspunkt darstellt?

Licht im Allgemeinen ist eine meiner größten Inspirationsquellen. Ich finde es faszinierend, zu beobachten, wie das Sonnenlicht mit den Fassaden der Gebäude interagiert und wie die Architekturen sich verwandeln, wenn die Lichter in ihrem Inneren an sind. Was meine Lieblingskünstler angeht, bewundere ich Van Gogh und folge zeitgenössischen Illustratoren in den sozialen Medien, wie Pascal Campion.

Was bedeutet Kreativität für dich?

Für mich ist Kreativität das Verfahren, bei dem etwas Frisches und Anregendes aus verfügbaren Materialien durch ihre Verwandlung entsteht. Vorstellungskraft und Originalität sind unentbehrliche Eigenschaften, um innovative und bedeutungsvolle Kreationen entstehen zu lassen.

Der Architekt und Illustrator Federico Babina ist bekannt für die surrealen Welten, die er mit seinen Illustrationen und Animationen erschafft und die hauptsächlich von Architektur und Design inspiriert sind. Seine Serien sind einzigartig, unverwechselbar und von einem Stil geprägt, durch den man sie sofort wiedererkennt. Ein Stil, der sich in Details, in der klugen Balance von Farben und Proportionen und in Grunge-Mustern ausdrückt, aber auch – und vor allem – in der Fähigkeit, unerwartete und überraschende Verbindungen zu schaffen und zu fördern, die Augen, Geist und Herz des Betrachters ansprechen.

In seiner neuen Serie „Lux Like“, die Teil des Foscarini-Projekts „What’s in a lamp?“ ist, hatte Federico Babina Spaß daran, in den Formen einiger Foscarini-Lampen Tiere zu suchen und zu erkennen. Wie in einer Pareidolie reduzierte er sie auf elementare Formen – Kreise, Rechtecke, Dreiecke und Linien – und verwandelte sie in Tiere mit Charakter und Ausdruckskraft, die in einem Paralleluniversum leben, sprechen und atmen, einer Art Design-Zoo.

Eine einfache und wirksame Übung für Kreativität und Vorstellungskraft, die das „elastische Denken“ fördert: Man sieht nicht eine Lampe und interpretiert sie als solche, sondern man sieht den Elefanten, der sie umgibt. Eine Serie von Illustrationen, in denen Federico Babina ernsthaft mit Formen und Farben spielt. Wo alles, was erscheint, nicht das sein kann, was es zu sein scheint. Lampen, die einen Foscarini-Zoo bilden, in dem die Tiere aus Design hergestellt und konstruiert werden.

Erzähl uns etwas über dich und deinen Weg: Wann hast du angefangen zu zeichnen und wie hast du deinen unverwechselbaren Stil entwickelt?

Ich bin Federico Babina (geboren 1969), Architekt und Grafikdesigner (seit 1994), ich lebe und arbeite in Barcelona (seit 2007), aber vor allem bin ich ein wissbegieriger Mensch (schon immer).
Jeden Tag versuche ich, einen Weg zu finden, die Welt mit den unschuldigen Augen eines Kindes zu betrachten. Kinder haben eine völlig ungehemmte Sicht auf die Dinge, ohne die Konditionierung durch Erfahrung. Als ich ein Kind war, wollte ich Architekt werden, und jetzt, wo ich Architekt bin, wäre ich manchmal gerne wieder ein Kind.
Ich versuche gerne, die Welt, die ich sehe, durch verschiedene Ausdruckstechniken zu beschreiben. Ich mag den Reichtum der Sprache und die Vielfalt ihrer Formen.
Ich wurde mit Märchenillustrationen geboren, wuchs mit Comic-Illustrationen auf und reifte mit Architekturzeichnungen heran. Die Illustration ist Teil meiner imaginären und fiktiven Welt.
Ich strebe danach, dass meine Arbeit die Strenge der Architektur, die Freiheit der Malerei, den Rhythmus und die Pausen der Musik und das magische Geheimnis des Kinos besitzt. Ich versuche, scheinbar unterschiedliche Sprachen, die nicht mehr miteinander kommunizieren, zu kombinieren.

Wie ist das Zusammenleben des Architekten und des Illustrators Federico Babina und wie beeinflussen sie einander?

Ein Architekt muss ein guter Zeichner sein. Die Fähigkeit, visuell zu kommunizieren, ist ein unverzichtbares Instrument.
Die Zeichnung ist die erste Möglichkeit, einer Idee Gestalt zu geben. Ideen werden durch die Illustration herausgemeißelt, geformt und umgewandelt.
Ich höre nicht auf, Architekt zu sein, wenn ich als Illustrator arbeite.
Der gemeinsame Nenner meiner Arbeiten bin „ich“. Meine Herangehensweise und meine Arbeitsweise ändern sich nicht je nach der Arbeit. Ich male und fotografiere genauso gerne wie ich zeichne und schreibe. Ich glaube, dass jeder von uns in gewisser Weise einen einheitlichen Ausdruck hat, unabhängig vom Ausdrucksmittel, das wir benutzen.
Ich finde Analogien, Ähnlichkeiten, Affinitäten und endlose Beziehungen zwischen verschiedenen Ausdrucksformen. Egal, ob es sich um eine Zeichnung, ein Designobjekt oder ein Gebäude handelt, mein kreativer Prozess ist ähnlich und folgt den gleichen Regeln und Bahnen. Der kreative Prozess einer architektonischen Komposition reagiert auf Mechanismen, die die Maschinerie jeder intellektuellen Arbeit in Gang setzen.
Manchmal bin ich Architekt mit einer Leidenschaft für das Zeichnen und manchmal bin ich Illustrator mit einer Leidenschaft für Architektur.

Wie kam es zur Zusammenarbeit mit Foscarini?

Ich wurde von Foscarini kontaktiert und gebeten, einen persönlichen Weg zu finden, um die Idee eines Produkts, nicht das Objekt selbst, darzustellen. Ich hatte absolute Freiheit beim Ausdruck. Eine Zusammenarbeit dieser Art ist immer eine reizvolle Herausforderung. Es gibt Objekte, und es geht darum, einen Weg zu finden, um eine alternative Sichtweise zu vermitteln.

In diesem Projekt für Foscarini hast du Ironie und Zärtlichkeit miteinander verbunden und aus den ikonischen Silhouetten der Lampen der Foscarini-Kollektion einen unerwarteten “Zoo” geschaffen. Erzähl uns mehr über die Inspiration hinter dieser Serie.

Das Projekt heißt LUX LIKE und arbeitet mit der Wahrnehmung. Es geht darum, zu verändern, wie das Designobjekt wahrgenommen wird.
Unser Gehirn ist in der Lage, Millionen von Bildern aufzunehmen, zu sammeln und zu speichern. Eine Sache, die mich immer interessiert, ist die Assoziation, die wir zwischen diesen Bildern herstellen können. Wie beim „Kleinen Prinzen“ sieht man hinter der Zeichnung eines Hutes die Silhouette einer Boa, die einen Elefanten verdaut.
In dieser Arbeit für Foscarini verwandeln sich 9 Lampen in Tiere mit Charakter und Ausdruckskraft, die in einem Paralleluniversum, einer Art Designzoo, leben, sprechen und atmen.
Wie bei einer Pareidolie des Designs machte es mir Spaß, in den Formen einiger Foscarini-Lampen Tiere zu suchen und zu erkennen: eine einfache und effektive Übung für Kreativität und Phantasie, die das „elastische Denken“ fördert.
Unser Blick ist nicht in der Lage, das Unsichtbare zu erfassen, und unsere Vernunft zieht mechanisch ihre eigenen Schlüsse und trifft ihre eigenen strengen Urteile, die sich ausschließlich auf die Evidenz einer Erscheinung stützen.
Ich habe versucht, dem Gehirn nicht die rationalen Informationen zu schicken, damit es sie durch Wissen erkennt, sondern ihm die Freiheit zu lassen, eine instinktive Assoziation zu suchen. Es sollte nicht eine Lampe sehen und sie als solche interpretieren, sondern den Elefanten entdecken.
LUX LIKE ist eine Serie von Zeichnungen, in denen ich ernsthaft mit Volumen, Farben und Formen spiele. Wo alles, was erscheint, nicht das sein kann, was es zu sein scheint.
Lampen, die einen Foscarini-Zoo bilden, in dem die Tiere aus Design hergestellt und konstruiert werden.

Welche Illustration(en) dieser Serie gefallen dir am besten und warum?

Ich kann nicht zwischen meinen Illustrationen wählen, das ist so, als ob man zwischen Kindern wählen müsste. Wenn ich an einer Serie arbeite, betrachte ich die einzelnen Zeichnungen als Teile eines Gesamtmosaiks, das ein Konzept und eine Idee darstellt. Sie sind Teile eines großen Puzzles, keines von ihnen ist das Hauptstück und gleichzeitig sind sie es in der Gesamtheit. Das Wichtigste ist die Gesamtkomposition, die aus allen Teilen entsteht.

In deinen Illustrationen und Animationen addieren sich einfache Geometrien zu Kompositionen, die auf einen Blick Geschichten erzählen, die das Auge, den Geist und das Herz des Betrachters ansprechen. Kannst du uns etwas über den ‚narrativen‘ Teil deines kreativen Prozesses erzählen?

Wie Bruno Munari sagte: Etwas komplizierter machen ist einfach, vereinfachen ist schwierig.
Einfachheit ist das Schwierigste, was man erreichen kann. Um zu vereinfachen, muss man etwas wegnehmen und um etwas wegzunehmen, muss man wissen, welche Dinge überflüssig sind. Was ich bei meiner Arbeit immer suche, ist ein erzählerischer Faden. Eine Erzählung, die dich in eine Geschichte führt, wie eine Tür, die sich in ein Paralleluniversum öffnet und dem Zuschauer einige Elemente und Werkzeuge bietet, um seine Geschichte fortzusetzen. Die Kraft der Zeichnung besteht darin, dass sie eine gewisse Freiheit der Interpretation zulässt. Ich beginne die Geschichten, und diejenigen, die sie verfolgen, setzen sie fort und vervollständigen sie manchmal.

Was sind deine Bezugspunkte in der Welt der Kunst und Illustration? Und welche Architekten schätzt du am meisten?

Im Laufe der Jahre habe ich die Kultur um mich herum aufgesaugt und mich von ihr genährt. Wir sind wie „Mixer“, die verschiedene Zutaten mischen und kombinieren, um eine persönliche Mischung zu erhalten. Es gibt nicht eine einzelne Figur, die ich als inspirierend empfinde. Die Menschen haben mich sehr inspiriert, mir geholfen, mich überrascht und geleitet. Ich mag es nicht, auf diese Art zu klassifizieren. Ich fühle mich wie ein Mosaik im Entstehen, bei dem viele, im Guten wie im Schlechten, Unbekannte oder Bekannte, zur Gesamtkomposition und Positionierung jedes einzelnen Teiles beigetragen haben und dies noch immer tun.
Ich habe nicht wirklich präzise Bezugspunkte und Schablonen. Meine Quellen reichen von der Welt der Grafik über die Kunst bis zur Welt der Architektur, von Comics bis zur Werbung. Ich habe viele Geliebte, aber ich habe nie geheiratet….

Deine Arbeiten erfordern Kreativität und die Fähigkeit, die Realität aus verschiedenen und originellen Blickwinkeln zu betrachten: Wie bewahrst du dir deine Frische, um Raum für Ideen zu schaffen? Was sind deine Inspirationsquellen?

Ich glaube nicht an die Inspiration. Die Ideen sind da, sie warten auf uns, wir müssen sie nur sehen können. Ich suche immer nach einem erzeugenden Element, einem Ausgangspunkt, um eine Idee zu formen und zu gestalten. Manchmal dreht sich das Bild wie von einer Zentrifugalkraft angetrieben um dieses zentrale Element, ein anderes Mal nimmt es unterschiedliche und überraschende Richtungen an. In meinem kreativen Prozess gibt es keine Regeln, er kann langsam und mühsam oder spontan und intuitiv sein.
Die Suche nach Inspirationen und Ideen ist eine tägliche und beständige Arbeit. Es ist, als würde man zu einem Ort gehen, ohne zu wissen, wie man dorthin kommt. Manchmal findet man leicht den Weg, manchmal verirrt man sich unterwegs. Was zählt, ist der Wunsch, anzukommen.
Ich versuche, die Dinge transversal zu sehen Ich versuche, sie umzukehren, um die Formen unbeeinflusst von der Erfahrung zu erkennen. Ich versuche, die Welt auf den Kopf gestellt zu betrachten. Die Welt verändert sich nicht, nur der Blickwinkel auf die Dinge ändert sich, um die zwischen den Formen verborgenen Leerräume, die Stille und die Überraschungen zu enthüllen.
Ich versuche zuzuhören und zu beobachten, alle Sinne zu aktivieren und dann die Informationen zu filtern und ein persönliches Ergebnis zu erarbeiten.

Was entwirfst du am liebsten?

Die Architektur ist oft der Protagonist. Ich suche gerne nach (un)möglichen Beziehungen zwischen Architektur und anderen Welten und finde sie an „sensiblen Orten“.
Ich mag es, Architektur zu finden, die in Paralleluniversen versteckt ist. In diesem Sinne hilft mir die Zeichnung, alternative Sprachen zu erforschen.
In meinen Bildern versuche ich, einen imaginären und fiktiven Dialog zwischen verschiedenen Disziplinen herzustellen. Die Fäden, die Beziehungen verbinden und verweben, können dünn und transparent oder stark und kräftig sein. Ein heterogenes und phantasievolles Gewebe, das in einem illustrierten „Unikat“ die Architektur mit scheinbar unterschiedlichen Welten verbindet.
Ich versuche, die verborgene Architektur zu finden und sie in einer anderen Sprache sprechen zu lassen, um mit einem Publikum zu kommunizieren, dem Architektur vielleicht „fremd“ ist.

Hast du beim Zeichnen ein Ritual?

Ich bin morgens produktiver und habe nachts mehr Ideen, aber im Allgemeinen habe ich keine festen Regeln.
Die Dinge können sich ändern, und ich bin immer auf der Suche nach neuen Zutaten, um meinen Bildern einen neuen Ausdruck zu verleihen. Ich verändere mich ständig, entwickle mich weiter, mache manchmal auch ein paar Schritte zurück und meine Projekte verändern sich mit mir. Ich fühle mich gerne frei, frei, mich auszudrücken, ohne im „Gefängnis eines Stils oder einer Form“ eingeschlossen zu sein. Wenn ich Illustrationen anfertige, verwende ich immer eine Collage aus verschiedenen Techniken und Programmen. Von der Handzeichnung bis hin zu Vektorzeichnungen und 3D-Modellierungsprogrammen. Diese verschiedenen Zutaten ermöglichen es mir, die gewünschte Mischung und Atmosphäre zu erreichen. Alle Techniken sind ein nützliches Arbeitsmittel. Ich überschneide und verwebe gerne verschiedene Methoden, um die grafische Leinwand zu weben, das Ergebnis wird dadurch immer aufgewertet.

Was bedeutet für dich Kreativität?

Das ist eine schwierige Frage.
Kreativ sein ist wie ein Geschenk machen. Man muss es sorgfältig aussuchen. Wenn man dann entschieden hat, was das Geschenk ist, muss man es einpacken. Die Schachtel ist wichtig, denn sie umschließt und schützt es und sie kann auch ihren Inhalt preisgeben oder nicht. Das Papier, das es umhüllt, ist wie die Haut eines kreativen Werks. Es ist das erste, was man sieht, wenn man ein Geschenk bekommt. Und schließlich die Schleife, die wie eine Liebkosung ist und einen Hauch von Leichtigkeit und Eleganz vermittelt. Wer ein kreatives Werk betrachtet, ist wie jemand, der ein Geschenk bekommt. Er packt es aus und öffnet es und entdeckt schließlich, was es ist. Manchmal gefällt ihm das Geschenk und manchmal nicht.