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Catégorie : Culture

Illustrateur, animateur et storyteller, Brian Rea entre dans l’univers de What’s in a lamp? en transformant les lampes Foscarini en présences vivantes, intimes et silencieuses. Un projet où la lumière et les personnages dialoguent avec délicatesse, surprise et imagination.

Découvrez le projet What’s in a lamp?

Illustrateur et animateur, Brian Rea construit depuis longtemps son travail autour de récits du quotidien, intimes et sensibles, racontés à travers un langage visuel essentiel mais profondément émotionnel. Son approche se déploie naturellement entre illustration, animation et narration, trouvant un équilibre subtil entre simplicité formelle et profondeur narrative. Il vit en Suède, un pays où la lumière – et son absence, en particulier durant les longs mois d’hiver – possède une forte valeur culturelle et émotionnelle.

C’est précisément de cette expérience que naît sa contribution à What’s in a lamp?, le projet éditorial de Foscarini qui invite des artistes internationaux à réinterpréter les lampes de la marque à travers leur regard personnel. Brian Rea part d’une question aussi simple que puissante : et si les personnages qui habitent l’obscurité étaient curieux de la lumière ? À quoi ressembleraient-ils ? Comment réagiraient-ils lorsqu’une lampe s’allume soudainement ? Et quel type de relation pourrait naître entre eux ?

De ces interrogations prend forme une série de courtes histoires animées, consacrées à six lampes Foscarini – Binic, Madre, Sunlight of Love, Spokes, Fleur et Eolie – peuplées de personnages timides, curieux et joueurs. Les lampes deviennent des compagnes et des interlocutrices : des présences qui observent, accueillent, écoutent et stimulent l’imagination. Il n’y a ni spectacle ni bruit : tout se joue dans les détails, dans des instants suspendus, dans des gestes à peine esquissés.

« Quand j’étais enfant, j’avais très peur du noir. Allumer une lumière était un immense soulagement : cela faisait disparaître les monstres et apaisait mon imagination. Je pense que ces peurs ont ensuite influencé la manière dont je raconte des histoires aujourd’hui. »

Brian Rea
/ Artiste

In einer Welt, die oft laut ist, um Aufmerksamkeit zu erlangen, wählt Brian Rea den entgegengesetzten Weg: den der Zurückhaltung – in perfekter Harmonie mit dem Charakter der Foscarini-Lampen. Ein Licht, das nicht überwältigt, sondern begleitet. Eine Einladung, langsamer zu werden und zu beobachten, was in uns und um uns herum geschieht, wenn ein Raum zu leuchten beginnt.

Vous passez avec une grande aisance de l’illustration à l’animation et au storytelling. Comment décririez-vous votre style en quelques mots ?

Retenu, mais je l’espère émotionnel, avec une attention particulière portée aux moments silencieux.

Vos personnages sont fragiles, drôles, émouvants, profondément humains. Qu’est-ce qui vous a attiré vers cette intimité plutôt que vers de grands récits ou des figures héroïques ?

J’ai toujours été quelqu’un de très sensible (j’adore pleurer devant un film), mais il m’a fallu du temps pour comprendre que c’était aussi le type d’images que j’aimais créer. J’illustre la chronique Modern Love depuis quinze ans : en la lisant chaque semaine – une chronique sur la vie, l’amour et les relations sous toutes leurs formes – j’ai développé une meilleure compréhension de la manière de représenter les émotions et de susciter une réaction chez le spectateur.

Quelles références culturelles ou artistiques ont le plus influencé votre parcours ?

Il y en a eu beaucoup à différentes étapes, mais Ben Shahn et Saul Steinberg ont toujours été des sources d’inspiration majeures pour moi. Des cinéastes comme Roy Andersson et Jacques Tati ont également eu une grande influence, notamment sur le rythme et sur la manière de raconter la joie, la douleur et l’humour à travers le silence et la condition humaine.

Pouvez-vous nous décrire votre processus créatif, de la première idée à l’illustration ou à la vidéo finale ?

Tout commence par l’écriture, avant même le dessin : je fais beaucoup de listes. Ces listes donnent ensuite naissance à des croquis. Je dessine tout à la main, mais j’utilise parfois Photoshop pour ajuster les couleurs ou effectuer de petites corrections. Pour cette collaboration, j’ai choisi six lampes présentant chacune quelque chose de visuellement singulier ou ludique. J’ai ensuite créé une mini-histoire pour chacune, avec un personnage central mettant en valeur un aspect de la lampe. J’ai travaillé avec le formidable animateur Bruno Persico, qui a donné vie à ces histoires.

Votre travail mêle souvent tendresse et humour discret. Comment ce regard sur le monde s’est-il construit ?

J’ai grandi dans une grande famille bruyante, remplie de merveilleux conteurs. Mais j’étais trop timide pour raconter des histoires avec des mots, alors j’écoutais. Avec le temps, j’ai compris que je pouvais partager mes petits moments beaucoup plus facilement à travers des images – souvent en une seule image ou de courtes animations. C’est ainsi que j’ai trouvé ma manière de me relier au monde.

Vous dites que certaines histoires arrivent presque achevées, tandis que d’autres se dévoilent lentement. Comment savez-vous qu’un récit est terminé ?

Quand je ne perçois plus l’effort. Lorsque le dessin ou l’animation devient fluide, naturelle, et que le rythme est juste. Et parfois, si je souris en la regardant, c’est aussi un bon signe.

Dans cette série pour Foscarini, les lampes semblent presque vivantes : elles accompagnent, écoutent, rassurent, stimulent l’imagination. Comment avez-vous construit cette relation entre lumière et personnage ?

J’ai beaucoup réfléchi à ma relation personnelle à la lumière. Enfant, j’avais très peur du noir, et allumer une lumière était un immense soulagement. Aujourd’hui, je vis en Suède, où l’hiver est très sombre, et j’entends mes enfants exprimer les mêmes peurs que moi autrefois. Mais si les personnages qui vivent dans l’obscurité étaient eux aussi curieux de la lumière ? À quoi ressembleraient-ils ? Comment réagiraient-ils face à ces lampes ? Cette série cherche à exprimer cette surprise, cette joie et cette connexion que beaucoup d’entre nous ressentent lorsque la chaleur d’une lampe s’allume.

Y a-t-il une lampe ou une vidéo qui vous a particulièrement surpris ou révélé une personnalité inattendue ?

La lampe Binic est celle qui se rapproche le plus de mon expérience personnelle : j’y vois mes enfants assis, observant avec curiosité. J’aime aussi énormément la lumière du soleil – surtout en hiver ici – donc Sunlight of Love a été très agréable à travailler. Mes enfants, quant à eux, ont adoré l’animation d’Eolie, sans doute parce que le personnage y fait quelque chose qu’il ne devrait pas faire.

Rien dans cette série n’est spectaculaire ou bruyant. L’émotion se joue dans les gestes, les silences, les regards. Qu’avez-vous découvert en travaillant à une échelle aussi intime ?

Je crois beaucoup au pouvoir silencieux des petits moments. Le monde peut être très bruyant, tout semble crier pour attirer notre attention. Ces lampes ne le font pas, et c’est précisément ce qui les rend spéciales. Il était essentiel que les animations reflètent cette même tonalité.

Certaines histoires ont-elles pris une direction inattendue au cours du processus ?

Non, pas vraiment. Nous avions des esquisses assez précises. La collaboration avec Bruno Persico a été formidable, tout comme celle avec Valeria et son équipe chez Foscarini. Je leur suis très reconnaissant pour la confiance et la liberté créative qu’ils nous ont accordées.

Quelle vidéo de la série est votre préférée, et pourquoi ?

Comme je l’ai dit, Sunlight of Love. Rien que le nom me fait sourire, tout comme la magnifique animation réalisée par Bruno.

Pour conclure : que signifie la créativité pour vous ?

Trouver ce que l’on aime plus que tout au monde et en faire, sans compromis, le travail de toute une vie.

Découvrez l’ensemble de la série sur le compte Instagram @foscarinilamps et explorez toutes les œuvres du projet What’s in a lamp?, dans lequel des artistes internationaux sont invités à interpréter la lumière et les lampes Foscarini.

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Pour la nouvelle série du projet éditorial What’s in a Lamp?, l’illustrateur britannique Jim Stoten a réinterprété quelques icônes de Foscarini, en créant des animations hypnotiques qui, tels des portails, nous invitent à nous perdre dans un jeu de zoom infini et à explorer des univers cachés, où la couleur, la forme et l’imagination se mêlent dans une expérience visuelle vibrante.

Découvrez-en plus sur “What’s in a Lamp?”

Jim Stoten, artiste polyvalent qui vit et travaille entre Hastings (UK) et Venise, canalise son imagination sans limites dans des illustrations, des animations et de la musique. Son style audacieux et kaléidoscopique est immédiatement reconnaissable : un mélange parfait de jeu et de complexité, d’intuition et de réflexion. Profondément spontané, Stoten laisse les idées s’écouler librement, créant des œuvres qui nous invitent à plonger dans les mondes cachés, vastes et fascinants, qui peuplent son esprit. « J’essaie de ne pas trop réfléchir, » déclare l’artiste, « je veux que mon travail soit intuitif et ludique — comme une découverte continue et infinie. »

Dans sa série pour le projet éditorial What’s in a Lamp? de Foscarini, Jim Stoten réinterprète six lampes emblématiques de la marque, les transformant en animations avec un zoom infini, véritables portails vers d’autres dimensions. Chaque boucle s’inspire de l’esthétique du produit, de l’idée qui a guidé sa conception ou des évocations qui ont pris forme dans l’esprit de l’artiste

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Découvrez Orbital
Découvrez Orbital

Hoba, avec sa forme organique rappelant une météorite, donne le coup d’envoi à un voyage cosmique parmi les étoiles, où nous rencontrons un astronaute ; Chapeaux, avec ses diffuseurs interchangeables, ouvre une parade de chapeaux variés, chacun doté d’une personnalité unique, tout comme les diffuseurs de la lampe elle-même. Les plis doux de Nuée dessinent un paysage enneigé, parfait pour un skieur. Et puis Lumiere, Kurage et Orbital — chaque animation nous transporte plus profondément dans l’univers de Stoten, nous invitant à nous perdre dans les détails de ses récits superposés.

« Je voulais que les animations capturent l’esthétique et les histoires derrière les designs, tout en conservant une atmosphère fluide et ludique, et en créant un univers pour chaque lampe qui soit à la fois cohérent et riche en surprises inattendues. »

JIM STOTEN
/ Artiste

Dans cette interview exclusive, nous avons exploré la vision et l’inspiration de Jim Stoten. Découvrez comment il a réinterprété, avec son style unique, les designs emblématiques de Foscarini à travers ses animations à zoom infini et laissez-vous inspirer par l’ensemble de la série What’s in a Lamp ? sur Instagram.

Raconte-nous un peu de toi et de ton parcours en tant qu’artiste. Comment es-tu devenu illustrateur ?

Quand j’étais enfant, je dessinais toujours pour le plaisir. Lorsque je me suis inscrit à l’Université de Brighton et que j’ai été accepté dans le cursus d’Illustration, tout ce que je savais de ce programme, c’est qu’il encourageait tous les types d’expérimentation, ce qui m’intéressait beaucoup. Pendant mes études, j’ai beaucoup fait de musique, d’animations, de dessins, de sérigraphies et de peintures, et peu à peu, après mes études, je suis arrivé là où je suis aujourd’hui.

 

Comment coexistent et s’influencent créativement les deux facettes de Jim Stoten—l’illustrateur et le musicien ?

J’aime toujours beaucoup expérimenter avec la créativité. Parfois, que ce soit avec les images ou la musique, j’ai l’impression d’avoir atteint un mur, comme si j’avais travaillé si intensément que j’avais besoin d’une pause. À ce moment-là, je reviens à quelque chose que j’ai mis de côté pendant un certain temps, jusqu’à ce que je rencontre un autre blocage, et puis je reviens sur la voie initiale. En gros, chaque fois que je me lasse de dessiner, je me consacre à la musique, et quand la musique me lasse, je retourne au dessin.

 

Ton esthétique est unique et immédiatement reconnaissable. Comment décrirais-tu ton style distinctif ?

En réalité, je ne sais pas. Je sais comment les autres le décrivent, mais je ne vois pas toujours ce qu’ils voient. Je pense que mon esthétique est si personnelle parce qu’elle est profondément liée à ma façon de penser et à ce que j’essaie de transmettre.

 

Nous sommes curieux de savoir comment ton style expressif a évolué au fil du temps. Est-ce un processus naturel ou est-ce le résultat d’une recherche et expérimentation intentionnelle ?

Il s’est développé et changé au fil du temps. Le travail que je fais maintenant est très différent de ce que je faisais il y a dix ans—du moins, c’est ainsi que je le perçois. Ce n’est pas un changement intentionnel, ça arrive simplement à mesure que je découvre de nouvelles choses qui me stimulent et m’inspirent. L’expérimentation est ce qui me passionne. J’aime introduire de nouveaux éléments et laisser de côté ceux avec lesquels je ne me sens plus en harmonie.

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Quel est ton processus créatif ? Suis-tu des rituels ou des habitudes particulières lorsque tu travailles sur tes œuvres ?

Oui. Si je suis dans mon studio, je me fais une tasse de café et je mets quelque chose en fond, généralement un film que j’ai déjà vu ou une vieille interview à la télévision—quelque chose que je peux écouter et regarder de temps en temps. Si je ne suis pas dans mon studio, mais peut-être dans un train, un avion ou dans un pub, j’ai de la musique dans les écouteurs, et c’est tout.

 

Il y a une harmonie extraordinaire entre simplicité et complexité dans tes œuvres, où des illustrations colorées et minimalistes se transforment en récits vidéo immersifs et captivants. D’où vient l’inspiration pour tes histoires ?

Les idées viennent généralement de manière très immédiate. J’essaie de ne pas trop y penser, car je pense que trop réfléchir aux idées mène à des doutes infondés sur la valeur d’une idée ou d’un concept. J’aime travailler de manière très intuitive et spontanée, et le résultat est que ce que je transmets change en fonction de ce qui m’inspire pendant la réalisation du travail.

 

Qu’est-ce qui t’a inspiré à collaborer avec Foscarini pour ce projet ?

J’ai été enthousiasmé par la liberté que ce projet m’a offerte. Cela m’a semblé être une magnifique occasion d’expérimenter tout en communiquant, une combinaison que je trouve très stimulante. C’est génial de recevoir des briefs comme celui-ci, où l’on me donne une liberté créative totale.

 

Peux-tu partager avec nous le concept et l’inspiration derrière ta série pour What’s in a Lamp ? ?

Pour ce projet, j’ai voulu combiner l’appréciation de l’esthétique des produits Foscarini avec mon interprétation personnelle de l’histoire derrière chaque design. Dans les deux cas, j’ai gardé une approche fraîche et ludique, afin de pouvoir créer une ambiance cohérente qui fonctionne pour les six animations.

 

Parmi les œuvres de ta série What’s in a Lamp ?, y en a-t-il une que tu préfères ?

Je n’ai pas de vidéo préférée ; je suis content d’avoir créé tous ces travaux ensemble. L’ensemble de la série est ma préférée.

 

Et plus généralement, as-tu un sujet préféré à dessiner ?

Les chevaux.

 

Tes œuvres semblent proposer une vision alternative et originale de la réalité. Comment nourris-tu et cultives-tu cette perspective créative si singulière ?

Je pense que mon carnet de croquis joue un rôle important là-dedans. Je le prends toujours avec moi et je dessine dedans chaque fois que j’ai un moment libre. C’est un espace où je collecte des idées qui n’ont pas encore trouvé leur place, et je les mélange avec ce que je vois, j’entends, me souviens ou ce qui m’impressionne et m’inspire. Chaque page de mon carnet devient un instantané de tout ce qui se passe en moi et autour de moi, et cela m’offre toujours une base pour commencer mes projets.

 

Qu’est-ce que la créativité pour toi ?

La créativité est un don. Elle permet à une personne de traiter et de digérer n’importe quel aspect de la vie auquel on veut prêter attention, tout en apportant quelque chose de nouveau, qui n’existait pas auparavant.

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Découvrez-en plus sur la collaboration avec Jim Stoten et la série complète sur le canal Instagram @foscarinilamps, et explorez toutes les œuvres du projet What’s in a Lamp?, où des artistes internationaux sont invités à interpréter la lumière et les lampes Foscarini.

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La dernière série de Giona Maiarelli pour What’s in a Lamp? mêle les cultures italienne et américaine, utilisant le collage pour réinterpréter les lampes iconiques de Foscarini. Elle combine des images issues de magazines, livres et photographies anciens, réimaginées à travers le prisme de la mémoire et de l’imagination.

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Artiste, graphiste et commissaire d’exposition, Giona Maiarelli, né en Italie et vivant aux États-Unis depuis plus de vingt-cinq ans, fait le lien entre deux cultures. Son travail se concentre sur le collage, un médium défini par le hasard et la sérendipité, mélangeant intuition et éléments tactiles avec une sensibilité esthétique qui célèbre la capacité de l’art à créer des connexions inattendues et significatives.

« Pour What’s in a Lamp?, Maiarelli a réalisé une série de collages qui tissent la culture italienne à une exploration profonde de l’imaginaire collectif américain. Les lampes iconiques de Foscarini, comme Aplomb, Binic, Caboche, Chouchin, Nuée et Spokes, sont au cœur de ces œuvres, associées à des images de magazines vintage, de livres et de photographies, créant des compositions visuelles uniques qui mettent en valeur l’esthétique distinctive de chaque lampe tout en les intégrant dans le contexte du mythe américain, avec des accents tantôt ironiques, tantôt romantiques.

« Mon objectif était d’explorer la tension entre l’esthétique italienne raffinée des lampes Foscarini et la rudesse pragmatique du paysage américain », explique Maiarelli. Dans son interprétation artistique, Caboche devient un bijou circulaire associé aux châteaux d’eau américains, tandis que Spokes, avec ses rayons délicats, évoque l’enchevêtrement chaotique des fils électriques où se posent les oiseaux. Chouchin, quant à elle, se transforme en un objet volant, faisant écho à la fascination américaine pour les phénomènes extraterrestres. Chaque lampe devient ainsi le protagoniste d’une narration visuelle qui combine design et imagination, esthétique et récit.

Découvrez davantage cette collaboration et la série complète de Giona Maiarelli sur le compte Instagram de Foscarini @foscarinilamps. Explorez toutes les œuvres du projet What’s in a Lamp?, où des artistes internationaux réinterprètent la lumière et les lampes Foscarini.

Bonjour Giona, peux-tu nous parler de ton parcours artistique? Comment as-tu été amené à embrasser l’art du collage, et quelle signification a pour toi cette forme d’expression?

À l’origine de ma carrière de designer graphique, j’aimais recycler des chutes de papier et de carton utilisés dans les présentations pour en faire un collage. Je voyais des possibilités expressives dans les déchets de mon travail. Puis est venu une longue pause consacrée à ma profession, même si j’étais toujours attiré par le Dadaïsme et le collage, particulièrement les œuvres de l’artiste et poète Jiří Kolář. Finalement, en 2016, j’ai décidé de renouer avec ma passion. “Redécouvrir” le collage plus tard signifiait redécouvrir le plaisir de créer avec mes mains, qui, en intermédiaires entre l’esprit et le papier, deviennent des parties actives du processus de création. Les découpages de papier se déplacent sur le carton, l’intuition se transforme en action, jusqu’à ce que la composition se révèle. Mais le cycle n’est pas complet tant que le collage n’est pas vu par un public. C’est seulement lorsque je vois le collage à travers les yeux de quelqu’un d’autre que le cycle est terminé.

 

Votre approche du collage est immédiatement reconnaissable et unique. Comment décririez-vous votre style? Quels sont les éléments distinctifs qui le définissent?

La sérendipité joue un rôle fondamental dans mes compositions : même lorsque j’ai l’intention de communiquer une idée spécifique, le collage refuse d’être accommodant et révèle des possibilités expressives et compositionnelles auxquelles je n’avais pas pensé. Ensuite, il y a le plaisir de la surprise : trouver un livre dans lequel découper des images dans une librairie d’occasion, découvrir le potentiel dans des images que j’avais d’abord rejetées, et finalement, la surprise d’une composition qui se fait par hasard sur la page. Chaque série de collages commence avec un thème, mais l’instinct joue un rôle essentiel.

 

D’où vient votre inspiration?

L’inspiration surgit parallèlement au travail. Lorsque je commence une série de collages, je n’ai pas d’idée en tête, seulement le matériau sur lequel j’ai décidé de travailler, choisi sur une intuition. Après quelques heures, ou parfois quelques jours, des idées émergent d’elles-mêmes à travers le travail lui-même.

 

Qu’est-ce qui vous attire le plus dans la réalité qui vous entoure, et comment traduisez-vous ces suggestions dans votre travail?

La plupart des séries de collages que j’ai produites sont des explorations de mon imagination américaine personnelle : les paysages de l’Ouest américain, l’architecture moderniste des gratte-ciel d’après-guerre à New York, et les maisons Case Study en Californie, le vieux Hollywood, les pages du New York Times. Peut-être inconsciemment, je traite de ma décision de déménager aux États-Unis, revendiquant des images qui étaient déjà présentes dans mon subconscient.

 

Pour le projet “What’s in a Lamp?” avec Foscarini, vous avez créé des compositions qui associent des lampes à des images évocatrices, parfois ironiques, parfois poétiques. Pouvez-vous révéler l’inspiration et le processus créatif derrière ce travail?

Pour What’s in a Lamp?, je voulais placer les lampes Foscarini dans un contexte américain. Il semblait être le choix le plus évident, étant donné que je vis aux États-Unis, et le patrimoine visuel américain fait partie de mon vocabulaire artistique.

 

Dans cette série, le dialogue entre les deux cultures, italienne et américaine, est très clair. Comment ces deux réalités se rencontrent-elles et se mélangent-elles dans vos compositions?

Mon objectif était d’explorer la tension entre l’esthétique raffinée des lampes Foscarini et la rugosité pragmatique du paysage américain, en jouant avec la taille et le contraste entre les images en couleur des produits et les images en noir et blanc des paysages. En fin de compte, ces deux mondes, si éloignés en apparence, se sont fondus en un embrasement, parfois ironique, parfois poétique.

Quels éléments spécifiques de l’imaginaire collectif américain avez-vous intégrés dans les collages que vous avez créés pour “What’s in a Lamp?”

La forme et le matériau des lampes ont suggéré certaines pistes. Caboche apparaît comme un joyau circulaire précieux à associer à un élément austère du paysage américain, comme les réservoirs d’eau. Aplomb se fond dans le visage du “homme idéal” américain, créé en combinant les portraits de cinq présidents américains, remplaçant son sourire lumineux par un sourire telegenique. Spokes, avec ses rayons délicats, fait référence aux fils électriques enchevêtrés dans le ciel américain, d’où les oiseaux nous observent, nous rappelant sa vocation d’élégant enclos pour oiseaux. Binic me faisait penser à une lune pleine brillante et m’a conduit vers des images liées à l’exploration américaine de notre satellite. Je savais dès le début qu’au moins une des lampes deviendrait un objet volant, un phénomène typiquement américain et source de théories du complot naïves. Ce sort est revenu à Chouchin, brillante et techniquement parfaite, comme je l’imagine un objet volant provenant d’une civilisation plus évoluée pourrait l’être, surprenant les passants. Nuée est un nuage léger et aérien qui intercepte notre plongeur audacieux et l’emmène dans un voyage magique.

 

Quels artistes ou influences ont contribué de manière significative à la formation de votre vision artistique? Qui considérez-vous comme vos maîtres?

L’artiste et poète tchèque Jiří Kolář, dont j’ai parlé précédemment, a eu une grande influence sur mon travail. Et aussi l’attitude décontractée des mouvements Dada et Futuriste.

 

Avez-vous un rituel ou des habitudes lorsque vous travaillez sur vos collages?

La musique, toujours.

 

Qu’est-ce que la créativité pour vous?

Mon mentor, Milton Glaser, disait que la créativité n’existait pas ; seule l’imagination existait. La créativité n’est rien d’autre que la capacité d’imaginer, puis de créer, des mondes qui n’existent pas encore.

En savoir plus sur la collaboration avec Giona Maiarelli et explorer la série complète sur le canal Instagram @foscarinilamps. Plongez-vous dans toutes les œuvres du projet “What’s in a Lamp?”, où des artistes internationaux réinterprètent la lumière et les lampes Foscarini de manières uniques et inspirantes.

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Bennet Pimpinella apporte son art cinématographique au projet What’s in a lamp ? Grâce à sa technique emblématique de grattage direct sur film, il transforme les lampes Foscarini en symboles d’émotions et de souvenirs, créant des scènes intimes imprégnées d’une atmosphère surréaliste et grunge.

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L’exploration et l’expérimentation définissent le parcours artistique de Bennet Pimpinella. Né en 1977 et formé au cinéma à l’Académie de L’Aquila, Pimpinella a consacré sa carrière à fusionner l’analogique et le numérique, redéfinissant continuellement la relation entre la lumière et l’image. Son langage visuel est inconfondable : un mélange d’expérimentation, de savoir-faire et d’une connexion intime au médium du film lui-même. Sa technique emblématique—le grattage direct sur film—capture son processus créatif, reflétant son intensité et les émotions qu’il véhicule. Cette marque instinctive, immédiate et brute sur le celluloïd témoigne de l’intensité du moment. Ses œuvres possèdent une esthétique grunge et brute, chargée d’émotion, entraînant le spectateur dans un monde où les sentiments personnels de l’artiste sont palpables.

Dans sa contribution à la série What’s in a lamp ? de Foscarini, Pimpinella transforme la lumière en protagoniste principal de ses narrations cinématographiques grâce à sa technique distinctive.

« Chacun des six films réalisés pour Foscarini est unique, mais ils partagent tous une ambiance intime et émotionnelle. Les lampes Foscarini deviennent des symboles de sentiments et de souvenirs, faisant partie d’une histoire silencieuse mais profonde. Je voulais combiner la matérialité du film rugueux et gratté avec quelque chose de surréaliste, créant un dialogue entre la lumière et l’ombre qui raconte des histoires silencieuses et puissantes. »

Bennet Pimpinella
/ Artiste et réalisateur

La bande sonore—créée par le compositeur Carmine Calia—fait plus qu’accompagner les images ; elle en enrichit et approfondit le sens. Ensemble, l’interaction de la lumière, de la forme et de la musique dans le travail de Pimpinella offre une nouvelle dimension émotionnelle, forgeant une connexion intense avec le public.

Explorez la collaboration complète avec Bennet Pimpinella et découvrez la série entière sur Instagram @foscarinilamps, où des artistes internationaux sont invités à interpréter le thème de la lumière à travers les lampes Foscarini dans le cadre du projet What’s in a lamp ?

Parlez-nous un peu de vous : avez-vous toujours su que vous vouliez être artiste ? Comment votre parcours dans le monde du cinéma et de l’expérimentation artistique a-t-il commencé ?

Je n’ai jamais imaginé que je pourrais vivre en tant qu’artiste, même si j’ai grandi entouré d’art. Mon père était peintre et sculpteur, et ma mère était artiste portraitiste. Ils ont toujours encouragé mon amour pour le dessin et la peinture, mais pour moi, c’était quelque chose de personnel, une partie de la vie quotidienne, sans jamais penser que cela pourrait devenir ma carrière.
Après avoir étudié en tant qu’arpenteur, ce qui semblait restrictif pour mes intérêts, j’ai décidé de m’inscrire à l’Académie Internationale des Arts et des Sciences de l’Image. Cela a été un changement radical—soudain, j’étais immergé dans le monde du cinéma, découvrant une nouvelle façon de m’exprimer qui a complètement changé ma vision de l’art. Ce n’était plus statique, mais vivant et en mouvement.
J’ai eu la chance de rencontrer de grands mentors, comme Vittorio Storaro, qui a joué un rôle clé dans mon développement. Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai eu l’honneur de travailler dans son équipe pendant dix ans, une expérience profondément formatrice. Mon rôle était celui d’assistant opérateur caméra, responsable du chargement et du déchargement du film 35 mm dans les caméras. C’est là que j’ai appris à manipuler et à prendre soin du film. C’est durant cette période que j’ai posé les bases de ma compréhension des aspects techniques et esthétiques de la réalisation cinématographique. Ces années m’ont enseigné la discipline, la technique et, surtout, une profonde appréciation pour la recherche de la beauté dans les images. Je porte toujours ces leçons avec moi aujourd’hui, et je suis reconnaissant au Maestro Storaro et à toute l’équipe de m’avoir transmis une passion qui continue de me guider chaque jour.

 

Qu’est-ce qui vous motive à créer, et d’où vient votre inspiration ? Est-ce motivé par la curiosité, une quête de sens ou une pure expression visuelle ?

Créer est ma façon de m’exprimer, tout comme d’autres pourraient écrire, jouer de la musique ou chanter. Pour moi, c’est quelque chose de naturel, presque instinctif—c’est une nécessité, un moyen de faire face à mes émotions. Ma technique et mon travail m’aident à comprendre et à exprimer ce que je traverse.
Mon approche est fondamentalement expérimentale : je commence par un geste, par une marque, cherchant toujours quelque chose de nouveau, mais en même temps, quelque chose de reconnaissable. Mon inspiration ne vient pas d’une seule source ; je puise dans tout ce qui m’entoure, tout ce qui touche mes sens. Cela peut être le bleu de la mer, un jour gris, une actualité, la perte d’un être cher ou une mélodie qui me captive. Chaque expérience, chaque émotion se transforme en une marque, une forme. Je pourrais continuer indéfiniment, car tout ce qui me touche a le potentiel de faire partie de mon processus créatif.

 

Votre cinéma est surprenant et unique. Comment décririez-vous votre style, et comment avez-vous développé cette esthétique distinctive ?

Pendant que j’étais à l’Académie, j’ai exploré différentes formes de narration cinématographique jusqu’à ce que je crée ma première animation en stop motion. Ce projet a éveillé quelque chose en moi et m’a poussé à plonger profondément dans le monde de l’animation. J’ai acheté des livres, étudié des techniques et expérimenté des méthodes innovantes—de l’écran à épingles d’Alexandre Alexeïeff à la vitre rétroéclairée, en passant par la peinture en mouvement d’Oskar Fischinger et le stop motion de Jan Švankmajer. Chaque nouvelle découverte a alimenté ma curiosité.
Le tournant est venu lorsque j’ai découvert le cinéma direct de Stan Brakhage, qui ne nécessitait pas de caméra. À partir de ce moment-là, j’ai commencé à expérimenter avec le film Super 8, en grattant, en coloriant et en travaillant directement sur le film lui-même. La partie la plus magique pour moi était la projection : utiliser un projecteur de maison, entendre le bruit mécanique du moteur tirant le film, sentir les courroies, et regarder la poussière danser dans la lumière de la lampe… C’était une expérience qui a captivé mon âme. Je me souviens encore de la première fois que j’ai projeté l’une de mes œuvres ; j’ai immédiatement su que cette technique deviendrait mon langage.
Aujourd’hui, après 25 ans, je ressens toujours la même excitation et la même émerveillement chaque fois que la lumière s’allume et que l’image prend vie. Mon style est ancré dans ce mélange d’expérimentation, de savoir-faire et d’une connexion profonde avec le medium physique du cinéma, qui reste la fondation de tout ce que je crée.

Vous avez trouvé un équilibre entre l’analogique et le numérique, mais votre travail commence toujours par le film. Quel processus suivez-vous pour créer vos vidéos ? Nous sommes très curieux de connaître vos techniques, les outils que vous utilisez et votre méthode de travail.

Chaque projet commence par un choix fondamental : le médium. Je décide si je vais tourner de nouvelles images, et une fois développées, je crée un positif à gratter et à manipuler, ou si je vais travailler avec des images trouvées, en utilisant des films existants à altérer.
Choisir le film est crucial et dépend du type de travail que je réalise. Il y a de nombreuses variables à considérer : le format, les perforations, si le film est déjà exposé ou encore non exposé. La marque et l’âge de l’émulsion sont également importants, car ils affectent le type de grattage que j’obtiendrai—en termes de couleur, de profondeur et de ligne. Chaque détail compte dans la création du résultat final.
Une fois le film sélectionné, le vrai travail commence, nécessitant une immense patience et dévouement. C’est un processus qui vous oblige à vous isoler, comme si le temps s’arrêtait. Pour juste une minute d’animation, cela peut prendre des semaines de travail. La minutie est essentielle.
Dans mes œuvres, j’utilise une large gamme de techniques, et chaque marque a son outil spécifique. Pour gratter le film, par exemple, j’utilise des poinçons, des aiguilles, des kits dentaires, des meuleuses électriques et des outils Dremel. Mais il ne s’agit pas seulement de gratter ; je coupe, colle et colore en utilisant tous les types de matériaux disponibles. Les couleurs vont des pigments de verre aux encres à base d’eau et aux couleurs permanentes. Mon objectif est toujours de tirer le meilleur parti de ce que le marché offre tout en gardant la créativité au cœur du processus.
Un élément clé de mon travail est la vaste collection de transferts que j’ai rassemblée au cours des vingt dernières années. J’ai tous les types et marques, ce qui me permet d’explorer d’innombrables possibilités créatives lors de mes travaux sur le film. Chaque détail de mon travail découle d’une combinaison de technique, d’expérimentation et du désir de constamment défier les limites du médium.

 

Comment votre collaboration avec Foscarini a-t-elle commencé, et qu’est-ce qui vous a motivé dans ce travail ?

Lorsque Foscarini m’a contacté pour collaborer, je n’ai pas hésité une seconde. Je me souviens très bien de l’excitation que j’ai ressentie en disant immédiatement oui. Être choisi par une marque que j’admire tout en ayant une liberté créative totale était un facteur de motivation important pour moi. C’était l’occasion d’explorer de nouvelles idées et de créer quelque chose qui résonnait avec leur univers tout en portant ma touche personnelle.
Chaque fois qu’on me laisse la liberté de m’exprimer, je ressens le besoin de repousser mes limites, d’expérimenter et de rechercher des solutions visuelles surprenantes capables de transmettre des émotions. Mon objectif était de créer une atmosphère qui reflète l’essence de Foscarini tout en ajoutant un élément unique et inattendu qui résonnerait à la fois avec moi et le public. Le défi de mêler ma vision à la leur est devenu la clé de motivation pour ce projet.

 

Dans le projet “What’s in a Lamp ?” de Foscarini, vous avez transformé des fragments de film en grattant la surface, en ajoutant des couleurs et en intégrant des lampes Foscarini dans des scènes inspirées du surréalisme et du grunge. Pourriez-vous partager l’inspiration et la signification qui vous ont guidé dans la création de cette série ?

Pour le projet “What’s in a Lamp ?”, j’ai cherché à créer une connexion profonde entre la lumière et la vie. J’ai commencé le processus par un acte simple mais symbolique : j’ai éteint toutes les lumières de chez moi. Ensuite, une à une, je les ai rallumées, à la recherche de l’atmosphère parfaite pour inspirer ma créativité. La lumière est devenue mon guide, menant au développement de six mini-films.
Chaque film est unique, caractérisé par sa couleur et sa technique distinctes, mais ils partagent tous une ambiance intime et émotionnelle. Mon objectif était de raconter une histoire universelle où la lumière transcende sa forme physique et devient le personnage principal, reflétant nos vies. Les lampes Foscarini sont devenues intégrales à ce récit, symbolisant des émotions, des souvenirs et des moments de nos expériences. J’ai cherché à mélanger la qualité tangible du film gratté et coloré avec des éléments surréalistes, créant un dialogue entre la lumière et l’ombre qui transmet des histoires silencieuses mais puissantes.

 

Y a-t-il un film particulier de la série que vous préférez ou que vous chérissez pour une raison particulière ?

Je n’ai pas de film préféré absolu, mais il y a une scène que je chéris : le plan d’ouverture de Spokes. À ce moment-là, toute l’intimité et la chaleur véhiculées par une étreinte prennent vie. La douce lueur orange de la lampe Spokes remplit doucement la pièce, enveloppant les personnages dans une lumière qui transcende la simple illumination ; elle devient une source d’émotion. On a l’impression que cette lumière les nourrit, les protégeant de l’obscurité environnante. Cette scène parle de connexion et de protection, incarnant cette chaleur humaine qui va au-delà des mots, ce qui la rend si spéciale pour moi.

 

Les rayures sur le film expriment toute la passion et l’intensité avec lesquelles vous vivez votre art. Comment votre individualité se reflète-t-elle dans vos œuvres ? Avez-vous un rituel lorsque vous créez vos pièces ?

Les rayures sur le film sont ma signature—une empreinte qui capture l’ensemble du processus créatif, avec son intensité, ses imperfections, et ce toucher vigoureux et instinctif qui provient du contact direct avec le celluloïd. Chaque rayure et chaque marque reflètent un moment spécifique de ma vie et mon état émotionnel à ce moment-là. On a l’impression que le film renferme un morceau de moi et de mes expériences.
Je ne suis pas un rituel strict lors de la création, mais je compte beaucoup sur l’instinct et le flux du moment. J’ai cependant quelques petites habitudes qui m’aident à entrer dans le bon état d’esprit. Je cherche la solitude, j’écoute de la musique inspirante, et je m’immerge dans un type de lumière particulier qui crée l’atmosphère idéale pour le voyage que je m’apprête à entreprendre. Chaque création est un voyage intérieur, et ces habitudes m’aident à me connecter aux émotions que je veux exprimer dans mon travail.

 

Quel est le rôle de la lumière dans votre art ?

La lumière est le cœur battant de mon travail ; sans elle, tout resterait invisible. C’est la lumière qui donne vie aux marques gravées sur le film, révélant des formes, des couleurs, des mouvements et des émotions.
La lumière révèle ce qui est caché dans le matériau, le transformant en images et, enfin, en récits. C’est un élément essentiel, un pont entre mon expression créative et l’interprétation du spectateur. C’est la lumière qui donne vie à l’œuvre, révélant ce qui resterait autrement dissimulé dans le film.

 

Quel rôle joue la musique dans votre art vidéo, en particulier dans la série “What’s in a Lamp ?” ?

Dans la série “What’s in a Lamp ?”, j’ai invité le compositeur Carmine Calia à me rejoindre dans ce voyage créatif. Il a créé une bande sonore inoubliable qui devient un personnage à part entière dans la narration. Sa musique n’accompagne pas simplement les visuels ; elle les influence profondément, façonnant le rythme de l’histoire et ajoutant des couches de signification symbolique.

Cette interaction permet à la lumière et aux formes à l’écran de prendre une résonance émotionnelle plus profonde. La musique devient ainsi un élément intégral, capable de forger une connexion puissante avec le spectateur et d’améliorer les sentiments et les thèmes que je souhaite exprimer.

 

Avez-vous des artistes de référence, des maîtres ou des influences significatives qui ont façonné votre vision artistique ?

Je crois que ma plus grande influence vient de mon père. Dès mon plus jeune âge, j’ai grandi en le regardant peindre, et chaque fois qu’il parlait de son art, ses yeux s’illuminaient. Cela me remplissait de joie et m’a inculqué un profond amour pour la créativité. En tant qu’adulte, j’ai eu la chance de travailler avec le maître du cinéma italien, Vittorio Storaro. Le voir travailler a été l’une des expériences les plus extraordinaires de ma vie. De lui, j’ai appris l’importance de rechercher la beauté dans l’image, une leçon qui a profondément façonné mon parcours artistique.

 

Comment nourrissez-vous votre créativité ?

Je nourris ma créativité à travers un voyage continu d’expérimentation, vivant souvent comme un ermite chez moi, comme si c’était mon antre. Ajouter ou soustraire continuellement à ma technique me pousse à chercher quelque chose de différent tout en visant à maintenir une empreinte distinctive et inconfondable. Ce désir d’évolution et d’exploration constante est la force motrice qui me motive à nourrir mon travail.

 

Comment définiriez-vous la créativité ? Que signifie pour vous être créatif ?

Pour moi, la créativité est liberté. C’est un flux continu qui me permet de voir le monde sous différents angles et de m’exprimer de manière unique, toujours en cherchant à dépasser mes limites.

Explorez la collaboration complète avec Bennet Pimpinella et découvrez la série entière sur Instagram @foscarinilamps, où des artistes internationaux sont invités à interpréter le thème de la lumière à travers les lampes Foscarini dans le cadre du projet What’s in a lamp ?

Découvrez la série entière sur Instagram

Bloomingdale’s New York accueille une exposition exclusive dédiée au design italien, organisée par Ferruccio Laviani. L’événement présente des pièces iconiques, dont la célèbre lampe Orbital de Foscarini, célébrant l’excellence du Made in Italy.

Découvrez la lampe Orbital

Du 5 au 29 septembre 2024, Bloomingdale’s à New York accueillera une exposition spéciale dédiée au design italien, en collaboration avec le Salone del Mobile.Milano, la foire de design de renommée mondiale. Cet événement unique apportera une célébration exceptionnelle de la créativité et du savoir-faire italiens au cœur de New York. L’élément central de cette exposition immersive est intitulé “Italian Design: from Classic to Contemporary”, et est orchestré par l’architecte Ferruccio Laviani.

Inspiré par les places métaphysiques de Giorgio de Chirico, le peintre italien connu pour ses paysages urbains surréalistes et oniriques, caractérisés par des architectures classiques aux perspectives déformées et des ombres énigmatiques, le projet de Ferruccio Laviani propose une scénographie en équilibre entre installation artistique et pop-up expérientiel. Dans cet espace, les produits iconiques du design italien racontent une histoire d’ingéniosité, de production industrielle d’excellence et de haute artisanat.

« J’ai ajouté une touche contemporaine et radicale au langage graphique de la scénographie. En mêlant les influences du mouvement de design radical des années 1960 aux éléments métaphysiques de De Chirico, nous avons créé un espace à la fois distinctif et moderne. J’ai sélectionné les objets de design à exposer, tels que la lampe Orbital, à partir des catalogues des marques les plus représentatives du Made in Italy – des pièces qui sont devenues des icônes de la vie quotidienne et méritent donc d’être présentées comme des œuvres d’art. »

FERRUCCIO LAVIANI
/ Designer

En plus de l’installation, l’événement proposera une série de conférences et d’activités captivantes avec des figures de proue de la scène internationale du design. Ces événements offriront une excellente opportunité à la communauté du design new-yorkaise et aux passionnés de découvrir l’héritage riche et l’esprit innovant du design italien.

5 au 29 septembre 2024
De 10h00 à 20h00
Bloomingdale’s 59th Street
1000 Third Ave, New York, NY
6e étage – Home/Furnishing department

“Some think it’s just about shedding light. Foscarini 1983/2023” est la monographie publiée par Corraini Edizioni qui célèbre les premiers 40 ans de Foscarini, présentée en avant-première à la Milan Design Week 2024.

Le design, tel que nous le voyons et tel qu’il est perçu par ceux qui travaillent avec nous, signifie donner du sens aux choses par la confrontation et l’apprentissage constant. Il ne s’agit pas de faire une autre lampe, mais cette lumière particulière : qui parle aux gens, les fait se sentir chez eux. Chaque entreprise a sa propre manière d’être dans le monde. La nôtre nous pousse à travailler sur la complexité des projets, car faire des affaires signifie créer une culture du design et produire des lampes chargées de sens, dans le but d’ajouter un chapitre, un paragraphe ou simplement une phrase à la longue histoire du design. Le livre “Some think it’s just about shedding light. Foscarini 1983/2023” est un voyage à travers quarante ans d’innovation en design d’éclairage, raconté à travers nos histoires, idées et produits.

Une monographie, éditée par Alberto Bassi et Ali Filippini et publiée par Corraini, avec six itinéraires thématiques, comprenant chacun une analyse critique et une sélection de lampes, avec un récapitulatif de l’ensemble de la gamme de produits.

Le volume de 320 pages est enrichi par les contributions autorisées d’Aurelio Magistà, journaliste, auteur et conférencier universitaire ; Gian Paolo Lazzer, sociologue et conférencier universitaire ; Beppe Mirisola, écrivain ; Veronica Tabaglio, chercheuse ; Stefano Micelli, économiste et conférencier universitaire ; Massimo Curzi, architecte ; et Beppe Finessi, architecte, chercheur, critique et directeur du bookzine Inventario.

Témoignages et souvenirs pour partager et décrire les valeurs fondamentales et la spécificité de Foscarini ; données et images pour mettre en lumière le chemin parcouru, en explorant son influence sur le paysage du design italien, toujours dans une perspective tournée vers l’avenir, en accord avec la philosophie de l’entreprise.

“Forty years have passed, but when we turn on a new lamp it is always a novel experience. Because there is something magical about that instant in which an idea, having become an object that spreads its glow, demonstrates its light. It is the ancestral fascination with the birth of light – an immaterial material that shapes our world – which makes us still say, after 40 years, that the most important lamp will always be the next one. This drives us to cultivate human short circuits with designers, artists, artisans, without whom not one of our projects could take form.”

Carlo Urbinati
/ Fondateur et Président de Foscarini

Foscarini 1983 / 2023

Some think it’s just about shedding light.

Rejoignez-nous dans un voyage à travers quarante ans d’innovation dans la conception de l’éclairage, racontée à travers nos histoires, idées et produits.

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Dans l’environnement dynamique et en constante évolution du design, certaines créations parviennent à résister à l’épreuve du temps, devenant des symboles emblématiques de l’innovation et de la créativité. Havana de Jozeph Forakis est l’un d’entre eux, et il célèbre aujourd’hui son 30e anniversaire.

Découvrez Havana

Une lampe emblématique qui a su s’imposer dans les foyers et dans l’imaginaire collectif, devenant un nouvel archétype de lampe. Créée en 1993, Havana s’est imposée comme un nouvel objet d’éclairage : une lampe à mi-hauteur, presque une nouvelle typologie, avec un corps diffuseur proéminent et très visible, qui diffuse la lumière à partir du centre. Une figure familière, un « personnage » avec lequel vous pouvez établir une relation personnelle, facile à intégrer dans n’importe quel environnement, qu’il caractérise par sa lumière chaleureuse.

Le processus de développement, de l’idée au produit, a été minutieux et progressif. Les premiers prototypes, en verre et en fibre de verre, étaient lourds et coûteux et avaient le défaut de laisser passer peu de lumière, perdant ainsi la légèreté et l’ironie inhérentes au concept. Dans une démarche révolutionnaire, la décision est prise d’abandonner le verre au profit du plastique, ce qui marque un tournant pour Foscarini. Un choix qui a contribué de manière significative à ce que Foscarini est devenu aujourd’hui. Une entreprise qui choisit de toujours placer le design au centre, sans fixer de limites et sans faire de compromis, pour développer pleinement l’esprit de chaque projet. Souvenez-vous de Jozeph Forakis :

« Havana a été la première lampe en plastique fabriquée par Foscarini. C’était un peu risqué, mais Foscarini, qui s’est montré très courageux, a décidé de prendre le risque de cette nouveauté absolue ».

JOZEPH FORAKIS
/ Designer

Le succès de Havana ne s’est pas fait sans difficultés. D’abord accueilli avec scepticisme par certains détaillants, elle est rapidement devenue un archétype du design. Son entrée dans la collection du Museum of Modern Art (MoMA) de New York en 1995 a été un moment décisif, confirmant son importance dans l’histoire du design.

Au cours de ses 30 années d’existence, Havana a été décliné en plusieurs couleurs et variantes fonctionnelles, y compris une version extérieure, sans jamais perdre sa forme distinctive et son extraordinaire capacité à susciter un écho émotionnel grâce à sa présence chaleureuse et familière.

E-BOOK

30 Years of Havana
— Foscarini Design stories
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Chiaroscura est le protagoniste de l’installation lumineuse Luce Scalare sur le Scalone d’Onore de la Triennale de Milan, qui accompagne l’entrée de l’exposition ‘Alberto Meda: Tension et Légèreté’ explorant certaines des caractéristiques compositionnelles et méthodologiques du maître italien.

Découvrez Chiaroscura

À l’occasion de l’exposition « Alberto Meda, Tension et Légèreté » que la Triennale de Milan consacre au grand maître italien et que l’on peut visiter du 6 octobre 2023 au 24 mars 2024, Foscarini a créé pour l’Escalier d’honneur de la Triennale une installation in situ, conçue par Meda lui-même, comprenant 34 lampes CHIAROSCURA – 17 pour chaque côté de l’escalier – réalisées sur mesure, de la plus grande de plus de cinq mètres de haut (552 cm) à la plus petite d’une hauteur de 57 centimètres. Une scénographie lumineuse, avec différentes gradations de lumière pour créer une chorégraphie.

« Lorsque Marco Sammicheli m’a proposé, en tant que commissaire, de réfléchir à une installation in situ pour l’Escalier d’honneur de la Triennale de Milan, à l’occasion de mon exposition personnelle, j’ai procédé à une inspection rapide et j’ai découvert que les parois latérales de l’escalier n’étaient pas continues mais constituées de colonnes de marbre à section triangulaire espacées de 10 cm. Les espaces entre une colonne et une autre ont des hauteurs différentes, commençant au début de l’escalier à une hauteur d’environ 5 mètres et arrivant à la dernière marche avant la mezzanine à environ 50 cm. J’ai souhaité une intervention qui respecte l’architecture, qui s’insère discrètement pour la mettre en valeur, et j’ai donc pensé que la lumière pouvait être la solution. L’idée aurait pu être de dissimuler des éléments d’éclairage dans les espaces entre les colonnes. J’ai donc pensé à Chiaroscura, le luminaire à section triangulaire, comme les colonnes, que j’ai conçu avec mon fils Francesco pour Foscarini, et à sa caractéristique de construction, en aluminium extrudé et méthacrylate, qui lui permet d’avoir des longueurs différentes, même jusqu’à 6 mètres. C’est la technologie de l’extrusion et sa liberté dimensionnelle inhérente qui m’a suggéré l’idée de créer un ensemble lumineux « scalaire » qui éclaire de ses 3 faces à la fois l’escalier d’honneur et les deux escaliers qui descendent au théâtre. J’ai pensé qu’il était également intéressant de donner à l’ensemble une autre dimension, une dimension lumineuse dynamique, et nous avons donc mis en place avec Foscarini une solution électronique pour obtenir cet effet ».

ALBERTO MEDA
/ ingénieur, concepteur et planificateur

Expression de la capacité de Foscarini à répondre aux besoins spécifiques des planificateurs et des architectes d’intérieur, CHIAROSCURA reflète le caractère innovant de la marque. Un luminaire né dans le monde contemporain et qui doit sa personnalité distinctive à l’effet lumineux particulier et à l’harmonie originale entre la forme et la fonction.

Conçue par Alberto et son fils Francesco, CHIAROSCURA est une réinterprétation contemporaine du luminaire classique. Avec du caractère malgré sa présence essentielle, capable d’émaner de la lumière à 360°, CHIAROSCURA est née d’un défi de conception : explorer la possibilité d’enrichir la fonctionnalité du luminaire classique qui, par définition, n’émet qu’une lumière indirecte vers le haut. Le corps élégant et léger, entièrement éclairé, et non plus seulement éclairant, est l’objectif qui a guidé la définition de la forme, le choix des matériaux et des technologies de production.

En collaboration avec Foscarini, Meda a en effet étendu sa fonctionnalité en créant une structure triangulaire composée d’extrusions d’aluminium équipées de LED : une « cage » à l’intérieur de laquelle un extrudé en plastique opalin diffuse la lumière. Contrairement aux luminaires classiques, CHIAROSCURA émet donc une lumière ambiante sur les côtés et une lumière indirecte au plafond.
Le corps mince et visuellement léger de CHIAROSCURA et sa lumière chaude et accueillante le rendent ductile, transversal, capable d’apporter sa personnalité discrète pour enrichir différents environnements, du résidentiel au contractuel, du bureau à la maison.

Chiaroscura est une lampe qui, sur demande et pour des exigences de conception particulières, peut également être réalisée à des hauteurs différentes de la version standard disponible dans le catalogue.

Pendant l’événement Festivaletteratura à Mantoue, en Italie, le designer et inventeur Marc Sadler a captivé le public avec des anecdotes intrigantes sur sa carrière et son talent pour l’innovation lors d’une discussion avec Beppe Finessi, parrainée par Foscarini.

Le samedi 9 septembre 2023, lors de l’événement Festivaletteratura, une discussion captivante a eu lieu au magnifique Teatro Bibiena à Mantoue. Marc Sadler a été interviewé par Beppe Finessi, laissant la grande audience fascinée. Sadler a partagé des anecdotes intrigantes sur sa longue carrière et son talent pour créer des solutions innovantes dans diverses industries.

Un exemple notable fut son travail révolutionnaire dans les années 1970, où il a transformé les chaussures de ski. Alité à l’hôpital après un accident de neige, Sadler a imaginé l’utilisation du plastique comme une alternative plus sûre aux traditionnelles chaussures de ski en cuir de cette époque. Cela a conduit à la création de la première chaussure de ski en thermoplastique. Son ingéniosité ne s’est pas arrêtée là. En collaboration avec Dainese, Sadler a conçu une combinaison de motocyclisme offrant une protection exceptionnelle aux athlètes, introduisant des caractéristiques telles que le protecteur dorsal largement utilisé par de nombreux champions.

En tant que véritable défenseur de l’innovation, Sadler a reçu quatre prix Compasso d’Oro, dont un pour les lampes Mite et Tite qu’il a conçues pour Foscarini en 2000.

“J’ai découvert Foscarini pendant une période où je vivais à Venise, et Mite était le premier projet que nous avons développé ensemble. Pour moi, Foscarini était une petite entreprise qui travaillait le verre, un domaine assez différent de ce que je faisais. Un jour, j’ai rencontré l’un des partenaires par hasard, dans un vaporetto. En parlant de notre travail, il m’a parlé d’un thème qui le préoccupait à l’époque. Il m’a demandé de réfléchir à un projet qui capturerait le sentiment d’incertitude du verre – cet aspect artisanal impossible à contrôler et qui confère à chaque objet sa propre personnalité – mais qui pourrait aussi être produit industriellement, dans une vision coordonnée. Nous nous sommes quittés avec la promesse de réfléchir à l’idée.”

MARC SADLER
/ Designer

Les contributions créatives de Sadler se sont étendues à l’emblématique lampe Twiggy de Foscarini, « qui est devenue un incontournable dans le monde des lampadaires, suivant la célèbre lampe Arco de Castiglioni », a déclaré Beppe Finessi, rappelant également comment Twiggy est souvent présentée dans de nombreuses campagnes publicitaires pour diverses entreprises en dehors de Foscarini.

Tout au long de sa carrière illustre, Sadler a habilement transféré ses connaissances et son expertise entre les secteurs.

“J’ai embrassé la polyvalence tout au long de ma carrière, concevant une large gamme de produits, des chaussures aux lampes, des comptoirs de crème glacée aux jacuzzis. En écoutant attentivement les besoins de mes clients, j’ai cherché à créer des objets qui non seulement répondent à leurs exigences, mais qui répondent également aux besoins et aux désirs du public. C’est ce que j’aime faire”

MARC SADLER
/  Designer

Place à la créativité dans la nouvelle stratégie sociale de Foscarini : Instagram devient une scène où l’énergie, la liberté de création et la recherche occupent le devant de la scène. What’s in a lamp? est un projet de récit en images, animations et vidéos qui prend forme dans un espace artistique contemporain, en suivant la marque Foscarini, son essence, ses inspirations et ses collections comme fil conducteur.

Toujours à la recherche de solutions originales et distinctives – non seulement dans le domaine des produits, mais aussi dans la manière de raconter son histoire – Foscarini repense les conventions de communication dans les médias sociaux typiques du secteur et fait évoluer son storytelling d’une manière nouvelle et distinctive, en transformant le feed du canal Instagram @foscarinilamps en un lieu virtuel qui donne la parole à des exposants connus ou émergents du monde des arts visuels, dans le but de fournir beauté, amusement et étonnement.

Un projet kaléidoscopique dans lequel des artistes internationaux et des créateurs de contenu de différents horizons – de l’art numérique à la photographie, de l’illustration au motion art – sont invités à s’inspirer et à « jouer » avec les lampes Foscarini, chacune caractérisée par des styles, des matériaux et des designers différents.

“Foscarini est une entreprise alimentée par des idées, la curiosité, le désir d’expérimenter avec nous-mêmes et avec de nouveaux concepts. Nous cherchions un moyen plus distinctif, plus personnel de nous présenter sur les réseaux sociaux – une solution fraîche qui, confrontée aux limites et aux caractéristiques du médium, nous permette de donner de l’espace à la créativité, de rassembler des stimuli, de les mettre en relation, d’échanger des connaissances et de combiner des expériences. Ce nouveau projet numérique présentera du contenu original qui, à travers des inspirations visuelles où notre lumière est mise en avant, dévoilera la puissance des idées.”

CARLO URBINATI
/ FUNDADOR Y PRESIDENTE FOSCARINI

Découvrez-en plus sur les artistes dans nos interviews

07/25 BRIAN REA
06/25 JORGE AREVALO
05/25 BEPPE CONTI
04/25 PETER GRUNDY
03/25 HELEN MUSSELWHITE
02/25 ERY BURNS
01/25 JIM STOTEN
07/24 GIONA MAIARELLI
06/24 BENNET PIMPINELLA
05/24 MATTIA RIAMI
04/24 ANTJE DAMM
03/24 LEE WAGSTAFF
02/24 FRANCESCA GASTONE
01/24 FAUSTO GILBERTI
09/23 STEFANO COLFERAI
08/23 LUCCICO
07/23 ALESSANDRA BRUNI
06/23 KEVIN LUCBERT
05/23 MAJA WRONSKA
04/23 FEDERICO BABINA
03/23 OSCAR PETTERSSON
02/23 NOMA BAR
01/23 LUCA FONT

Luca Font – un artiste italien aux multiples facettes – ouvrira la scène avec une série inédite d’illustrations d’inspiration moderniste aux traits géométriques et vifs, suivi par le célèbre illustrateur israélien Noma Bar – maître du Negative Space. Aussi : Federico Babina, Oscar Pettersson, Maja Wronska, Kevin Lucbert, Alessandra Bruni, Luccico et bien d’autres artistes. Des voix, des styles et des interprétations uniques pour raconter les pensées, les sentiments et les émotions suscités par les lampes Foscarini, pour souligner leurs formes, l’idée derrière leur concept ou l’effet qu’elles produisent dans un espace. Un calendrier plein de visions insolites sur le thème de la lumière ; un voyage créatif qui est l’expression d’une réflexion sur le rôle que jouent les lampes Foscarini pour transformer et définir une idée personnelle de la maison.

Suivez le projet sur la chaîne officielle Instagram @foscarinilamps, laissez-vous emporter par la magie et les suggestions des différentes interprétations créatives.

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Réalisé par Gianluca Vassallo, produit par Foscarini et White Box Studio, le film raconte l’histoire de l’icône de l’architecture radicale et fondateur du groupe SITE James Wines, en étudiant le rapport étroit entre l’artiste et l’individu, entre la figure publique de l’architecte Wines et celle plus intime et privée de l’homme James.

Ayant passé sa vie à imaginer un monde dans lequel tout est déconstruit, ironique, renversé, audacieux et cultivé, Wines est confronté à la façon dont « le monde » le voit, dans une histoire collective sur l’artiste-architecte, qui devient aussi un film sur l’impact de la pensée latérale dans la communauté, chez les individus, dans les processus de changement qui traversent le monde.

L’histoire de la collaboration entre Foscarini et James Wines s’étend sur près de 30 ans. Ses racines remontent à 1991, avec Table Light / Wall Light, la première pièce créée par Foscarini avec le groupe SITE de Wines. Quelques années plus tard, les chemins de Foscarini et de SITE se sont à nouveau croisés, grâce à un profil détaillé publié dans Inventario (le book-zine lancé par Foscarini en 2010 comme une façon originale et indépendante d’enquêter sur le monde de la créativité et de la culture du design).
Ainsi est née l’idée de Foscarini de relancer le premier projet, en le transformant en éditions de lampes et d’objets : « The Light Bulb Series » est une collection de design qui découle d’une réflexion sur l’ampoule électrique en tant qu’archétype, avec sa forme typique d’ampoule, déclinée en une série de provocations surprenantes.

Aujourd’hui, Foscarini, avec son esprit libre, laisse complètement la place à Vassallo et Wines, un maître de l’architecture contemporaine et avant-gardiste ».

« Enquêter sur la profondeur humaine, c’est à cela que sert le cinéma selon moi ; c’est à cela, encore plus, que sert le cinéma documentaire. Il aurait été facile de dénicher d’excellents documents d’archives, de les associer à une interview et de servir au public une nouvelle célébration d’un artiste et de son œuvre. Mais la tâche de celui qui, comme moi, dans la production du sens – cinématographique ou photographique – apporte ses angoisses, ses curiosités, un aperçu du monde qui cherche à se clarifier, face à une personnalité comme celle de Wines, ne peut que rechercher la complexité de l’homme qui nourrit la grâce du génie, ne peut qu’enquêter sur la profondeur, les idiosyncrasies, les peurs, le chaos de James, plutôt que sur la gloire de Wines ».

Gianluca Vassallo
/ réalisateur du film

Tourné à New York NY, Watertown MN, Washington DC, Miami, Stone Ridge NY et Rome entre octobre 2021 et février 2022, le film a été sélectionné par les commissaires du Milano Design Film Festival 2022, l’événement annuel qui, depuis dix ans, utilise le cinéma pour rapprocher le grand public des concepts les plus contemporains du design et de l’architecture, vus sous des angles non conventionnels.

La naissance de la lampe-sculpture Orbital a représenté pour Foscarini non seulement le début de la collaboration avec Ferruccio Laviani, mais aussi une déclaration d’intention : nous avons abandonné pour la première fois le verre soufflé de Murano, en embrassant la réflexion qui nous amène aujourd’hui à manier plus de vingt technologies différentes.

Si vous deviez décrire votre collaboration avec Foscarini par un adjectif, lequel choisiriez-vous ?

J’en utiliserais deux : fructueuse et libre. Le premier mot a une saveur pécuniaire mais ne doit pas être compris dans ce sens, ou plutôt pas seulement. Le fait que presque toutes les lampes que j’ai conçues pour Foscarini figurent encore au catalogue est une excellente nouvelle, tant pour mon studio que pour l’entreprise.
Mais j’appelle cela fructueux principalement parce que le fait d’avoir conçu des objets que, 30 ans plus tard, les gens apprécient toujours est un énorme soulagement pour un designer : c’est la confirmation que ce qu’il fait a du sens.
Ensuite, il y a la question de la liberté de création. Foscarini m’a permis d’évoluer avec une extrême indépendance expressive du produit à l’espace, sans jamais m’imposer de contraintes. C’est vraiment une chose rare et précieuse .

 

Comment, selon vous, êtesvous parvenu à cette liberté expressive et créative ?

Je pense que cela fait partie de la façon d’être des personnes concernées. Si un designer gagne sa confiance, Foscarini lui répond en lui laissant une totale liberté d’expression. Ils sont conscients que c’est la meilleure façon de tirer le meilleur parti de la collaboration, pour les deux parties. Évidemment, une fois qu’il est établi que le travail de fougue est suivi du travail de tête . Dans mon cas, Orbital était le pari initial : une lampe à l’esthétique si particulière plairaitelle ? Auraitil résisté à l’épreuve du temps ? La réponse du public a été positive et, à partir de ce moment, notre partenariat a toujours porté sur une liberté maximale.

 

Que signifie cette liberté pour un designer ?

Elle donne la possibilité de sonder différentes facettes du possible. Pour quelqu’un comme moi, qui ne s’est jamais identifié à un style ou à un type de goût particulier mais qui tombe périodiquement amoureux de saveurs, d’atmosphères, de décors toujours différents, cette liberté est fondamentale car elle me permet de m’exprimer. Je n’ai aucune prétention artistique et je suis bien conscient que ce que je fais, c’est de la production : des objets produits en série qui doivent avoir une fonction claire et la remplir au mieux. Mais à côté de ces considérations rationnelles, ce qui m’agite dans l’acte créatif, c’est le désir. Le désir presque incontrôlable de donner vie à un objet qui n’est pas là : quelque chose que j’aimerais avoir comme partie de ma vie .

Quels sont ces objets que vous désirez et que vous concevez donc ?

Je n’ai pas de réponse en termes de style : je fais toujours des choses différentes parce que je me sens toujours différent et je remplis mes espaces physiques et mentaux de présences qui varient dans le temps et reètent ces paysages personnels. Cependant, je suis fasciné par tout ce qui crée un lien avec les gens et entre les gens. Je donne donc toujours un caractère aux objets que je conçois : celui qui, selon moi, reète le mieux mon interprétation de l’esprit du temps. Parfois sur le moment. C’est beaucoup plus vrai pour une lampe que pour un autre meuble, car une lampe décorative est choisie par affinité, pour ce qu’elle nous dit et sur nous. C’est le début d’un dialogue idéal entre le designer et l’acheteur. Si cette lampe continue à parler aux gens même après 30 ans, cela signifie que cette conversation est pertinente et parvient encore à dire quelque chose de significatif .

L’événement du trentième anniversaire d’Orbital a également été l’occasion de présenter le nouveau projet photographique NOTTURNO LAVIANI. Dans ce projet, Gianluca Vassallo interprète les lampes que Laviani a conçues pour Foscarini dans un récit qui se déroule en quatorze épisodes, au cours desquels des lumières habitent des espaces extraterrestres.

Découvrezen plus sur Notturno Laviani

Que pensezvous de l’interprétation de vos lampes par Gianluca Vassallo ?

La sensation d’un cercle qui se referme. Car Gianluca raconte son idée de la lumière en utilisant les objets que j’ai dessinés comme des présences subtiles mais significatives. Et c’est la même chose que lorsqu’une personne décide d’installer une de mes lampes chez elle. Devant Notturno, je ressens donc cette même grande émotion que j’éprouve lorsque quelqu’un s’approprie un de mes projets et l’intègre à son existence : le sentiment est celui magnifique d’avoir fait quelque chose qui a un sens et une pertinence pour les autres .

 

Quel est le cliché qui vous représente le mieux ?

Sans aucun doute celui d’Orbital à l’extérieur : le survol avec l’affiche de cirque en lambeaux. Parce que je suis comme ça : tout et le contraire de tout .

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Téléchargez l’e-book exclusif Foscarini Design Stories — 30 years of Orbital et apprenez-en davantage sur la collaboration entre Foscarini et Laviani. Un échange fertile, basé sur des affinités électives, s’étendant sur trois décennies en tant que voie de croissance mutuelle.

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Souhaitez-vous jeter un coup d’œil ?

Lors d’une discussion captivante animée par Beppe Finessi dans le cadre de Festivaletteratura 2022, Ferruccio Laviani a partagé sa passion et son approche unique du design d’objets et d’expériences.

Le 10 septembre 2022, au théâtre évocateur Teatro Bibiena, s’est tenue la discussion “Envoûté par les Objets”, avec le designer Ferruccio Laviani interviewé par Beppe Finessi. Laviani a emmené le public dans un voyage fascinant à travers son expérience dans le monde du design. Partant de ses racines dans l’école de lutherie et passant par la conception de meubles, il a partagé ses réflexions sur la création d’objets qui vont au-delà de la simple fonctionnalité, cherchant à évoquer des émotions et des connexions personnelles.

“Le monde est plein de vitrines remplies de chaises, de lampes et de tables, alors pourquoi quelqu’un devrait-il en choisir une nouvelle conçue par moi ? La réponse est simple : faire en sorte que les gens voient mes produits avec les mêmes yeux que lorsqu’ils tombent amoureux de quelqu’un.”

FERRUCCIO LAVIANI
/ Designer

Avec humilité et sincérité, le designer de Crémone a raconté des anecdotes de sa carrière, offrant un regard intime sur ses œuvres les plus emblématiques et les défis rencontrés tout au long du parcours créatif. Stimulé par les questions de Beppe Finessi, Laviani a partagé sa philosophie derrière la création d’objets qui mêlent différents styles et influences, donnant vie à des créations qui défient le temps et les styles conventionnels, ouvrant de nouvelles perspectives sur la créativité et l’esthétique contemporaine.

Pour revivre l’expérience de la discussion et vous immerger dans l’univers de Ferruccio Laviani, ne manquez pas la vidéo de l’événement.

Regardez la vidéo

Laboratoire d’expérimentation pure sur la lumière mené par Foscarini avec Andrea Anastasio et Davide Servadei de Ceramica Gatti 1928, le projet Battiti (Battements) est une expérience de liberté totale qui ouvre de nouvelles interprétations de la lumière, qui prend ici le caractère d’une matière en dialogue avec la céramique.

Dans le projet Battiti, présenté au Fuori Salone 2022, la lumière n’est pas utilisée pour éclairer mais pour construire. Comme s’il s’agissait d’un matériau : créer des effets, souligner des formes, projeter des ombres. Car c’est ce que fait Andrea Anastasio lorsqu’il met la main sur les œuvres des archives de l’atelier Gatti, en les démembrant et en les réassemblant selon l’instinct primordial de celui qui crée par désir, passion et nécessité : il renverse la logique traditionnelle et arrive à une nouvelle logique, il interprète l’histoire en lui donnant un sens et une signification différents. Et, dans cet acte qui est à la fois création et découverte, Anastasio utilise la lumière, qui devient ainsi un instrument de dialogue avec l’observateur. Les coupes de lumière, éléments actifs et « vivants » dans les bas-reliefs et les sculptures d’Anastasio, sont donc l’incipit d’une nouvelle relation entre les objets qui les reçoivent et celui qui les regarde.

« Battiti a commencé par une réflexion sur la relation séculaire entre la lumière et la céramique, un voyage des lanternes à huile aux sanctuaires religieux et l’accompagnement de la forme de la vision dans ses nombreuses manifestations. Ensuite, une autre observation s’est imposée et j’ai commencé à disséquer des panneaux de céramique à partir de moulages conservés dans les archives Gatti à Faenza et à les décomposer de manière systématique. L’introduction de la lumière dans cette série d’œuvres a été un lent processus qui a suivi une intuition immédiate, comme c’est souvent le cas lorsque l’on veut restituer l’impact d’une vision qui nous saisit et en même temps nous échappe, précisément parce qu’elle est impalpable. Ainsi, une fois encore, le dialogue entre ornement et lumière devient l’occasion d’une prise de conscience du rôle que joue la lumière dans notre devenir quotidien et de sa capacité à nous rappeler le caractère illusoire du continu et la vanité de l’accompli »

ANDREA ANASTASIO
/ Designer

Cette recherche est le résultat de la liberté qui a toujours caractérisé Foscarini, une entreprise sans usine, qui vit d’idées, d’imagination. Une liberté qui rend possible – voire nécessaire – d’explorer à chaque fois les matériaux et les méthodes de production les plus appropriés pour développer au mieux chaque nouvelle idée. Une approche différenciée pour une réalité industrielle avec une âme artisanale profonde. Cette opération, loin de toute logique commerciale, est typique de l’identité de Foscarini, qui a toujours cru à l’innovation et à la recherche constante de sens.

« Ce n’est qu’en sortant des sentiers battus que l’on a le courage d’imaginer de nouvelles idées. Ce n’est qu’en écoutant et en partageant des visions avec des personnes d’autres mondes que l’on comprend où il est judicieux d’aller. Ce n’est qu’en partageant la véritable passion des créateurs que l’on peut saisir le sens du mot projet, dans son sens le plus pur et le plus authentique »

CARLO URBINATI
/ Président et fondateur de Foscarini

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BATTITI —
Foscarini Artbook series #1
Research & Developement

Téléchargez l’e-book exclusif relatant cette recherche, inspirée par le seul désir d’explorer de nouveaux langages expressifs, de nouvelles significations et de nouvelles manières d’utiliser la lumière. Regards critiques de Carlo Urbinati, Andrea Anastasio et Franco La Cecla. Photographies de Massimo Gardone.

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Après avoir été sélectionné par l’ADI Design Index 2021 pour concourir au prix Compasso d’Oro, le printemps 2022 marque un nouveau chapitre important pour VITE, le projet multimédia de Foscarini qui, à partir du mois de mai, sera distribué par Corraini dans les meilleures librairies et bouquinistes du monde entier.

Corraini et Foscarini s’associent à nouveau avec VITE, une histoire en images, en vidéo et en mots, qui explore les différents sens de la maison, le rapport avec la lumière, la relation entre la vie dans la maison et l’espace extérieur. L’éditeur – qui partage avec la marque d’éclairage décoratif une aptitude à l’expérimentation et à la recherche continue et avec lequel il collabore déjà sur le book-zine Inventario – distribuera désormais aussi le livre VITE de Foscarini dans les meilleures librairies et bouquinistes de son réseau.

VITE est un projet éditorial fascinant avec lequel Foscarini parle de la lumière à partir non pas de ses propres lampes – celles qui les conçoivent, les développent ou les produisent – mais des personnes qui vivent dans les espaces que les lampes éclairent.

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Présenté en 2020 et sélectionné par l’ADI Design Index 2021, VITE est un voyage qui nous emmène à travers des villes du Nord, du Sud, de l’Est et de l’Ouest, à l’intérieur d’environnements réels, à la rencontre de personnes réelles – accompagnés par l’artiste, photographe et vidéaste Gianluca Vassallo et l’écrivain Flavio Soriga. Au centre de l’objectif et de la narration se trouvent les personnes, tandis que le regard est laissé libre d’errer dans des environnements personnels, réels et donc également imparfaits, loin de la communication typique du monde du design dans lequel opère Foscarini, qui craint souvent l’imperfection, celle qui caractérise la vie. Avec le projet VITE, ce ne sont plus des décors photographiques que nous voyons, mais des maisons vécues, quotidiennes, qui nous racontent l’histoire des gens qui les habitent.

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Mite est la lampe qui a marqué le début de la collaboration désormais historique entre Foscarini et Marc Sadler : un projet qui subvertit les schémas en se livrant à ce que le designer appelle “les sommets de la déraison”, l’attitude qui permet d’explorer tout le potentiel d’un matériau et d’une technologie.

En 2001, Mite a reçu le Compasso d’Oro ADI, le prix de design le plus prestigieux au monde, ainsi que la version à suspension Tite. Vingt ans se sont écoulés depuis lors, et nous pensons que cet événement, à l’instar du caractère emblématique et intemporel de Mite, mérite une célébration appropriée.
C’est ainsi que le Mite Anniversary est né, faisant évoluer le concept original du Mite par le biais de nouvelles expérimentations et variations. Pour cette occasion importante, nous avons interviewé Marc Sadler et avons eu une discussion intéressante sur Mite, Tite et la conception d’éclairage.

 

COMMENT EST NÉE LA COLLABORATION AVEC FOSCARINI POUR LA LAMPE MITE ?

MS – “J’ai rencontré Foscarini à l’époque où je vivais à Venise et Mite a été le premier projet que nous avons développé ensemble. Pour moi, Foscarini était une petite entreprise qui fabriquait du verre et était bien loin de ce que je faisais. Un jour, au hasard d’un vaporetto, j’ai rencontré l’un des partenaires. En parlant de notre travail et de ce que nous faisions, il m’a parlé d’un sujet sur lequel ils réfléchissaient. Il m’a demandé de réfléchir à un projet qui aurait le goût incertain du verre – cet aspect artisanal impossible à contrôler et qui fait que chaque objet a sa propre personnalité – mais qui pourrait être produit de manière industrielle, avec une vision plus intégrée. Nous sommes partis en disant au revoir, en promettant d’y réfléchir.”

 

QUELLE EST L’IDÉE PRINCIPALE QUI A DÉCLENCHÉ CE PROJET ?

MS – “J’étais en route pour Taïwan dans le cadre d’un projet de fabrication de raquettes de tennis et de clubs de golf pour une entreprise de traitement de la fibre de verre et de la fibre de carbone. C’est un monde où les produits ont de grands nombres, pas quelques uns. La raquette, lorsque vous la produisez, lorsqu’elle sort des moules, est magnifique ; ensuite, les personnes qui travaillent dessus commencent à la nettoyer, à la finir, à la peindre, à la recouvrir de divers éléments graphiques et elle perd ainsi progressivement une partie du charme de la phase de production. Au final, on obtient un objet chargé de signes qui cachent la structure réelle et le produit final est pour moi toujours moins intéressant que le produit au stade initial. Pour mon travail de designer, je préfère le produit à l’état brut, en amont des finitions, quand il est encore un objet “mythique”, beau, parce que la matière vibre. Rien qu’en regardant ces pièces à contre-jour, on pouvait voir les fibres, et j’ai remarqué comment la lumière perçait la matière. J’ai pris certains de ces échantillons et les ai apportés à Venise. Dès mon retour, j’ai appelé Foscarini pour leur dire que je réfléchissais à un moyen d’utiliser ce matériau. Même si la fibre de verre, constituée de morceaux de matière, a des limites dans ses incertitudes de mise en œuvre, je pensais à un objet qui pourrait être produit industriellement. Le proposer était un peu un pari, car nous avions besoin de grandes quantités de production pour justifier son utilisation et ce n’était pas un matériau très polyvalent et adaptable. Cependant, si nous avions réussi à le conserver dans cet état matériel fascinant, cela aurait été une merveilleuse occasion de l’appliquer à un projet d’éclairage.”

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COMMENT S’EST PASSÉE LA PHASE DE RECHERCHE ET DE DÉVELOPPEMENT ?

MS – “Nous avons sonné les cloches de nombreux fournisseurs qui utilisaient les mêmes matériaux et techniques pour produire des cuves à vin ou des équipements sportifs, mais ils n’étaient malheureusement pas disposés à collaborer à cette recherche expérimentale. Nous n’avons cependant pas perdu courage et avons poursuivi nos recherches jusqu’à trouver un entrepreneur qui traitait également ce matériel pour ses recherches personnelles (il avait construit lui-même un deltaplane motorisé). Il s’est passionné pour le projet et s’est immédiatement rendu disponible. Il avait une entreprise qui fabrique des cannes à pêche extraordinaires et très spéciales, mais il a décidé de s’aventurer dans le monde de la lumière avec nous. Il nous a envoyé des échantillons de tests qu’il a effectués lui-même, nous demandant notre avis sur de nouvelles résines et de nouveaux fils. Le design est fait de personnes qui agissent et interagissent ensemble. C’est une magie toute italienne. Souvent, dans les entreprises du reste du monde, on attend l’arrivée du designer qui, tel un super-héros, livre tout prêt, clé en main. Mais ça ne marche pas comme ça : pour réaliser des projets vraiment innovants, il faut une confrontation permanente dans laquelle on trouve des problèmes et on les résout ensemble. J’aime travailler comme ça.”

 

DES MODÈLES D’ÉTUDE ET DES PROTOTYPES ONT-ILS ÉTÉ DÉVELOPPÉS ?

MS – “Le premier modèle a été réalisé avec un moule fermé traditionnel, puis nous avons eu l’idée d’essayer une autre technique – le ‘rowing’ – qui consiste à enrouler des fils autour d’un corps solide. En regardant les fils qui pouvaient être utilisés, j’ai trouvé quelques écheveaux considérés comme défectueux, dans lesquels le fil n’était pas parfaitement droit, mais vibrait un peu. Ce type de fil est ensuite devenu celui utilisé dans la production finale. Les fibres ne sont pas toutes régulières : nous avons voulu exploiter ce “défaut” et le transformer en une qualité toujours unique. Nous voulions enlever le sens de la technicité et apporter la valeur de l’habileté manuelle et une saveur matérielle chaleureuse, comme nous savons le faire en Italie. Dans un premier prototype, j’avais tronqué le sommet avec une coupe à 45 degrés en insérant un phare de voiture. Si je regarde ce premier prototype aujourd’hui, il me dérange un peu, mais c’est absolument normal car cela représente le début d’un long chemin de recherche. Pour arriver à un produit simple, il faut travailler beaucoup. Au début, mon signe était trop fort, presque violent. Foscarini était bon pour la médiation, et c’est bien, c’est le design. C’est le bon équilibre entre les parties sur le terrain pour faire ensemble une œuvre commune. Ce n’est qu’en travaillant avec Foscarini, qui sait comment traiter la lumière, qui sait donner cette saveur aux transparences et cette chaleur à la matérialité, que nous avons pu obtenir la bonne proportion et l’authenticité. Nous avons pu obtenir un objet beaucoup plus net, plus propre, pour lequel l’important est la lumière qu’il produit, la transparence du corps et la vibration visualisée dans le design. Pas un objet qui crie, mais un élément doux qui entre dans les maisons.”

 

QUELS SONT LES DÉFIS SPÉCIFIQUES D’UN PROJET AVEC LA LUMIÈRE ?

MS – “Après cette lampe et après cette approche des matériaux composites, j’ai en quelque sorte reçu l’étiquette du designer qui fait des lampes avec des matériaux sophistiqués. Cela ne me dérange pas, au contraire, c’est ce que nous et Foscarini aimons faire. Donc aujourd’hui, si je trouve dans mes recherches quelque chose d’intéressant ou de pas encore utilisé pour le monde de la lumière, Foscarini est l’entreprise avec laquelle je pourrais avoir le meilleur potentiel pour développer quelque chose d’original et d’innovant.”

 

QUELS SONT LES ASPECTS LES PLUS SIGNIFICATIFS DE LA TECHNOLOGIE D’ÉCLAIRAGE UTILISÉE DANS CE PROJET ?

MS – “La technologie de l’éclairage a beaucoup évolué en 20 ans, si bien que nous utilisons désormais des LED. Par rapport à la technologie du passé, c’est un peu comme si l’on pensait à la différence entre un moteur à injection électronique et un moteur à carburateur. Même avec le carburateur, on pouvait obtenir de très bons résultats, mais il fallait un génie capable d’écouter le moteur et de tout régler manuellement. Pour Mite, c’était un peu la même chose. Dans la première version, nous avons mis une ampoule assez longue positionnée à une certaine hauteur. Pour enfermer la tige, nous avons façonné une feuille circulaire de métal chromé dont nous avons expérimenté certains angles, afin de réfléchir la lumière dirigée vers le haut mais aussi de laisser descendre la lumière dans le corps de la lampe, permettant ainsi à la lumière de chevaucher le matériau rétroéclairé. Évidemment, cette technologie limitait la liberté d’action, alors qu’aujourd’hui, avec les LED, nous pouvons amener l’effet lumineux exactement là où nous le voulons”.

 

COMMENT LE MÉTIER DE DESIGNER A-T-IL ÉVOLUÉ AU COURS DES DEUX PREMIÈRES DÉCENNIES DU NOUVEAU MILLÉNAIRE ?

MS – “Je suis aujourd’hui heureux de mon travail parce que j’ai l’impression d’être de retour dans les années 1970, lorsque l’entrepreneur comptait beaucoup et mettait sur la table des intentions claires faites d’objectifs, d’un calendrier, de l’argent adéquat et – sachant qu’il avait bien travaillé jusque-là – il avait l’intention de vouloir aller là où il n’était jamais allé auparavant. C’est peut-être cette période de pandémie très difficile, c’est peut-être que je commence à avoir du mal à travailler avec de grandes entreprises multinationales comme celles de l’Est, mais je pense que c’est…
Il est temps de revenir à un travail direct avec les entrepreneurs en personne.”

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QUELLE EST L’IMPORTANCE DU “TRANSFERT DE TECHNOLOGIE” DANS LA RECHERCHE EN DESIGN ?

MS – “C’est fondamental. Mon travail pourrait être considéré comme le principe des vases communicants. Je prends quelque chose d’une partie, je le “tire” et je l’emmène dans une autre partie pour voir ce qui se passe. J’ai fait ça toute ma vie. Dans mon studio, il y a un atelier où je peux construire ou réparer n’importe quoi de mes propres mains et cela m’aide beaucoup. Ce n’est pas le concept de savoir où le ‘ciel est la limite’, mais je réfléchis beaucoup avant de dire non à quelque chose, parce que souvent il y a déjà des solutions ailleurs et ensuite je dois juste trouver comment les transférer.”

 

CETTE LAMPE EST FAITE D’UN “TISSU” (TECHNOLOGIQUE) AUTOPORTANT : QUELLE IDÉE RELIE LES TEXTILES À LA CONCEPTION DE LA LUMIÈRE ?

MS – “Dans Mite, l’importance du tissu est l’avantage de pouvoir avoir une texture qui fait vibrer la lumière lorsqu’elle traverse le corps, et il n’a pas été facile de trouver le bon tissu. Mais avec le tissu, dans ses variables infinies, on peut toujours faire des choses merveilleuses avec la lumière et en fait, avec Foscarini, nous continuons à expérimenter et à développer de nouveaux projets.”

 

QUE SIGNIFIE LE NOM MITE ET SA VARIANTE SUSPENDUE TITE ?

MS – “Le nom vient d’un jeu verbal en français que ma mère m’avait appris quand j’étais enfant, pour me rappeler la différence entre les formations calcaires des grottes, divisées en celles qui montent du bas, les stalagmites, et celles qui descendent du haut, les stalactites. D’où l’idée du nom. Bien que j’ai d’abord pensé à la logique de la Cette logique fonctionne bien, cependant, également en raison de l’assonance typologique : la (stalag)MITE repose sur le sol et la (stalag)TITE est suspendue au plafond”.

C’est en 1990 que Foscarini présente une lampe en verre soufflé, caractérisée par la combinaison avec un trépied en aluminium, née de la rencontre avec le designer Rodolfo Dordoni qui réinterprète le type classique d’abat-jour avec un nouvel esprit. Cette lampe s’appelait Lumiere.

Découvrez Lumiere

Quand et comment le projet Lumière est-il né (l’étincelle, qui étaient les premiers acteurs, les promoteurs) ?

Nous parlons d’il y a plusieurs années, alors se souvenir de qui étaient les acteurs demande un effort de mémoire qui, à mon âge, n’est peut-être pas si facile.
Ce que je peux dire, c’est le contexte dans lequel Lumière est né. C’était une période au cours de laquelle j’avais commencé à travailler avec Foscarini sur une sorte de changement dans l’entreprise. Ils m’avaient appelé pour une direction générale, qui pourrait être une sorte de direction artistique de la nouvelle collection, car leur intention était de changer l’approche de l’entreprise.
Foscarini était une entreprise pseudo-Murano, dans le sens où elle était basée à Murano mais avait une mentalité qui n’était pas exclusivement Murano. Nous avons commencé à travailler sur ce concept : préserver l’identité de l’entreprise (l’identité des origines de l’entreprise, c’est-à-dire Murano-Glass) mais nous différencier de l’attitude des autres entreprises de Murano (c’est-à-dire le verre soufflé au four) en essayant d’ajouter au produit des détails technologiques qui le caractériseraient et feraient de Foscarini une entreprise d’éclairage” plutôt qu’une entreprise de “verre soufflé”. Ce concept était la ligne directrice du Foscarini du futur, à l’époque.

 

Où est né Lumière ? Et qu’est-ce qui a conduit à sa forme-fonction (les enjeux du design, les matériaux verre soufflé et aluminium) ?

Sur la base de la ligne directrice que je viens de mentionner, nous avons commencé à imaginer et à concevoir des produits pendant les réunions. Lors d’une de ces réunions, je pense que nous étions encore dans l’ancien siège de Murano, j’ai fait un croquis sur une feuille de papier, un très petit dessin sur une feuille de papier qui devait faire 2×4cm : ce chapeau de verre avec un trépied, juste pour avoir l’idée d’associer le verre et la fusion, et à l’époque la fusion de l’aluminium était un sujet très contemporain, nouveau.
L’idée de ce petit trépied avec fusion et verre exprimait donc, plus que la conception d’une lampe, un concept plus général : comment mettre ensemble deux éléments qui seraient la caractéristique des futurs produits de l’entreprise”. C’était, en pratique, l’intuition.”

 

Un moment dont vous vous souvenez plus que d’autres lorsque vous parlez de Lumière (un entretien avec le client, un test dans l’entreprise, le premier prototype).

Eh bien, certainement le moment où Alessandro Vecchiato et Carlo Urbinati se sont montrés attentifs à mon esquisse, à l’intuition. Je me souviens que Sandro a jeté un coup d’œil au dessin et a dit : “Magnifique, on devrait le faire”. Dans ce croquis, nous avons immédiatement entrevu le produit. Et moi aussi, j’ai pensé que ce dessin pouvait devenir un vrai produit. De là est née Lumière.

 

Nous vivons dans une société où l’on brûle et l’on jette. Quel effet cela fait-il d’avoir conçu un succès qui dure depuis 25 ans ?

C’était vraiment des époques différentes. Avant, lors de la conception, les considérations que les entreprises faisaient étaient aussi en termes d’investissement, et d’amortissement de l’investissement dans le temps. Les choses qui ont été conçues étaient donc plus réfléchies.
Aujourd’hui, ce n’est pas que les entreprises ont changé, mais le marché a changé, l’attitude du consommateur a changé, et il est devenu plus volage”. Le consommateur d’aujourd’hui est habitué par d’autres secteurs de produits (tels que la mode et la technologie) à ne pas vouloir de choses “durables”. Les attentes des entreprises à l’égard du produit sont donc certainement plus courtes. Quand il arrive qu’un produit (comme Lumière) vive aussi longtemps en termes de vendabilité, cela signifie qu’il est autosuffisant. En d’autres termes, il s’agit d’un produit qui n’a pas forcément prêté attention aux tendances du moment. Et c’est précisément pour cette raison qu’elle attire d’une certaine manière. Et stimule le plaisir. Tant chez ceux qui l’achètent que chez ceux qui l’ont conçu. Personnellement, je suis heureux que Lumière soit un “signe” qui a encore sa propre reconnaissance et son propre attrait !

 

Comment ce contexte a-t-il marqué “, si tant est qu’il l’ait fait, la peau et l’esprit de Rodolfo Dordoni, homme et architecte ?

Je pense à deux moments importants qui ont marqué mon travail. Le premier est la rencontre avec Giulio Cappellini, qui était mon camarade de classe à l’université. Plus tard, j’ai été son compagnon de travail, en ce sens qu’une fois l’université terminée, il m’a demandé de travailler avec lui dans l’entreprise. Grâce à cette rencontre, j’ai pu connaître le monde du design “de l’intérieur”. Depuis 10 ans, je travaille et je connais l’industrie du meuble sous tous ses aspects. La mienne est donc une approche qui connaît “en pratique” l’ensemble de la chaîne du produit de design.
Cela mène directement au deuxième de mes moments importants.
Grâce à cette “pratique”, à cette connaissance du terrain, lorsque les entreprises s’adressent à moi, elles savent que ce n’est pas seulement un produit qu’elles demandent, mais un raisonnement. Et il arrive souvent que ce raisonnement conduise à construire des relations avec les entreprises qui deviennent de longues confrontations, de longues conversations. Ces chats permettent d’apprendre à connaître l’entreprise. Et apprendre à connaître l’entreprise est une partie fondamentale de l’analyse du projet. J’aime travailler, et en cela je suis un peu gâté, avec des personnes avec lesquelles je partage une sorte de similitude d’intentions et d’objectifs à atteindre. Cela nous donne l’occasion de grandir ensemble.

 

Les années 90 : une recherche sur Google fait apparaître les Spice Girls, Take That et le titre “È qui la festa?” de Jovanotti, mais aussi “Nevermind” de Nirvana et la chanson d’Underworld qui a servi de bande originale au film Trainspotting, “Born Slippy”. Qu’est-ce qui vous vient à l’esprit quand vous pensez à vos années 90 ?

Les années 90 ont été pour moi le début d’une incompréhension technologique progressive. C’est-à-dire que tout ce qui s’est passé depuis le disque de musique, technologiquement parlant, je commençais à ne plus le comprendre. Je me suis souvent surpris à penser que, lorsque j’étais petit, je critiquais souvent mon père, que je considérais comme technologiquement inadéquat. Eh bien, son insuffisance par rapport à moi était minime, si je pense à mon “insuffisance technologique” par rapport à mes petits-enfants, par exemple. Disons que mon “isolement technologique” a commencé dans les années 1990 !

 

Qu’est-ce qui n’a pas changé pour le designer Rodolfo Dordoni ?

Le dessin. Le croquis. Le trait.

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