Categoría: Comunicación

Francesca Gastone, graduada en Arquitectura por el Politécnico de Milán y con una especialización en ilustración editorial, encuentra inspiración en sus experiencias en metrópolis como São Paulo y Hong Kong. Sus ilustraciones capturan la esencia de las interacciones humanas, las emociones, la singularidad de cada individuo en la multitud, mientras que su formación en arquitectura se refleja en la cuidadosa gestión del espacio y la composición.

En su serie para “What’s in a lamp?”, Francesca Gastone ilustra, con la técnica del collage digital, relatos de vida que toman forma alrededor de una selección de lámparas de la colección Foscarini. En estas sugerentes ilustraciones, cada lámpara ilumina episodios de la vida cotidiana en micro-mundos que resultan familiares y surrealistas al mismo tiempo, desarrollando narrativas en las que es natural sumergirse y delineando protagonistas con los que identificarse. Historias visuales que, como puentes hacia las lámparas que las animan, trazan caminos que nos acercan a su luz.

En nuestra entrevista exclusiva, Gastone ofrece ideas sobre su proceso creativo, trazando su trayectoria desde una fascinación infantil por el dibujo hasta su evolución como ilustradora y arquitecta. Ella profundiza en la inspiración detrás de su colaboración con Foscarini, compartiendo las influencias que moldean su visión artística.

¡Hola, Francesca! ¿Puedes contarnos algo sobre ti y tu trayectoria artística? ¿Cuándo comenzaste a dibujar y cuándo te diste cuenta de que querías convertirte en ilustradora?

El dibujo siempre me ha resultado natural, y mi amor por el arte en todas sus formas me llevó a graduarme de una escuela de arte y luego seguir una carrera en arquitectura. Comencé a trabajar como arquitecta en Italia y luego en São Paulo, Brasil, y Hong Kong. Mi primer acercamiento a la ilustración surgió casualmente por la necesidad de resolver problemas de diseño interior. Durante mi estadía en São Paulo, una ciudad culturalmente rica, encontré terreno fértil para adentrarme en este mundo: comencé a comprar cada vez más revistas y libros ilustrados, a asistir a talleres y cursos, pero tenía muy poca conciencia de cómo la ilustración podría convertirse en una verdadera profesión. El nacimiento de mi hija Olivia coincidió con mi mudanza a Hong Kong. Este tiempo, caracterizado por ritmos lentos pero intensos, descubrimiento, curiosidad y una verdadera inmersión en los libros ilustrados, fue un punto de inflexión. Un día tomé un avión a Shanghái y pasé tres días mostrando mis obras (en ese momento, aún muy rudimentarias) en la Feria del Libro Infantil de Shanghái. No reuní mucho, pero entendí que era un camino real y alcanzable, y la ilustración se convirtió en una necesidad. Sin embargo, sentí que me faltaban bases sólidas, así que en 2021 decidí inscribirme en un programa de maestría en Milán. A partir de ese momento, mi perspectiva sobre esta profesión cambió, y me di cuenta de que la ilustración encapsulaba en la medida correcta todo lo que amaba.

¿Cómo coexisten y se influencian mutuamente las dos almas de Francesca Gastone, la arquitecta y la ilustradora?

Coexisten y se influyen mutuamente constantemente hasta el punto de que a veces es difícil distinguir dónde termina una y dónde comienza la otra. Recuerdo que a los 7 años solo dibujaba techos y tejas, y mi maestra bromeó diciéndole a mi madre que me convertiría en arquitecta. Ya sea por su confianza inquebrantable en su juicio o por una inclinación genuina que me motivó, tomé esas palabras como una revelación, como si hubiera recibido un regalo, y el camino por delante milagrosamente se volvió claro. La imagen del arquitecto me parecía mágica e increíblemente potente; nadie en mi familia se había aventurado nunca en este campo. Esta anécdota aún me hace sonreír hoy, y creo que la arquitectura sigue siendo una de mis mayores pasiones; le debo mucho. Sin embargo, con el paso de los años, y después de vivir en tres continentes con enfoques diferentes sobre el trabajo del arquitecto, me di cuenta de que ese papel a menudo me parecía restrictivo. La ilustración de alguna manera resolvió muchas cosas que estaban sin resolver en mí, pero la verdad es que me siento como una arquitecta incluso cuando estoy ilustrando. La escuela de arquitectura me inculcó un método que aplico casi subconscientemente a todos los aspectos de mi vida profesional. Es un equipaje invaluable pero a veces también pesado que a menudo me atrapa en patrones de los que me resulta difícil liberarme.

¿Cómo describirías tu estilo artístico y cómo ha evolucionado a lo largo del tiempo?

En realidad, comencé haciendo lo que siempre hacía en arquitectura, pero en lugar de planos y dibujos técnicos, comencé a crear estructuras imaginarias y metafóricas y a darles vida. La arquitectura no se trata solo de edificios; es una herramienta para explorar cualquier tema, ya que resuena dentro de todos nosotros. Los seres humanos pueden habitar no solo espacios físicos, sino también emociones, sensaciones e ideas. Tenemos el poder de decidir cuánto de nosotros mismos invertir, ya sea para llenar un espacio o dejarlo vacío, creando un vacío, un silencio, tanto física como conceptualmente. Eso es lo que me impulsa. A menudo, como con Foscarini, juego con los contrastes, convirtiendo los objetos en pequeños mundos habitados. La sorpresa resultante es mi indicador de éxito; si logro evocar asombro, entonces sé que he hecho un buen trabajo. Otro aspecto crucial es el collage: aunque a veces abstraigo elementos para transmitir rápidamente un tema, siempre incorporo personajes y objetos reales. Esta conexión con la realidad es vital para mí, y elijo meticulosamente sus expresiones, posiciones y miradas.

¿Cuál es tu mayor fuente de inspiración diaria y cómo cultivas tu creatividad?

Sin duda, las personas y su diversidad son mi principal fuente de inspiración. Mis ilustraciones rara vez gritan un mensaje directo, convirtiéndose en una especie de manifiestos. Más bien pintan una imagen de un futuro ideal para mí. Principalmente presentan personas; el elemento humano es esencial para interpretar la imagen en sí. Vivir en metrópolis bulliciosas como São Paulo y Hong Kong ha agudizado mi percepción de la vida de los demás, permitiéndome reconocer la singularidad dentro de la multitud. Tal vez por eso me encantan las grandes ciudades: este sentido compartido de identidad es más común y parece tangible, casi necesario. Cultivo mi creatividad observando y capturando continuamente sujetos, lugares y atmósferas a través de la fotografía; mi ordenador está lleno de innumerables carpetas de imágenes que reviso y utilizo según sea necesario. Sin embargo, nada de esto sería posible sin un estudio continuo y una curiosidad insaciable por el pasado (lo que ya se ha hecho, los maestros, el bagaje que llevamos) así como por el presente. Vivimos en una era donde los estímulos son excesivos y están por todas partes, y debemos desarrollar nuestra propia perspectiva crítica. Creo que esto es extremadamente importante.

Cuéntanos sobre la colaboración con Foscarini.

Foscarini ha sido una presencia constante en mi vida como arquitecta, desde sus productos hasta Inventario. Colaborar con ellos es lo que llamaría un “proyecto de ensueño” – es la fusión perfecta de todo lo que aprecio.

En el proyecto “What’s in a lamp?” para Foscarini, creaste fascinantes ‘micro-mundos’ alrededor de las lámparas de la colección. ¿Puedes contarnos más sobre la inspiración detrás de esta serie?

El punto de partida fueron los productos Foscarini en sí mismos. Quería que ocuparan un lugar central en la narrativa, así que comencé a examinarlos en términos de su juego de llenos y vacíos, cada uno con su propia vida definida por el tiempo y la luz – ya sea natural o artificial – y las sombras resultantes. Parecía casi instintivo imaginarlos como arquitecturas en miniatura alrededor de las cuales gira la vida. El tiempo se desarrolla en una secuencia de mañanas, tardes, noches y noches; las lámparas mismas parecen permanecer sin cambios, pero poseen esta capacidad notable de iluminar y cobrar vida, transformando sutilmente el espacio y la vida a su alrededor. Es un encantamiento sutil, una reflexión sobre la magia cotidiana que nos rodea – la única diferencia aquí: está magnificada a una escala diferente.

¿Hay objetos que, al igual que las lámparas Foscarini en tu serie, representan puntos fijos, presencias constantes alrededor de las cuales se desarrollan tus experiencias diarias?

He vivido en numerosas casas y tengo una relación complicada con la noción de hogar en sí misma (quizás aquí provenga mi obsesión por la vivienda), y con el tiempo, me he vuelto cada vez más selectiva en la elección de los objetos que me rodean. Sin embargo, el constante, el “ancla” en cada una de estas casas, creo, siempre ha sido la mesa del comedor. La vida en toda la casa gira en torno a esa mesa – desde las comidas hasta la preparación, desde el estudio hasta el trabajo, desde la experimentación hasta el juego, desde la conversación hasta la hospitalidad. De hecho, actualmente ocupa casi toda la casa. Si tuviera que señalar objetos específicos que me hayan acompañado en estas once casas, todos son objetos pequeños y fáciles de transportar: una figura de madera del Espíritu Santo, un regalo de un amigo; un libro de Zumthor; una vieja foto de mi abuelo capturando el florecimiento de una planta suculenta; una grabado de un grupo de araucarias brasileñas. Es como una pequeña Wunderkammer portátil.

¿Puedes profundizar en el aspecto narrativo de tu proceso creativo?

La narración detrás de cada pieza es crucial y desempeña un papel significativo; enriquece y da forma al trabajo en sí. Decidir qué decir, en qué medida, cómo expresarlo y qué tono adoptar influye en todas las decisiones formales subsiguientes, desde la composición hasta la paleta de colores. Personalmente, las obras que prefiero son aquellas que no buscan proporcionar respuestas definitivas, sino provocar preguntas. Creo que las ilustraciones creadas para Foscarini ejemplifican este enfoque: retratan la vida que se desenvuelve alrededor de las lámparas, pero no nos dan instrucciones sobre cómo deberíamos interactuar con ellas. En cambio, nos invitan a reflexionar, a vernos en ellas, y a reflexionar sobre qué papel podríamos haber jugado, qué momentos del día resuenan con nosotros y qué tipo de luz nos hace sentir más cómodos. Sirven como un vínculo con las lámparas representadas, delineando caminos que nos acercan a ellas y nos hacen querer participar en este carrusel de la vida.

¿Cuál es tu ilustración favorita dentro de este proyecto, y qué significa para ti?

Cada una de estas ilustraciones ha sido un viaje personal para mí, pero debo decir que tengo un cariño especial por la noche de Cri Cri. Es la única lámpara que representé iluminada durante las horas nocturnas porque su parecido con una pequeña linterna evocaba de inmediato el encanto de una noche llena de vida. En este momento íntimo y mágico, un niño está cautivado, absorto en las páginas de un libro, haciendo que el espacio se sienta vivo de posibilidades.

¿Cuál es tu tema favorito para dibujar?

Los niños son mi tema favorito para dibujar, por varias razones. En primer lugar, transmiten sin esfuerzo conceptos y emociones, ya que sus actividades a menudo encapsulan ideas complejas de manera simple e inmediata. Su juego sirve como metáfora de la vida misma. Además, son un placer de dibujar; Me han dicho que sonrío mientras los bosquejo. En resumen, son el mejor antidepresivo.

¿Qué es la creatividad para ti?

Responderé ecoando el verbo que elegiste en las preguntas anteriores para hablar de la creatividad: cultivar. Creo que este verbo encapsula perfectamente su esencia: está viva. La creatividad demanda nutrición diaria, atención y cuidado, pero también la capacidad de hacerla crecer y brillar. Una capacidad que está vinculada a la preparación, así como a una predisposición innata.

Fausto Gilberti es un artista polifacético: pintor, dibujante y autor de libros que relatan el arte con ironía y curiosidad, especialmente el arte contemporáneo y conceptual. Su estilo distintivo, a caballo entre la pintura y el dibujo, entre la gráfica y la ilustración, cuenta historias mediante imágenes en las que personajes estilizados de grandes ojos emergen sobre un fondo blanco indefinido, creando escenarios únicos e inmediatamente reconocibles.

Los icónicos hombrecitos se mueven en un espacio etéreo donde interactúan con las lámparas Foscarini, creando situaciones irónicas y surrealistas. Un trazo minimalista y sintético, resultado de años de investigación para encontrar un signo gráfico personal y universal que represente la figura humana reducida a su mínima expresión. En ello encuentra un hilo conductor común con el diseño de las lámparas Foscarini: la búsqueda de la síntesis, la eliminación de lo superfluo para alcanzar lo esencial. Gilberti afirma: «Con el diseño he buscado siempre la simplicidad de las formas y la pureza de los signos. También he encontrado estos elementos formales en las lámparas Foscarini. Al diseñarlas, me di cuenta enseguida de que su forma estaba en perfecta armonía con la de mis figuras».

En esta serie inédita de dibujos, el arquetípico hombrecillo de Gilberti interactúa con las lámparas de la colección Foscarini, sosteniéndolas, abrazándolas y sumergiéndose figurativamente en su luz y su forma. Una mirada única sobre la relación íntima entre el individuo y la luz.

Las ilustraciones en blanco y negro son vibrantes y expresivas; pequeños detalles caracterizan a los estilizados personajes, y las lámparas –la única nota de color– ayudan a delinear la personalidad del personaje que interactúa con ellas, de la misma forma que, cuando las elegimos para nuestros hogares, dicen algo sobre nosotros.

Sigue el proyecto «What’s in a Lamp?» en Instagram para descubrir toda la serie y leer nuestra entrevista exclusiva con el artista Fausto Gilberti, conocer sus fuentes de inspiración, su investigación artística y saber más sobre su colaboración con Foscarini.

¿Cómo comenzó tu aventura artística? ¿Siempre intuiste que el arte habría sido tu camino? ¿Cuál fue tu primera experiencia significativa en este mundo?

De niño, veía pintar a mi hermano Mario y le imitaba. Mario es mucho mayor que yo, y solía llevarme a sus exposiciones por Italia y a ciudades de arte para ver a pintores antiguos. Actualmente, el que más le gusta es todavía Fra Angelico.

Era el 1987 y yo iba a la escuela de arte. Durante la clase de geometría, estaba completando a escondidas un dibujo que representaba a varios cientos de hombrecillos que llenaban por completo una pequeña hoja de papel. En un momento dado, el profesor se dio cuenta de que no estaba escuchando la lección. Así que se acercó a mí con aire amenazador y descubrió que estaba dibujando para mí mismo. Pero sin embargo, sorprendió a mí y a todos mis compañeros, al decirme, en lugar de reñirme: «Muy bien Gilberti, sigue así».

Ese dibujo, que todavía conservo, es una composición de 562 hombrecillos de dos centímetros y medio de altura, dispuestos en diez filas. Todos distintos. Se titula: «La suora» (la monja). Ese episodio representa para mí el principio de todo.

¿Qué te motiva a crear? ¿Tu inspiración depende de la curiosidad, de la búsqueda de significado o de la pura expresión visual?

Me atraen todas las imágenes que veo, no sólo las artísticas. Me interesan incluso las que se publican en las redes sociales o en una revista de papel satinado. Incluso las descritas por un texto literario, las proyectadas en una película o las evocadas al escuchar música. Cualquier imagen que me atraiga puede ser una fuente de inspiración.

Tu estilo minimalista y sintético, con personajes estilizados por sus ojos grandes y aturdidos, se ha convertido en tu marca de fábrica. ¿Cómo has desarrollado este estilo tan característico?

Ha sido un proceso lento de síntesis y reducción de mi signo.

Como ya he dicho, hace unos años solía dibujar figuras humanas repletas de detalles. Cada hombrecillo era distinto de los otros. Cada uno tenía características únicas: eran personajes. Ahora, en cambio, el hombrecillo que dibujo es una representación del hombre en clave universal reducida a su mínima expresión.

Hablamos del proyecto con Foscarini «»What’s in a Lamp?». ¿Qué te ha inspirado especialmente en esta colaboración? ¿Cuál es tu obra favorita dentro de este proyecto y qué significado tiene para ti?

Con el dibujo he buscado siempre la simplicidad de las formas y la pureza del signo. También he encontrado estos elementos formales en las lámparas Foscarini. Al diseñarlas, me di cuenta enseguida de que su forma estaba en perfecta armonía con la de mis figuras.

Entre los diseños que he realizado, mi favorito es el de la lámpara Gregg. Quería transmitir la dulzura, la poesía y la elegancia de esa lámpara. Y el tema del abrazo me vino casi de forma automática.

A pesar de tu estilo minimalista, muchas de tus obras consiguen contar, con unos pocos trazos, historias enteras, vidas, situaciones y emociones. ¿Puedes explicar con mayor detalle el aspecto narrativo de tu proceso creativo?

A veces es suficiente cambiar el grosor de una línea para que el dibujo cambie de aspecto y de significado. Poner sobre el papel signos, formas y colores es un poco como componer una pieza musical, las notas son siempre las mismas, pero tienes infinitas posibilidades de combinarlas, con poco basta y la música cambia.

¿Cuáles son las fuentes de inspiración que guían tu trabajo? ¿Qué encuentras fascinante en la realidad que te rodea y cómo se refleja en tu estilo?

Siempre me ha gustado la pintura medieval y de principios del Renacimiento, y he intentado componer siempre mis obras inspirándome en las características formales de estos periodos artísticos: el simbolismo, la esencialidad y el estatismo de la pintura medieval; la armonía, el equilibrio y la fuerza narrativa de la renacentista. Me he formado a nivel artístico en el mundo del arte contemporáneo, pero al mismo tiempo he seguido y estudiado siempre otros sectores creativos.

Hace unos años, una de mis principales fuentes de inspiración era la música, los vídeos musicales, las portadas de discos, así como las imágenes en las que se inspiraban algunos géneros musicales. En aquella época pinté muchos cuadros sobre ese tema y publiqué un libro con unos 200 dibujos.

A menudo me ha inspirado también el cine: en el 1999 cree, para una de mis primeras exposiciones personales, una serie de obras (óleos sobre lienzo, dibujos y pinturas murales) inspiradas en Twin Peaks, de David Lynch.

Estoy convencido de que todos los artistas hablan siempre de sí mismos, de que su obra es siempre «autobiográfica». En mi obra se reflejan todas las experiencias de mi vida, mis pasiones e incluso mis obsesiones.

Tu has creado una serie de libros ilustrados junto con Corraini Edizioni que narran la vida de varios artistas, como Piero Manzoni, Banksy y Yayoi Kusama. ¿Por qué has decidido narrar la vida y obra de otros artistas y qué importancia tiene hacerlo a través de la lente de un colega artista? ¿Cómo se refleja en estas biografías tu enfoque artístico?

El primer libro de la serie sobre artistas contemporáneos surgió casi por casualidad. La idea se me ocurrió cuando estaba visitando en el 2014 la muestra de Piero Manzoni en Milán. También había traído conmigo a Emma y Martino (mis dos hijos, que entonces tenían 7 y 8 años), aunque temía que se pudieran aburrir. Los vi pasear por las salas del Palazzo Reale intrigados y divertidos y contemplar con asombro las extrañas obras de Manzoni. Allí me di cuenta de que mi próximo libro habría contado una historia real. La de Piero Manzoni. Tras publicar el libro, me di cuenta de que había otros artistas conceptuales y revolucionarios como Manzoni, a menudo observados con prejuicios por los adultos y de los que todavía no se había explicado nada a los niños. Así que con Corraini pensamos y luego decidimos empezar una serie dedicada.

Hago estos libros con un enfoque que es muy parecido al que tengo cuando dibujo o pinto para una muestra. Trabajo con total libertad y no me marco objetivos didácticos o pedagógicos. Intento divertirme y divertir al público contándole una historia, aunque sea compleja, de la manera más sencilla y eficaz posible, haciendo un gran trabajo de síntesis del signo gráfico y sobre todo del texto.

¿Quiénes han sido tus maestros o las influencias más significativas a la hora de dar forma a tu visión artística?

Artistas contemporáneos como Yves Klein, Keith Haring, Jean Dubuffet, Jochum Nordstrom, Raymond Pettibon y muchos otros. Pintores antiguos como Rosso Fiorentino, Piero della Francesca y Jan Van Eyck. Escritores como Cormac McCarthy y Raymon Carver. Directores como David Lynch y Lars Von Trier. Músicos como Miles Davis, The Cure, Joy Division, Radiohead, Apex Twin, Nine Inch Nails, Bon Iver y Alt-J.

¿Sigues algún ritual a la hora de dibujar? ¿Sigues algún hábito especial o procesos concretos cuando te dedicas a dibujar?

Digamos que casi nunca dibujo en silencio. O lo hago escuchando música, o escuchando y ojeando, entre pausa y pausa (es decir, cuando separo el pincel del papel), una película o una serie de televisión.

¿Qué es para ti la creatividad?

Es la capacidad de mirar el mundo y todo lo que hay en él desde múltiples puntos de vista. Buscando algo que no es inmediatamente obvio para la mayoría. Y elaborar de nuevo, de forma personal, lo que hemos descubierto y captado.

El artista milanés Stefano Colferai sobresale como un talento polifacético. De diseñador gráfico e ilustrador, ha evolucionado hacia el modelado en 3D y luego hacia la escultura, adoptando un material poco utilizado (la plastilina) como medio expresivo. Sus personajes y animaciones irónicos y atractivos han llamado la atención de editoriales y revistas incluso en el extranjero, que han contribuido a llevar su arte hasta un público internacional.

En su serie para el proyecto editorial de Foscarini «What’s in a Lamp?» Stefano Colferai, inspirado en el proyecto fotográfico VITE (de Foscarini y Gianluca Vassallo, más información aquí [enlace]), explora la relación entre luz, lámpara, persona y hogar, creando una serie animada única en su género. Las lámparas Foscarini se convierten en parte integrante de la vida cotidiana de un simpático personaje de plastilina creado por el artista, y le acompañan desde el desayuno hasta el atracón de series nocturno.

En esta entrevista exclusiva, exploramos el mundo creativo de Stefano Colferai y profundizamos su colaboración con Foscarini. El artista comparte su trayectoria artística, su elección de la plastilina como material característico y habla de la importancia crucial de la luz en su arte.

Cuéntanos algo sobre ti. ¿Siempre supiste que querías ser artista? ¿Cuál fue el camino que te llevó a la escultura?

Creo que sí. Siempre he tenido el deseo, la voluntad y la necesidad de expresar mis ideas y transmitirlas a través de diferentes medios, buscando constantemente el que mejor se adaptara a mi imaginación y me diera satisfacción. Ha sido un camino autodidacta que siempre ha tenido como hilo conductor la creación de personajes, pasando del dibujo sobre papel al dibujo digital y a través de la pintura, para terminar luego en la escultura.

¿Por qué has elegido trabajar con un material como la plastilina? ¿Cómo has aprendido a utilizarla?

En mi fase de investigación estilística, en un momento dado me sentí muy atraído por el mundo 3D y por poder dar más profundidad a los personajes e ilustraciones que realizaba (hace aproximadamente unos diez años). Al acercarme y toparme con el lenguaje 3D y viniendo ya de una época de experimentación digital, me di cuenta de que en realidad mi creatividad podía evolucionar hacia una dirección más artesanal y acercarme a la actitud genuina de trabajar con las manos. Así pues, empecé a trabajar con plastilina y a fotografiarla gracias a la intuición de que podía utilizarla como material para mis esculturas y mantenerme fiel a mi estilo de entonces, simulando de esta forma un efecto 3D real.

¿Cuál es tu proceso creativo? ¿Tienes algún ritual a la hora de crear tus esculturas?

Es muy espontáneo, rara vez hago bocetos de ideas porque prefiero visualizar inmediatamente y dar forma con mis manos a una idea que he tenido. Tal vez mi ritualidad consista en apuntar todas las ideas que tengo en las notas del teléfono para no dejar que se me escapen y retomarlas cuando pueda realizarlas. A partir de ese momento es un flujo continuo entre escultura, fotografía, animación y postproducción.

¿Cuál es el papel de la luz en tu arte?

El papel de la luz es fundamental: ¡Mis obras no existirían sin la fotografía! Aunque existe mucha continuidad, en cuanto a la iluminación, en mis obras, he investigado mucho a lo largo de estos años para encontrar la mejor relación entre mis sujetos, mi decorado, mi entorno y la iluminación, intentando construir una narración incluso gracias a la luz. Comunicando a través de fotos y vídeos, la luz adecuada puede dar increíblemente más valor a una escultura realizada y a fotogramas en secuencia que crean una animación, presentando la atmósfera adecuada, definiendo el cuerpo y el carácter de cada escena. Estudiar la luz de cada animación o fotograma y el modelado son los momentos a los que dedico más tiempo.

¿Cómo se gestó la colaboración con Foscarini?

Seguramente nació por el interés recíproco por algunos elementos muy importantes como la luz, la atención, el interés por la forma y la artesanía.

En este proyecto has descrito escenas domésticas, familiares, en las que la luz y las lámparas Foscarini acompañan al personaje protagonista y cuentan algo sobre su personalidad, activando sensaciones y emociones en las que es fácil involucrarse. ¿Puedes explicarnos algo más sobre la inspiración que hay detrás de este trabajo?

Me pareció enseguida muy interesante el proyecto VITE de Foscarini, que narra la relación entre luz/lámpara, persona y hogar a través de la fotografía. Me inspiró mucho captar la imperfección en las fotografías de estas historias en las que la luz tiene mucho que ver e intentar cuestionarme cómo ha cambiado la relación entre la persona y el hogar a lo largo de estos años. Ocupándome de diseño de personajes y estimulado por este proyecto de Foscarini, quise crear mi propio personaje ad hoc y hacerlo vivir en diferentes escenarios hipotéticos como si fueran precisamente instantáneas de Vite. Así pues, el personaje recorre su vida cotidiana acompañado por la luz y la forma de las lámparas de las diferentes habitaciones en las que se encuentra, manteniendo intacto, en las acciones que realiza, el lenguaje que caracteriza mi figura estilística con la misma espontaneidad que las historias de VITE.

¿Hay objetos que, vayas donde vayas, te hacen sentir «en casa»?

Sí, y pondría en la lista tazas de café, sillones, mesas de madera, lámparas, marcos de fotos y láminas, mapas, cómodas y zapateros, tocadiscos y discos, juegos de mesa y cartas. Podría seguir, ¡la lista es larga!

¿Cuál o cuáles son tus escenas favoritas de esta serie y por qué?

Me he aficionado a la escena del pintor, que relaciono con mi abuelo tanto por la construcción del decorado como por la luz y el ambiente. Él siempre pintaba reproduciendo paisajes de postales, fotos de paisajes sacadas de periódicos o, si no, recuerdos de sus lugares. El cuadro de Venecia que realiza el personaje es un huevo de pascua que menciona los orígenes de Foscarini, pero que también me recuerda mucho a él.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración y cómo cultivas tu creatividad?

Tengo varias y trato de mantenerlas vivas: me gustan mucho los mercados, donde puedes conocer a todo tipo de gente, observar situaciones inesperadas, descubrir olores y escuchar sonidos, ruidos y lenguas diferentes. Me inspira mucho ir a galerías y tratar de entender a artistas que no conocía, apreciarlos y no apreciarlos. Me inspira todo lo que implica un esfuerzo manual y conlleva creatividad, me inspiran las personas que superan sus propios límites y las hazañas deportivas. Me inspiran los que logran sus objetivos, pero también los que fracasan aunque lo intenten con todas sus fuerzas. Me inspiran los que llevan a cabo cambios y me inspira estar bajo la ducha. Me inspira viajar y salir de mi zona de confort. Me inspiran las historias. ¡Hay muchas cosas que me inspiran e intento cultivar mi creatividad como si todas estas cosas fueran bombillas que puedo encender en el momento adecuado!

¿Qué es para ti la creatividad?

Dar visibilidad a lo que aún no ha sido creado.

Un nuevo capítulo del proyecto editorial «What’s in a Lamp?» de Foscarini: el artista italiano Luccico reinterpreta artísticamente el concepto de «realidad aumentada» en una clave inédita y sorprendente. Las refinadas instantáneas de producto Still life del fotógrafo Massimo Gardone se encuentran con la fantasía de Luccico, dando lugar a narraciones inesperadas y surrealistas en las que las icónicas lámparas Foscarini se sitúan en el centro de la escena y se convierten en protagonistas de cuentos de hadas figurativos.

Luciano Cina, más conocido como Luccico, no es sólo un artista, es un cuentacuentos que sabe insuflar nueva luz a las cosas ordinarias. Especializado en Ecodiseño en el Politécnico de Turín, su trayectoria artística comenzó con un apodo -Luccico- creado por casualidad durante su época universitaria. En el 2014 inició el proyecto #MoreThanAPics en Instagram: fotografías de vislumbres cotidianas que se convierten en surrealistas gracias al uso de sus dedos, de una tableta y de su toque personal de creatividad, ligereza e ironía. Así es como un teatro se transforma en un acuario, un agujero en el asfalto en un oso polar, una mancha de petróleo en un caballo salvaje y la columnata de San Pedro en un conjunto de música jazz. Para Luciano Cina, hasta el detalle más banal puede convertirse en una obra de arte.
Foscarini, a menudo a la vanguardia en la creatividad y el diseño, descubrió y empezó a colaborar con Luccico en el 2015. Esta colaboración se renueva actualmente para el proyecto editorial «What’s in a Lamp?», que transforma el feed de Instagram @foscarinilamps en una galería virtual, en la que se suceden diferentes interpretaciones de la colección Foscarini por parte de artistas consagrados y emergentes, cada uno de ellos con su visión y creatividad únicas.

La serie de Luccico para «What’s in a Lamp?» es una mezcla inédita de fotografía e ilustración que toma forma a partir de seis fotos de producto Still life, comisariadas por el fotógrafo Massimo Gardone. Estas instantáneas son un lienzo ideal para que Luccico imprima su reinterpretación creativa de algunas de las lámparas de Foscarini. El resultado es una serie de imágenes que nos anima a explorar historias extraordinarias que van más allá de la fotografía. En esta narración visual en la que las lámparas son las protagonistas, se entrelazan historias inspiradas en sus relatos y en su diseño distintivo, enriquecidas con un toque de extravagancia.

Lee la entrevista y sumérgete en la fantasía de Luccico, un mundo encantador donde basta una señal para transformar lo ordinario en algo extraordinario.

¿Nos cuentas sobre ti y tu trayectoria como artista? ¿Cómo nació «Luccico»? ¿Cuándo empezaste a dibujar?

Luccico es un apodo que me pusieron en la época de la universidad. Jugando con mi nombre, Luciano se convirtió en Lucio, luego en Luce y al final apareció Luccico.
Empecé a dibujar un poco por casualidad. Acababa de comprar mi billete de avión para la que iba a ser mi nueva ciudad y, mientras estaba ensimismado en pensamientos, hice un boceto en mi smartphone: un avión entre las nubes en una foto. Lo compartí en las redes sociales y mi vida cambió. Y ahora, casi diez años después, sigo contando esta historia.

En el 2014 empezaste a poblar Instagram con tu «realidad aumentada», instantáneas fotográficas que cobran vida gracias a tu superposición de ilustraciones. ¿Cuándo y cómo nació tu proyecto creativo?

Realidad aumentada es la expresión más adecuada para describir el proyecto #MoreThanAPics, ya que va más allá de la simple fotografía.
La idea surgió del deseo de añadir algo más a las fotos, un mensaje o un pensamiento. Busco constantemente pequeños detalles que puedan servir de puente hacia mi mundo imaginario. Me gusta unir escenas de la vida cotidiana, momentos y lugares icónicos con paisajes fantásticos y surrealistas. Un mundo onírico donde el único límite es el de nuestra imaginación.

Las tuyas son imágenes que cuentan historias, a través de la universalidad del lenguaje visual. En tu proceso creativo, ¿cómo desarrollas el componente narrativo para crear una storytelling a partir de una imagen?

Definitivamente, me gusta dejarme llevar por las emociones que siento en un determinado momento.
Para encontrar la inspiración adecuada, observo todo lo que me rodea. A menudo, lo que enciende mi creatividad es el mismo tema visto desde distintos ángulos.

La colaboración con Foscarini empezó en el 2015, casi por casualidad, y ahora se renueva para el proyecto «What’s in a lamp?». Seis instantáneas de producto, realizadas por el fotógrafo Massimo Gardone, se encuentran con tu fantasía y dan vida a situaciones inesperadas y surrealistas. ¿Puedes explicarnos algo más sobre la inspiración que hay detrás de este trabajo?

La primera colaboración es un recuerdo que no se olvida jamás. Para un estudiante de diseño como yo, fue como hacer realidad un sueño.
Foscarini siempre ha sido conocida por su originalidad e innovación, y tener la oportunidad de que se me asociara con una marca de fama mundial fue motivo de gran orgullo.
La sencillez de las composiciones fotográficas de Massimo Gardone, combinada con el uso mínimo de la luz y el color, me ha permitido explorar y reinterpretar de forma irónica el diseño de estas lámparas icónicas.

¿Cuál o cuáles son las ilustraciones favoritas de esta serie y por qué?

Pienso en la lámpara de pie Twiggy, de Marc Sadler: la varilla flexible, parecida a una caña de pescar, fue la inspiración perfecta para una maravillosa historia relacionada con la pesca.

Tus obras requieren creatividad y capacidad para mirar la realidad desde perspectivas diferentes y originales. ¿Cómo consigues mantener tu frescura y crear espacio para las ideas? ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

Entrenar la creatividad requiere tiempo. Intento dedicar momentos durante el día para explorar, experimentar y jugar, porque a través de la imaginación podemos dar rienda suelta a nuestro potencial creativo. Estos momentos pueden consistir en un boceto rápido, un paseo por las calles de la ciudad, la lectura de un libro fuera de nuestro género habitual, o simplemente mirar las nubes en el cielo.
Cada pequeño gesto ayuda a mantener viva la chispa de la creatividad, y espero no cansarme nunca de observar lo que nos rodea con los ojos de un niño.

¿Tienes algún tema favorito para dibujar?

Me gusta dibujar aviones de papel porque los relaciono con la ligereza de los pensamientos.
También estoy trabajando (spoiler) en la creación de un personaje que pueda ser una presencia constante y reconocible en mi próximos trabajos.

¿Sigues algún ritual a la hora de dibujar?

Suelo dibujar por la noche. Después de un día de trabajo intenso, es mi forma de relajarme.
Intento no sobrepasar los 30 minutos de dibujo porque tienen que ser directos, sencillos, claros y con pocas líneas.
Trabajar en una imagen más de 30 minutos dificulta la comprensión del mensaje.

¿Qué es para ti la creatividad?

Una chispa que enciende la imaginación y convierte lo ordinario en extraordinario.

Alessandra Bruni es un alma soñadora, del año 97, que baila con la creatividad. Artista y tatuadora, su pasión por el arte ha sido siempre su compañera de viaje, pero en los últimos años se está perfilando como una de las voces más estimulantes de la escena italiana, que ha conseguido conquistar la atención de grandes periódicos como The New York Times, L’Espresso e Internazionale. Su pasión por la ilustración es algo relativamente reciente, porque Alessandra empezó a compartir sus ilustraciones en Instagram solo durante el periodo de la pandemia provocado por la Covid-19. Sus obras, inspiradas en los temas de actualidad, hablan de emociones y relaciones humanas, ofreciendo una mirada inmediata y profunda con un estilo único y característico, de trazo minimalista pero extremadamente evocador.

En su serie para el proyecto «What’s in a lamp?», Alessandra le ha dado protagonismo a la luz, creando escenarios domésticos que, aunque familiares, sorprenden inesperadamente. Cuentos a través de imágenes en las que cada lámpara resuena armónicamente con la personalidad del protagonista, la revela y activa sensaciones y emociones en las que es fácil identificarse. Imágenes que, como si fueran ventanas abiertas a nuestra vida cotidiana, parecen hablar precisamente de nosotros, de lo que hemos sido o de lo que seremos, y crean atmósferas casi palpables que transmiten una gran intimidad.

Descubre la entrevista completa con Alessandra Bruni y sumérgete en su fascinante mundo de luz y emociones.

Cuéntanos algo sobre ti. ¿Siempre supiste que querías ser ilustradora? ¿Cuándo empezaste a dibujar y cómo has desarrollado/evolucionado tu estilo?

No siempre supe que quería ser ilustradora, pero sueño desde siempre con trabajar con el arte y dedicar mi vida a ello. Empecé a dibujar de niña, a los tres años ya tenía crayones en la mano y disfrutaba haciendo garabatos en el ordenador con Paint, lo que podría describir como una especie de primer acercamiento al mundo digital. Durante mi etapa escolar, aunque no elegí un plan de estudios artístico, me dediqué al dibujo realista de una manera casi maníaca. Copiar del natural fue la fase inicial de mi carrera, como si quisiera asimilar las formas de las cosas, las caras y los cuerpos. A medida que fui creciendo, la necesidad de dar sentido y contenido a las imágenes se impuso y empecé a dedicarme a la ilustración conceptual. El estilo está en constante evolución, se adapta de forma natural a las fases que atravieso en mi trabajo y en mi trayectoria personal. Aunque hay claramente una parte de investigación, el factor instintivo influye mucho.

¿Cómo se gestó la colaboración con Foscarini?

La colaboración con Foscarini empezó con lo que quizá sea el sueño de todo artista. Foscarini se fijó en mi trabajo en una librería, cuando leyó mi nombre detrás de la portada de un libro que yo había ilustrado. Creo que no hay nada más gratificante que saber que mi trabajo ha sido apreciado y descubierto por casualidad, de forma genuina, con la sencillez con la que se encuentra un pequeña verdad en un lugar común «estar en el lugar adecuado, en el momento adecuado».

Tus ilustraciones son, en efecto, historias, contadas no con palabras, sino a través de la inmediatez y la universalidad del lenguaje visual. ¿Puedes hablarnos de la parte «narrativa» de tu proceso creativo?

Vivimos en un periodo histórico en el que todo el mundo aspira a hacer oír su voz alzándola, intentando sobreponerse a la de los demás, a veces sin pararse a reflexionar. Con este trabajo espero ir contracorriente, porque mi parte favorita es escuchar. Intento absorber toda la información que puedo para luego procesarla y transformarla en una imagen. Es solo cuestión de elegir los elementos adecuados que, juntos, dicen más que muchas palabras.

En este proyecto con Foscarini, has descrito escenas domésticas que resultan familiares y sorprendentes al mismo tiempo: situaciones en las que la luz tiene un poder transformador y se vuelve casi material, dando vida a situaciones inesperadas y surrealistas. ¿Puedes explicarnos algo más sobre la inspiración que hay detrás de este trabajo?

Antes de empezar a imaginar estas ilustraciones, tuve el placer de escuchar las palabras de Carlo Urbinati, fundador y presidente de Foscarini. Sus historias y la pasión con la que vive su trabajo me inspiraron muchísimo. Este proyecto me ha llevado a manejar la luz y a considerarla viva. La luz, tanto en la vida cotidiana como en un evento artístico, nos permite dar mayor valor o importancia a un elemento, porque aquí la propia luz es la protagonista. La idea de «iluminar la luz» me fascinaba mucho y me divertí jugando con ella para crear esta serie, sin olvidar dar la misma importancia a las sombras.

En esta serie las lámparas son el punto de inflexión, el detalle que transforma un simple «espacio» en un ambiente cálido y personal al que podemos llamar hogar, definiendo su atmósfera, contando algo sobre la personalidad del protagonista de la imagen, activando sensaciones y emociones en las que es fácil identificarse. ¿Hay objetos que, vayas donde vayas, te hacen sentir «en casa»?

Mientras respondo a estas preguntas, estoy viviendo un momento muy único y especial. Estoy a punto de comprar mi primera vivienda. Tengo 25 años y durante toda mi vida sólo he pensado en «irme» sin pararme mucho, así que es la primera vez que siento la necesidad de esto, de «calor», de un espacio donde volver y sentirme en casa. Durante los últimos años he estado en diferentes contextos, me he mudado numerosas veces y los objetos que siempre he traído conmigo son los libros. Cajas de libros que ya he leído, algunos cuando era una niña, pero que sin embargo son un elemento fundamental en el ambiente, definen la atmósfera y me transmiten serenidad. Sinceramente, aún no me he detenido a pensar sobre el tema, estoy deseando descubrir qué otros objetos definirán mi hogar.

¿Cuál o cuáles son las ilustraciones favoritas de esta serie y por qué?

No es fácil elegir una ilustración «favorita», cada imagen es única, al igual que las lámparas en las que me he inspirado. Si tuviera que elegir, quizá diría la que creé para la lámpara de suspensión Gregg. La imagen muestra a una chica absorta en la ventana, la lámpara genera una paradoja ya que la luz se refleja en el mar, en el exterior. De este modo he elevado el objeto al papel de «sol» del ambiente doméstico, además interior y exterior se comunican entre sí y el límite es imperceptible. En un nivel más profundo, esto pretende ser una metáfora para describir cómo nuestro mundo interior y nuestro mundo exterior están íntimamente conectados.

Tu producción abarca desde temas de actualidad hasta relaciones humanas, desde los sentimientos más íntimos a los temas medioambientales y sociales. ¿Cuál es tu argumento preferido para dibujar, el ámbito en el que te sientes más cómodo?

Suelo buscar siempre nuevos estímulos para mi trabajo, la figura humana es probablemente es una constante. En casi todas mis ilustraciones aparecen seres humanos interactuando con el ambiente de su entorno, porque me fascinan las infinitas facetas de su alma y su psique. A lo largo de la historia, el ser humano ha demostrado ser capaz de crear obras increíbles y bellas, pero también es capaz de cosas terribles, a veces irreparables. Quizá por eso somos animales tan complejos. Yo me siento muy cómoda explorando este amplio tema, al mismo tiempo que experimento yo misma emociones contradictorias a diario. Dibujar puede ser extremadamente catártico, así como una forma de comunicarme con los demás.

La inspiración y la creatividad son la base de la ilustración editorial. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

Mis fuentes de inspiración son muchas. Intento inspirarme en todo lo que me rodea, empezando por el ambiente en el que vivo. Las películas, las obras de arte y las fotografías son también buenos modelos en los que inspirarme para crear algo nuevo. Además, sigo el trabajo de muchos maestros de la ilustración que me sirven de estímulo y ejemplo para intentar mejorar constantemente, como por ejemplo: Noma Bar, Ivan Canu, Beppe Giacobbe, Pablo Amargo.

¿Qué es para ti la creatividad?

La creatividad es un impulso que parte del interior y puede llevar a muchos sitios, es la necesidad atávica de conectar diferentes elementos entre ellos para generar algo nuevo. La vida misma se lo debe todo a la creatividad. Crear, para mí, significa explorar, crecer, pero sobre todo divertirme. Cuando creo siento que estoy haciendo aquello para lo que estoy en el mundo, es una sensación completamente irracional, soy consciente de ello, pero también es extremadamente placentero.

Utilizando un simple bolígrafo, Kevin Lucbert da vida a escenarios suspendidos entre lo familiar y lo desconocido. Su estilo inconfundible, que supera las fronteras entre escritura, dibujo y pintura, consigue que la gente explore sus propios sueños y empiece a garabatear. Toma un objeto cotidiano como un bolígrafo, lo reinventa y lo transforma en una herramienta para la libre expresión creativa.

Kevin Lucbert, autodenominado «franco-berlinés», se graduó en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París en 2008 y ahora vive entre Berlín y París como miembro de The Ensaders, un colectivo de artistas activo en la realización de performance, exposiciones y talleres de dibujo.

Su creatividad se basa en el poder de soñar y luego llevar el sueño a la realidad. Traspasando los límites de la conciencia, crea mundos misteriosos que integran de forma armoniosa elementos naturales como el sol, el agua, la tierra y el cielo. Esta sugerente combinación es capaz de confundir la percepción de la realidad e invita a emprender un viaje imaginativo fascinante a través del espacio y el tiempo. Con sus trazos de bolígrafo, el artista se convierte en nuestro guía visionario, mientras nos sumergimos en su universo vibrante y místico.

En su serie para el proyecto «What’s in a Lamp?» de Foscarini, Kevin Lucbert ha explorado la colección de lámparas Foscarini, dejando volar su imaginación. El resultado son escenarios surrealistas impregnados con su inconfundible estilo. Sumergíos en los abismos del mar y encontraréis fascinantes medusas Chouchin e insólitos peces linterna y delante las Twiggy iluminadas que os muestran el camino; o contemplad el cielo mirando a través de la lámpara de mesa Nile que, transformada en un telescopio gigante orientado hacia la luna, se convierte en un portal para el universo y la bóveda celeste.
Descubre por ti mismo la magia de Kevin Lucbert y déjate transportar por su arte hacia dimensiones extraordinarias. La serie completa está en el canal de Instagram @foscarinilamps.

Cuéntanos algo sobre ti y tu trayectoria como artista. ¿Siempre fuiste consciente de alguna forma de que éste era el camino que querías seguir?

Nací en París en el 1985. De niño me sumergía en el mundo del cómic, leyendo y releyendo la colección familiar de clásicos como Tintín y Astérix. Luego descubrí el cómic de autor a través de revistas como «Metal Hurlant» y «A Suivre». Artistas como Moebius, Tardi, Hugo Pratt, Enki Bilal, Druillet y Comès, con sus extrañas y fascinantes historias, y sus personales e intrincados trazos de tinta en blanco y negro. Mi joven imaginación quedó tan profundamente fascinada que despertó en mí el deseo de convertirme en dibujante de cómics e ilustrador.
Años después, estudié arte en la «Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs» de París, centrándome en la división de «imagen impresa». Allí estudié ilustración, grabado, serigrafía, diseño gráfico y también hice mis pinitos en cinematografía. El enfoque multidisciplinar de esta escuela promueve la apertura mental y amplió mis perspectivas. En 2005-2006, tuve el placer de realizar una experiencia de intercambio Erasmus y estudiar Kommunikationsdesign en la Kunsthochschule Berlin-Weissensee, que para mí supuso una experiencia muy valiosa. En 2012 decidí mudarme a Berlín, donde mi familia y yo vivimos desde hace 10 años.
También me enorgullece ser miembro del colectivo de artistas «Ensaders», que fundé con dos compañeros de estudios: Yann Bagot y Nathanaël Mikles. Desde que nos conocimos en 2002, hemos colaborado en la realización de diseños colectivos, hemos organizado talleres y hemos organizado espectáculos.

Tu estilo característico, con trazos de bolígrafo que manipulan hábilmente las sombras y la luz, nos intriga. ¿Cómo describirías tu estilo?

Mi estilo es figurativo, orientado hacia la simplificación y la abstracción de las formas. Contrasto las líneas rectas y puras y los motivos geométricos con las curvas y el caos de los elementos naturales. El paisaje urbano moderno, con su ortogonalidad, contrasta con los mares salvajes o los bosques oscuros. Me gusta combinar los opuestos. El bolígrafo me permite crear detalles intrincados, casi como un grabado, y al mismo tiempo puedo utilizar una regla para dibujar cuadrículas o motivos geométricos con líneas limpias y nítidas. Estos estilos de trazo tan distintos, uniformados con la tinta azul, abren una gama de oportunidades desde un punto de vista gráfico que me encanta explorar.

¿Qué te ha llevado a elegir un bolígrafo como herramienta de elección?

Utilizo bolígrafos porque me gusta dibujar al aire libre y siempre tengo uno a mano. No me gusta llevar encima muchas herramientas y materiales de dibujo. El icónico bolígrafo azul Bic es algo que todo el mundo tiene a mano. Es la herramienta a través de la cual los sueños toman forma mientras garabateo en un trozo de papel. Es el mismo bolígrafo con el que yo garabateaba de niño, rellenando los bordes de mis cuadernos escolares. Cuando hablo por teléfono, lo utilizo para tomar notas y luego, inconscientemente, creo intrincados patrones que se superponen en un post-it. Tenía curiosidad por saber cómo habría podido expresar algo completamente nuevo utilizando una herramienta tan sencilla, creando un universo original con sólo tinta azul.

¿Puedes hablarnos de la importancia del doble escenario azul-blanco en tus ilustraciones surrealistas?

Me fascina el particular color azul del bolígrafo Bic, con su peculiar matiz azul-rojo. Es un azul que puede adquirir una gran intensidad. Puedes cruzar las líneas casi infinitamente para crear matices y profundidad, de forma similar a lo que sucede con la técnica del aguafuerte. En mis ilustraciones, utilizo el blanco del papel como reserva para crear contraste y luminosidad, para realzar la importancia del color azul.
En mi forma de percibir, el azul es un color que está estrechamente relacionado con el mundo de los sueños. Está vinculado con el agua, la noche y el sueño, con ese mundo onírico enraizado en el misterio del inconsciente. El inconsciente se expresa en un lenguaje extraño que podemos intentar traducir a través del arte. En mi opinión, un dibujo, como cualquier obra de arte, es el resultado de la alquimia que se produce entre el consciente y el inconsciente. El azul de los bolígrafos nos resulta tan familiar que se ha convertido en parte integrante de nuestra psique.

¿Cómo describirías tus primeras impresiones sobre las lámparas Foscarini cuando las conociste por primera vez?

Me parecieron bonitas y elegantes. Las formas sencillas pero al mismo tiempo complejas me impresionaron. Más que lámparas, vi historias de luz capaces de suscitar inspiración y estimular las ideas en un ambiente. La luz desempeña un papel importante en mi diseño monocromático y a menudo trabajo el contraste entre zonas claras y oscuras. La belleza de la luz se ve realzada por la fuerza de la oscuridad que la rodea. A menudo recuerdo esta cita de Stanley Kubrick: «Por muy amplia que sea la oscuridad, debemos proporcionar nuestra propia luz».

En esta serie de obras, las lámparas Foscarini forman parte de escenarios oníricos, ayudando a dar vida (y luz) a mundos imaginarios y surrealistas. ¿Puedes hablarnos de cómo surgió la inspiración para esta serie?

Esta serie está íntimamente enraizada en el surrealismo, en los sueños y los cuentos de hadas. Cuando era un niño y pasaba las vacaciones en Bretaña, la tierra natal de mi madre, estaba rodeado de una cultura repleta de leyendas y de extrañas criaturas de la mitología celta. Espíritus, criaturas y hadas animan los páramos y los castillos en ruinas, sugestiones que constituyen la base de mi obra artística.
Me gusta proyectar objetos contemporáneos en realidades surrealistas, donde cosas corrientes como sillas cuadradas, lámparas y modernos suelos de parqué cobran vida, transformándose en extrañas entidades que superan la frontera entre el sueño y la realidad.
Empecé observando la forma abstracta de la lámpara, tratando de imaginar las emociones que podía evocar en mí. A partir de ahí, desarrollé una serie de bocetos, contextualizando la lámpara en diversos escenarios. Durante mi proceso creativo suelo escuchar música, que crea un estado de ánimo específico y a veces genera ideas e inspiraciones inesperadas. Pensé en cómo la lámpara podría asumir el papel de un elemento principal, de un actor, en una historia extraña.

Historias extrañas que recuerdan los cuentos de hadas y que evocan el estilo de Chagall. ¿La obra de Chagall ha influido en su visión artística?

Sí, admiro a Chagall por sus pinturas figurativas y oníricas al mismo tiempo. También me inspira el surrealismo de René Magritte. Podría decir que esta serie de dibujos encarna el espíritu de las películas de Georges Méliès, especialmente «Le Voyage dans la Lune». Es una combinación de cuento de hadas, poesía y surrealismo. El cine también utiliza la luz como medio para crear movimiento e historias. Me interesan mucho los artistas capaces de crear universos y visiones evocadoras, como Alfred Kubin, Odilon Redon y Edward Munch. De niño me encantaban los dibujantes de cómics como Hugo Pratt, Moebius y Roland Topor con su universo extraño, sobre todo en la película de animación «La Planète Sauvage». Me transmitieron el amor por la narración y por el infinito potencial del dibujo.

¿Cuál es tu ilustración favorita de tu serie para «What’s in a lamp?» y por qué?

Me gusta «Nuee» porque me recuerda a «El Principito» de Antoine de Saint-Exupéry, con sus pequeños planetas y las personas que vive en ellos. También «Rituales», porque nos lleva, como en «Alicia en el país de las maravillas», a través del espejo.

Tus ilustraciones muestran una combinación de sencillez y complejidad, donde unos trazos mínimos de bolígrafo allanan el camino a historias fascinantes. ¿Cuál es el papel de la narración en el arte ilustrativo?

Me encanta contar historias y buscar lo extraordinario en lo ordinario. Al principio ero un dibujante de cómics y mi trabajo evolucionó gradualmente hacia la creación de series de dibujos con un fuerte énfasis en la dimensión narrativa. Es como si estos dibujos construyeran juntos una historia, pintando un mundo onírico desconocido. Mi principal objetivo es divertirme y plasmar mis ideas y fantasías sobre el papel.

¿Puedes ilustrarnos tu proceso creativo? ¿Cómo consigues hace florecer las nuevas ideas?

En primer lugar, mientras observo al sujeto, me tomo mi tiempo para garabatear en el papel bocetos al azar y dibujar esbozos con el lápiz. Algunos bocetos son «más sinceros» porque consiguen capturar el dinamismo y el estímulo que necesita el dibujo final. Un boceto es algo fascinante. Sólo con unos trazos, encarna la energía y los elementos esenciales del dibujo final. Sin embargo, siempre estoy abierto a modificar el diseño a medida que lo voy completando. Durante el proceso creativo pueden surgir nuevas ideas.
Busco la inspiración en distintas fuentes, como la lectura, la música y a veces incluso los sueños. Un dibujo suele llevar a menudo a la creación de otro. En una serie de obras, mis dibujos siguen una cierta lógica, a veces conectados a nivel narrativo y a veces contrastando, en cambio, con el trabajo anterior. A veces los dibujos forman incluso «miniseries», como en el caso de la serie sin título «Meditación 1,2,3,…».
La lectura de los libros del psiquiatra Carl Gustav Jung es una fuente de gran interés para mí. Sus estudios sobre el inconsciente y los sueños me fascinan. Su enfoque es profundamente creativo, repleto de ideas y visiones. Toma en consideración numerosas imágenes y símbolos de la historia del arte y de nuestro «inconsciente colectivo». Por ejemplo, ¿qué significan para nosotros figuras como el árbol, el agua o el sol? Su investigación sobre la mitología y los arquetipos es extraordinariamente fascinante.

¿Qué significa para ti el diseño?

Para mí, el diseño es infundir espíritu en la materia. Es el aliento que da vida a la materia prima. Es el acto de llenar los objetos de amor, con la esperanza de que lo reflejen a los ojos de todos. A todos nos gustaría encontrarnos con objetos que tienen alma e historias que contar.

El proyecto «What’s in a Lamp?» de Foscarini se enriquece con un nuevo capítulo protagonizado por Maja Wrońska (@majatakmaj), una talentosa artista polaca especializada en pintura en acuarela. Sus fascinantes cuadros muestran arquitecturas europeas y destacan por el perfecto equilibrio entre líneas y trazos escénicos y los delicados colores de la acuarela. Maja no es sólo una artista sino también una arquitecta, un detalle que caracteriza su inspiración y consigue que sea especialmente original y distintiva.

En este nuevo capítulo del proyecto «What’s in a Lamp?» de Foscarini, Maja Wrońska ha creado una serie sorprendente de obras artísticas que destacan el poder transformador de las lámparas Foscarini dentro de los espacios arquitectónicos. Pinturas en acuarela animadas que sorprenden y consiguen captar la vida, las emociones, el paso del tiempo en la arquitectura urbana, y en las que las lámparas se convierten en un elemento significativo, en un punto focal, especialmente cuando llega la oscuridad.

Lo que hace cautivadoras las obras de esta serie es la forma en que cobran vida cuando la ciudad pasa del día a la noche. Los interiores de los edificios, vistos desde el exterior, se convierten en protagonistas cuando las lámparas Foscarini los iluminan durante la noche.

Déjate llevar por la magia y las sugestiones de las obras de Maja Wrońska en el feed de Instagram @foscarinilamps y descubre más sobre su proceso creativo, sus influencias y la forma en que combina varias disciplinas creativas en nuestra entrevista.

Háblanos un poco de ti y de tu trayectoria. ¿Cómo llegaste al arte y qué te impulsa a crear?

Soy Maja Wrońska, arquitecta y pintora de acuarelas de origen polaco. Desde que era una niña, mi madre, que también es arquitecta, me permitía utilizar sus materiales profesionales para pintar y dibujar. En Polonia, si quieres estudiar arquitectura, también tienes que hacer un examen de dibujo. Así que, más tarde, también asistí a cursos de dibujo para preparar este examen. Cuando llegué a la universidad, el dibujo y la pintura se convirtieron en parte integrante de mi programa de estudios. En ese periodo, también creció mi interés por la pintura en acuarela y pensé en crear un perfil en DeviantArt para compartir mis pinturas. Para mi sorpresa, el perfil se hizo popular y la gente empezó a preguntarme si mis pinturas estaban a la venta. Tras licenciarme, monté mi propio negocio, como arquitecta Maja Wrońska, trabajando como arquitecta con mi madre y, al mismo tiempo, dedicándome a mis acuarelas.

¿Qué es lo que más te gusta dibujar?

Me encanta dibujar arquitectura, ciudades y lugares.

¿Cuándo comenzó tu interés por la arquitectura?

La arquitectura me ha fascinado y apasionado desde siempre.

¿Cómo coexisten y se influyen mutuamente la arquitecta Maja Wronska y la pintora Maja Wronska?

Me considero una arquitecta a la que también le gusta pintar con acuarelas. El proceso de diseño de un edificio puede necesitar semanas o incluso meses, mientras que la creación de una acuarela se lleva a cabo en unas horas. Esto me permite completar proyectos artísticos estimulantes mientras trabajo como arquitecta.

En este proyecto realizado para Foscarini, vemos imágenes espléndidas de arquitectura evocadora, que cobran vida y se llenan de emoción y vida. ¿Qué te atrajo hacia la pintura en acuarela y cómo se te ocurrió la idea de animarla?

Muchas gracias. Yo también estoy encantada con la forma en la que surgió nuestro proyecto. Como arquitecta, estudié Photoshop y los programas 3D para modelar y renderizar arquitectura. Pensé en la posibilidad de combinar técnicas artísticas tradicionales como el dibujo y la acuarela con técnicas modernas como la animación y la realidad aumentada. Cuando Instagram empezó a promocionar los reels, decidí experimentar animando mis acuarelas y subiéndolas a la aplicación Artivive para ver el efecto de la realidad aumentada en mis creaciones artísticas tradicionales. La primera vez que empecé a animar mis acuarelas fue para un concurso de un fabricante de coches. Aunque el concurso lo ganó otra persona, la curiosidad por ver cómo quedarían mis otras acuarelas animadas de esta forma me empujó a seguir explorando el concepto.

¿Cuál es el proceso creativo de tus obras de arte?

Mi intención es pintar los lugares que me gustan y captar la belleza que percibo.
El proceso creativo empieza identificando un edificio que me llama la atención, hago un esbozo con lápiz y luego añado el color con acuarela. Luego mi marido lo digitaliza, asegurándose de que el escaneado reproduce la obra original con la mayor fidelidad posible. Por último, utilizando Photoshop, creo una animación en bucle de fotogramas en gif y mp4.

En esta serie de obras de arte has sabido capturar el poder transformador de las lámparas Foscarini dentro de un espacio, tanto cuando están apagadas como cuando están encendidas, convirtiéndose en un punto focal. ¿Puede contarnos más sobre la inspiración que hay detrás de esta serie?

Esta serie es un desarrollo en continuidad con mis animaciones anteriores, en las que se ven ciudades y lugares en la transición del día a la noche. Al principio animaba los coches, luego empecé a incorporar las luces de los edificios que se encienden y se apagan. Con el proyecto de Foscarini, he querido impulsar la exploración dentro de los espacios arquitectónicos y destacar cómo pueden transformar la atmósfera las lámparas que hay en ellos.

¿Cuál es su obra favorita de la serie «What’s in a Lamp?» y por qué?

Desde el punto de vista de la pintura en acuarela, mi favorita es la que incluye la lámpara de pie Tobia de color rojo. Sin embargo, desde el punto de vista de la animación, me gusta mucho la del edificio, con grandes ventanales, iluminado por una cascada de lámparas colgantes Gregg.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Hay algún artista en particular que represente para ti un punto de referencia?

La luz, en general, es una de mis mayores fuentes de inspiración. Me fascina observar cómo la luz del sol interactúa con las fachadas de los edificios y cómo éstos aparecen cuando las luces del interior están encendidas. En cuanto a artistas favoritos, admiro a Van Gogh y sigo a ilustradores contemporáneos en las redes sociales, como Pascal Campion.

¿Qué es para ti la creatividad?

Para mí, la creatividad es el proceso que lleva a crear y transformar algo fresco y estimulante a partir de los materiales disponibles. La imaginación y la originalidad son características indispensables para poder generar creaciones innovadoras y llenas de significado.

Federico Babina, arquitecto e ilustrador, es conocido por los mundos surrealistas que es capaz de crear con sus ilustraciones y animaciones y para los que se inspira principalmente en la arquitectura y el diseño. Sus series son únicas, características, marcadas por un estilo que las hace reconocibles de forma inmediata. Un estilo que se refleja en los detalles, en el sabio equilibrio de colores y proporciones y en los motivos de estilo Grunge, pero también y sobre todo en la capacidad de crear y buscar conexiones inesperadas y sorprendentes que impactan en la vista, la mente y el corazón del espectador.

En su nueva serie «Lux Like», parte del proyecto «What’s in a lamp?» de Foscarini, Federico Babina se ha divertido buscando y reconociendo animales en las formas de algunas de las lámparas de Foscarini. Como en una pareidolia, las ha reducido a formas elementales, como círculos, rectángulos, triángulos y líneas, y las ha transformado en animales con carácter y expresividad que viven, hablan y respiran en un universo paralelo, en una especie de zoo del diseño.

Un ejercicio de creatividad e imaginación sencillo y eficaz que desarrolla el «pensamiento elástico», porque no se ve una lámpara y se interpreta como tal, sino que se ve el elefante que la incluye. Una serie de ilustraciones en las que Federico Babina juega con seriedad alrededor de las formas y los colores. Donde todo lo que aparece puede no ser lo que parece. Lámparas que conforman un zoo de Foscarini donde los animales están hechos y construidos a partir del diseño.

Cuéntanos algo sobre ti y tu trayectoria. ¿Cuándo empezaste a dibujar y cómo has desarrollado tu peculiar estilo?

Soy Federico Babina (desde 1969), arquitecto y diseñador gráfico (desde 1994), vivo y trabajo en Barcelona (desde 2007), pero sobre todo soy una persona curiosa (desde siempre).
Cada día intento encontrar una manera de observar el mundo a través de la inocencia de los ojos de un niño. Los niños son capaces de tener una visión totalmente desinhibida de las cosas y sin el condicionamiento de la experiencia. Cuando era niño quería ser arquitecto y, ahora que soy arquitecto, a veces me gustaría volver a ser un niño.
Me gusta intentar contar el mundo que veo a través de distintas técnicas expresivas. Me gusta la riqueza del lenguaje y la diversidad de sus formas.
Nací con las ilustraciones de cuentos de hadas, crecí con los rasgos de los cómics y he madurado con el dibujo arquitectónico. La ilustración forma parte de mi mundo imaginado e imaginario.
Me esfuerzo para que en mis trabajos aparezca el rigor de la arquitectura, la libertad de la pintura, el ritmo y la pausa de la música y el misterio mágico del cine. Mi intención es mezclar lenguajes aparentemente heterogéneos, pero que se comunican entre ellos.

¿Cómo coexisten y cómo se influyen el Federico Babina arquitecto y el Federico Babina ilustrador?

Un arquitecto debe ser un buen ilustrador. La capacidad de una comunicación visual es una herramienta imprescindible.
El dibujo es la primera manera de dar forma a una idea. Las ideas se esculpen, se modelan y se transforman a través de la ilustración.
No me quito el atuendo de arquitecto para ponerme el traje de ilustrador.
El denominador común de mis trabajos soy «yo». Mi enfoque y mi forma de trabajar no cambian en función del trabajo. Me gusta pintar y me gusta hacer fotos tanto como dibujar y escribir. Creo que hay una cierta coherencia de expresión en cada uno de nosotros, independientemente del medio que se utiliza.
Encuentro analogías, similitudes, afinidades y un sinfín de relaciones entre las distintas formas de expresión. Tanto si se trata de una ilustración, de un objeto de diseño o de un edificio, mi proceso creativo es similar y sigue reglas comunes y las mismas trayectorias. El proceso creativo de una composición arquitectónica responde a mecanismos que mueven y ponen en movimiento la maquinaria de cualquier obra intelectual.
Algunas veces soy un arquitecto apasionado por la ilustración y otras un ilustrador apasionado por la arquitectura.

¿Cómo se gestó la colaboración con Foscarini?

Foscarini se puso en contacto conmigo y me pidió que buscara una forma personal de representar más una idea de un producto que el de un objeto en sí. Todo ello con absoluta libertad de expresión. Una colaboración de este tipo es siempre un reto estimulante. Los objetos existen y se trata de encontrar la forma de sugerir un punto de observación alternativo sobre ellos.

En este proyecto para Foscarini has combinado ironía y ternura y has construido un «zoo» inesperado a partir de las siluetas icónicas de las lámparas de la colección Foscarini. ¿Puedes explicarnos algo más sobre la inspiración que hay detrás de esta serie?

El proyecto se llama LUX LIKE y se centra en la percepción. La idea es transformar la percepción del objeto de diseño.
Nuestra mente es capaz de recoger, grabar y almacenar millones de imágenes. Una de las cosas que siempre me ha interesado es la asociación que somos capaces de hacer entre estas imágenes. Como en el libro «El principito», ver más allá del dibujo de un sombrero y vislumbrar la silueta de una boa digiriendo a un elefante.
En este trabajo para Foscarini, 9 lámparas se transforman en animales con carácter y expresividad que viven, hablan y respiran en un universo paralelo, creando una especie de zoo del diseño.
Como en una Pareidolia del diseño, me he divertido buscando y reconociendo animales en las formas de algunas de las lámparas de Foscarini. Se trata de un ejercicio de creatividad e imaginación sencillo y eficaz que desarrolla el «pensamiento elástico».
Nuestra mirada no es capaz de captar lo invisible y nuestra razón saca mecánicamente sus propias conclusiones y emite sus juicios rigurosos basándose únicamente en la evidencia de una apariencia.
He intentado no enviar al cerebro la información racional, para que reconozca a través del conocimiento, dejándolo libre para que busque una asociación instintiva. No ver una lámpara e interpretarla como tal, sino ver el elefante que la incluye.
LUX LIKE es una serie de ilustraciones donde juego con seriedad con los volúmenes, los colores y las formas. Donde todo lo que aparece puede no ser lo que parece.
Lámparas que conforman un zoo de Foscarini donde los animales están hechos y construidos de diseño.

¿Cuál o cuáles son tus ilustraciones favoritas de esta serie y por qué?

No puedo elegir entre mis ilustraciones, es como pedir elegir entre los propios hijos. Cuando trabajo en una serie, considero las ilustraciones individuales como fragmentos de un mosaico general que representa un concepto y una idea. Son fragmentos de un rompecabezas global, ninguno es fundamental y, al mismo tiempo, todos en su conjunto lo son. Lo importante es la composición general que dibujan todos los fragmentos.

En tus ilustraciones y animaciones, geometrías sencillas se unen para crear composiciones capaces de contar, de un vistazo, historias que impactan en la vista, la mente y el corazón del espectador. ¿Puedes hablarnos de la parte «narrativa» de tu proceso creativo?

Como decía Bruno Munari: Complicar es fácil, simplificar es difícil.
La sencillez es lo más difícil de conseguir. Para simplificar hay que quitar y para quitar hay que saber qué cosas son superfluas. Lo que siempre busco en mi trabajo es un hilo narrativo conductor. Una narración que te acompañe al interior de una historia, como una puerta que se abre a un universo paralelo y ofrece al espectador algunos elementos y herramientas para continuar su historia. El poder de la ilustración es precisamente el de dejar cierta libertad a la interpretación. Yo empiezo las historias y el espectador las continúa y a veces las completa.

¿Cuáles son tus referencias en el mundo del arte y la ilustración? ¿Cuáles son los arquitectos que más aprecias?

A lo largo de los años me he empapado y alimentado con la cultura que me rodeaba. Somos como «batidoras» que mezclan y combinan distintos ingredientes para elaborar una mezcla personal. No hay una única figura que considere inspiradora. Son muchas las personas que me han inspirado, ayudado, sorprendido y guiado. No me gusta hacer ese tipo de clasificaciones, me siento como un mosaico en elaboración en el que muchos, para bien o para mal, desconocidos o conocidos, han contribuido y contribuyen todavía en la composición general y en la colocación de cada uno de sus fragmentos.
En realidad no tengo referencias ni modelos precisos. Mis fuentes van desde el mundo de la gráfica al del arte, pasando por el mundo de la arquitectura, del cómic y de la publicidad. Tengo muchas amantes pero nunca me he casado con nadie….

Tus obras requieren creatividad y capacidad para mirar la realidad desde perspectivas diferentes y originales. ¿Cómo consigues mantener tu frescura y crear espacio para las ideas? ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

No creo mucho en la inspiración. Las ideas están allí, esperándonos, solo tenemos que saber verlas. Busco siempre un elemento generador, un punto de partida para poder dar forma y esculpir una idea. Algunas veces la imagen gira como impulsada por una fuerza centrífuga alrededor de este elemento central y otras veces toma direcciones distintas y sorprendentes. No sigo ninguna regla en mi proceso creativo, puede ser un proceso lento y laborioso o repentino e intuitivo.
Buscar inspiración e ideas es un trabajo cotidiano y constante. Es como caminar hacia un lugar sin saber cómo llegar. Algunas veces se encuentra el camino con facilidad, otras veces te pierdes durante el viaje. Lo importante es querer llegar.
Intento tener una visión transversal de las cosas. Intentar dar la vuelta para leer las formas sin la inhibición de la experiencia. Intentar mirar el mundo boca abajo. El mundo no cambia, cambia sólo la perspectiva de mirar las cosas para revelar los vacíos, los silencios y las sorpresas que se esconden entre las formas.
Intento escuchar y observar, activar todos los sentidos y luego filtrar la información para llegar a un resultado personal.

¿Cuál es el tema que más te gusta dibujar?

La arquitectura es a menudo la protagonista. Me gusta buscar relaciones (im)posibles entre la arquitectura y otros mundos y descubrirla en «lugares sensibles».
Me gusta encontrar arquitectura escondida en universos paralelos y, en este sentido, la ilustración me ayuda a explorar lenguajes alternativos.
En mis imágenes, intento establecer un diálogo imaginario e imaginado entre disciplinas distintas. Los hilos que unen y entrelazan las relaciones pueden ser finos y transparentes o fuertes y corpulentos. Una trama heterogénea e imaginativa que une la arquitectura con mundos aparentemente distintos en un «unicum» ilustrado.
Intento encontrar la arquitectura oculta y hacerle hablar un idioma distinto para comunicarme con un público que puede ser «extranjero» a la arquitectura.

¿Sigue algún ritual a la hora de dibujar?

Soy más prolífico por las mañanas y tengo más ideas por la noche, pero en general no tengo una regla fija.
Las cosas pueden cambiar y busco siempre nuevos ingredientes para añadir nuevos sabores a mis imágenes. Cambio constantemente, evoluciono, camino hacia adelante y a veces retrocedo, y mis proyectos siguen mis cambios y mis fluctuaciones. Me gusta sentirme libre, libre de expresarme sin tener que encerrarme en la «prisión de un estilo o una forma». Cuando creo las ilustraciones utilizo siempre un collage de técnicas y programas diversos. Desde el dibujo a mano hasta el dibujo vectorial y los programas de modelado en 3D. Estos distintos ingredientes me permiten obtener la mezcla y la atmósfera deseadas. Todas las técnicas son una herramienta de trabajo útil. Me gusta entrecruzar y entrelazar distintas metodologías para tejer el lienzo gráfico. El resultado es siempre más valioso.

¿Qué es para ti la creatividad?

Una pregunta difícil.
La creatividad es como hacer un regalo. Hay que elegirlo con cuidado. Una vez decidido cuál será el regalo, hay que envolverlo. La caja es importante, porque no sólo lo contiene y lo protege, sino que puede revelar o no su contenido. El papel que lo envuelve es como la piel de una obra creativa. Es lo primero que se ve cuando se recibe un regalo. Por último, la cinta, que es como una curiosidad que ofrece un toque de ligereza y elegancia. Quien contempla una obra creativa de cualquier tipo es como quien recibe un regalo. Lo desenvuelve, lo abre y al final descubre la sorpresa. A veces gusta y a veces no