Les Microcosmes Surréalistes de Francesca Gastone avec les Lampes Foscarini

Francesca Gastone, diplômée en architecture du Politecnico di Milano et spécialisée en illustration éditoriale, puise son inspiration dans ses expériences dans des métropoles telles que São Paulo et Hong Kong. Ses illustrations capturent l’essence des interactions humaines, des émotions, de l’unicité de chaque individu dans la foule, tandis que sa formation en architecture se manifeste dans la gestion attentive de l’espace et la composition.

Dans sa série pour “What’s in a lamp?”, Francesca Gastone illustre, avec la technique du collage numérique, des récits de vie prenant forme autour d’une sélection de lampes de la collection Foscarini. Dans ces illustrations suggestives, chaque lampe illumine des épisodes de la vie quotidienne dans des micro-mondes à la fois familiers et surréalistes, développant des narrations dans lesquelles il est naturel de s’immerger et dessinant des protagonistes avec lesquels s’identifier. Des histoires visuelles qui, comme des ponts vers les lampes qui les animent, tracent des chemins qui nous rapprochent de leur lumière.

Dans cette interview exclusive, Gastone offre un aperçu de son processus créatif, retracant son parcours depuis une fascination infantile pour le dessin jusqu’à son évolution en tant qu’illustratrice et architecte. Elle explore l’inspiration derrière sa collaboration avec Foscarini, partageant les influences qui façonnent sa vision artistique.

Salut, Francesca ! Pouvez-vous nous parler un peu de vous et de votre parcours artistique ? Quand avez-vous commencé à dessiner et quand avez-vous réalisé que vous vouliez devenir illustratrice ?

Le dessin m’est toujours venu naturellement, et mon amour pour l’art sous toutes ses formes m’a amenée à obtenir un diplôme d’une école d’art et à poursuivre ensuite des études en architecture. J’ai commencé à travailler en tant qu’architecte en Italie, puis à São Paulo, au Brésil, et à Hong Kong. Mon premier contact avec l’illustration est survenu de manière fortuite par la nécessité de résoudre des problèmes de design intérieur. Pendant mon séjour à São Paulo, ville riche culturellement, j’ai trouvé un terrain fertile pour plonger dans ce monde : j’ai commencé à acheter de plus en plus de magazines et de livres illustrés, à participer à des ateliers et à des cours, mais j’avais très peu conscience de la manière dont l’illustration pouvait devenir une véritable profession. La naissance de ma fille Olivia a coïncidé avec mon déménagement à Hong Kong. Cette période, caractérisée par des rythmes lents mais intenses, la découverte, la curiosité et une véritable immersion dans les livres d’images, a été un tournant. Un jour, j’ai pris un avion pour Shanghai et j’ai passé trois jours à exposer mes œuvres (à ce moment-là, encore très brutes) au Salon du livre pour enfants de Shanghai. Je n’ai pas recueilli beaucoup, mais j’ai compris que c’était un chemin réel et réalisable, et l’illustration est devenue une nécessité. Cependant, j’ai senti que je manquais de bases solides, alors en 2021, j’ai décidé de m’inscrire à un programme de maîtrise à Milan. À partir de ce moment-là, ma perspective sur cette profession a changé, et j’ai réalisé que l’illustration encapsulait dans la bonne mesure tout ce que j’aimais.

Comment les deux âmes de Francesca Gastone, l’architecte et l’illustratrice, coexistent-elles et s’influencent-elles mutuellement ?

Elles coexistent et s’influencent mutuellement constamment au point qu’il est parfois difficile de distinguer où l’une se termine et où l’autre commence. Je me souviens qu’à l’âge de 7 ans, je dessinais seulement des toits et des tuiles, et mon professeur a plaisanté en disant à ma mère que je deviendrais architecte. Que ce soit par sa confiance inébranlable en son jugement ou par une inclination réelle qui m’a motivée, j’ai pris ces mots comme une révélation, comme si j’avais reçu un cadeau, et le chemin devant moi était miraculeusement devenu clair. L’image de l’architecte me semblait magique et incroyablement puissante ; personne dans ma famille n’avait jamais osé se lancer dans ce domaine. Cette anecdote me fait toujours sourire aujourd’hui, et je crois que l’architecture reste l’une de mes plus grandes passions ; je lui dois beaucoup. Cependant, au fil des ans, et après avoir vécu sur trois continents avec des approches différentes du travail de l’architecte, j’ai réalisé que ce rôle me semblait souvent contraignant. L’illustration a d’une certaine manière résolu beaucoup de choses qui étaient restées en suspens en moi, mais la vérité est que je me sens comme une architecte même quand j’illustre. L’école polytechnique m’a inculqué une méthode que j’applique presque inconsciemment à tous les aspects de ma vie professionnelle. C’est un bagage inestimable mais parfois aussi pesant qui m’entraîne souvent dans des schémas dont il est difficile de se libérer.

Comment décririez-vous votre style artistique et comment a-t-il évolué au fil du temps ?

En fait, j’ai commencé en faisant ce que j’ai toujours fait en architecture, mais au lieu de plans et de dessins techniques, j’ai commencé à créer des structures imaginaires et métaphoriques et à les faire vivre. L’architecture ne concerne pas seulement les bâtiments ; c’est un outil pour explorer n’importe quel thème, car il résonne en chacun de nous. Les humains peuvent habiter non seulement des espaces physiques, mais aussi des émotions, des sensations et des idées. Nous avons le pouvoir de décider combien de nous-mêmes investir, que ce soit pour remplir un espace ou le laisser vide – créer un vide, un silence, à la fois physiquement et conceptuellement. C’est ce qui me motive. Souvent, comme avec Foscarini, je joue avec les contrastes, transformant les objets en petits mondes habités. La surprise qui en résulte est mon indicateur de succès ; si je parviens à susciter l’émerveillement, alors je sais que j’ai bien fait mon travail. Un autre aspect crucial est le collage : bien que j’abstraie parfois des éléments pour transmettre rapidement un thème, j’incorpore toujours de vrais personnages et objets. Cette connexion à la réalité est essentielle pour moi, et je choisis méticuleusement leurs expressions, leurs positions et leurs regards.

Quelle est votre principale source d’inspiration quotidienne, et comment cultivez-vous votre créativité ?

Sans aucun doute, les gens et leur diversité sont ma principale source d’inspiration. Mes illustrations ne crient que rarement un message direct, devenant sortes de manifestes. Elles peignent plutôt une image d’un avenir idéal pour moi. Elles mettent principalement en vedette des gens ; l’élément humain est essentiel pour interpréter l’image elle-même. Vivre dans des métropoles animées comme São Paulo et Hong Kong a aiguisé ma perception de la vie des autres, me permettant de reconnaître l’unicité au sein de la multitude. Peut-être est-ce pour cela que j’aime les grandes villes : ce sentiment partagé d’identité est plus courant et semble tangible, presque nécessaire. Je cultive ma créativité en observant et en capturant continuellement des sujets, des lieux et des atmosphères à travers la photographie ; mon ordinateur est rempli de d’innombrables dossiers d’images que je revisite et utilise au besoin. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans une étude continue et une curiosité insatiable pour le passé (ce qui a déjà été fait, les maîtres, le bagage que nous portons) ainsi que pour le présent. Nous vivons à une époque où les stimuli sont excessifs et partout, et nous devons développer notre propre perspective critique. Je crois que cela est extrêmement important.

Parlez-nous de la collaboration avec Foscarini.

Foscarini a été une présence constante dans ma vie en tant qu’architecte, de leurs produits à Inventario. Collaborer avec eux est ce que je qualifierais de “projet de rêve” – c’est la fusion parfaite de tout ce que je chéris.

Dans le projet “What’s in a lamp?” pour Foscarini, vous avez créé des ‘micro-mondes’ fascinants autour des lampes de la collection. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration derrière cette série ?

Le point de départ étaient les produits Foscarini eux-mêmes. Je voulais qu’ils soient au centre de la narration, donc j’ai commencé à les examiner en termes de leur jeu de pleins et de vides, chacun ayant sa propre vie définie par le temps et la lumière – qu’elle soit naturelle ou artificielle – et les ombres résultantes. Il semblait presque instinctif de les envisager comme des architectures miniatures autour desquelles la vie tourne. Le temps se déroule en une séquence de matinées, d’après-midis, de soirées et de nuits ; les lampes elles-mêmes semblent rester inchangées, mais elles possèdent cette capacité remarquable d’illuminer et de prendre vie, transformant subtilement l’espace et la vie autour d’elles. C’est une subtile enchantement, une réflexion sur la magie quotidienne qui nous entoure – seule différence ici : elle est amplifiée à une échelle différente.

Y a-t-il des objets qui, comme les lampes Foscarini dans votre série, représentent des points fixes, des présences constantes autour desquelles se développent vos expériences quotidiennes ?

J’ai vécu dans de nombreuses maisons et entretiens une relation compliquée avec la notion de maison elle-même (peut-être est-ce là que vient mon obsession pour l’habitat), et avec le temps, je suis devenue de plus en plus sélective dans le choix des objets qui m’entourent. Cependant, le constant, l’ “ancre” dans chacune de ces maisons, je crois, a toujours été la table à manger. La vie dans toute la maison tourne autour de cette table – des repas à la préparation, des études au travail, de l’expérimentation au jeu, de la conversation à l’hospitalité. En fait, elle occupe actuellement presque toute la maison. Si je devais identifier des objets spécifiques qui m’ont accompagnée dans ces onze maisons, ce sont tous des objets petits et faciles à transporter : une figure en bois du Saint-Esprit, un cadeau d’un ami ; un livre de Zumthor ; une vieille photo de mon grand-père capturant l’éclosion d’une plante succulente ; une gravure d’un groupe d’araucarias brésiliennes. C’est comme une petite Wunderkammer portable.

Pouvez-vous approfondir l’aspect narratif de votre processus créatif ?

La narration derrière chaque pièce est cruciale et joue un rôle significatif ; elle enrichit et façonne le travail lui-même. Décider quoi dire, dans quelle mesure, comment l’exprimer et quelle tonalité adopter influence toutes les décisions formelles ultérieures, de la composition à la palette de couleurs. Personnellement, les œuvres que je préfère sont celles qui ne visent pas à fournir des réponses définitives mais plutôt à susciter des questions. Je crois que les illustrations créées pour Foscarini illustrent cette approche : elles dépeignent la vie qui se déroule autour des lampes, mais elles ne nous donnent pas d’instructions sur la façon dont nous devrions interagir avec elles. Elles nous incitent plutôt à réfléchir, à nous voir en elles, et à réfléchir au rôle que nous aurions pu jouer, aux moments de la journée qui résonnent en nous, et au type de lumière qui nous met le plus à l’aise. Elles servent de lien avec les lampes représentées, traçant des chemins qui nous rapprochent d’elles et nous donnent envie de participer à ce carrousel de la vie.

Quelle est votre illustration préférée dans ce projet, et que signifie-t-elle pour vous ?

Chacune de ces illustrations a été un voyage personnel pour moi, mais je dois dire que j’ai une affection particulière pour la nuit de Cri Cri. C’est la seule lampe que j’ai représentée éclairée pendant les heures nocturnes parce que sa ressemblance avec une petite lanterne évoquait immédiatement l’enchantement d’une nuit remplie de vie. Dans ce moment intime et magique, un enfant est captivé, absorbé par les pages d’un livre, rendant l’espace vivant de possibilités.

Quel est votre sujet préféré à dessiner ?

Les enfants sont mon sujet préféré à dessiner, pour plusieurs raisons. Premièrement, ils transmettent sans effort des concepts et des émotions, car leurs activités incarnent souvent des idées complexes de manière simple et immédiate. Leur jeu sert de métaphore pour la vie elle-même. De plus, ils sont un plaisir à dessiner ; On m’a dit que je souriais en les esquissant. En bref, ce sont les meilleurs antidépresseurs.

Que représente la créativité pour vous ?

Je répondrai en écho au verbe que vous avez choisi dans les questions précédentes pour parler de la créativité : cultiver. Je pense que ce verbe encapsule parfaitement son essence : elle est vivante. La créativité demande une nourriture quotidienne, de l’attention et des soins, mais aussi la capacité de la faire grandir et briller. Une capacité qui est liée à la préparation, ainsi qu’à une prédisposition innée.