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Ery Burns ist eine britische Künstlerin und Illustratorin mit einem sofort erkennbaren Stil, der sich durch spontane Striche, lebendige Farben und detaillierte Muster auszeichnet. Sie sagt, dass sie ihr Doodle-Gen von ihrer Urgroßmutter geerbt habe, einer indischen Künstlerin, die am Fuße des Himalayas aufgewachsen ist. Ihr Strich entsteht aus Intuition und nimmt direkt auf dem Papier Gestalt an, ohne festgelegte Muster, in einem Fluss, der organische Formen, wiederkehrende Motive und einen Hauch von Ironie miteinander verwebt. Das Ergebnis ist ein visuelles Universum, das zwischen Fantasie und Realität schwankt und in der Lage ist, jene kindliche Verwunderung zu wecken, die wir beim Erwachsenwerden oft verlieren.

Für das Projekt What’s in a Lamp? von Foscarini hat Ery Burns die Lampen des Unternehmens durch die Linse ihrer Fantasie neu interpretiert und die emotionale Essenz des Lichts erforscht. Sie sah Gesichter, Kreaturen und Welten zum Entdecken und ließ diese mit ihrer Linie zum Leben erwecken, indem sie sich von den Formen und Volumen der Lampen leiten ließ und jede Lampe in eine visuelle Erzählung zwischen Natur und Fantasie verwandelte, mit einem verspielten und hypnotischen Strich, der den Blick fesselt.

Buds nahm die Form einer neugierigen und fragenden Figur an, Gregg wurde zu einem frisch gelegten Ei, das von einer Kreatur gepflegt wurde, die eine Mischung aus Fledermaus und Katze ist, Twiggy spielt, ironisch und keck, in einem Kontext von Regenbögen und Mustern, die an die 60er Jahre erinnern.

In diesem Interview sprachen wir mit Ery Burns über ihren spontanen Ansatz zum Zeichnen und darüber, wie sie die Lampen von Foscarini mit ihrem unverwechselbaren Strich neu interpretiert hat. Entdecke die gesamte Serie What’s in a Lamp? auf Instagram.

Kannst du uns den Weg erzählen, der dich zur Illustratorin gemacht hat? Gab es entscheidende Momente, die deinen Weg geprägt haben?

Ich antworte auf diese Frage immer auf die gleiche Weise, weil es so viele positive Gründe gibt, warum ich es liebe zu zeichnen, und ich versuche immer, wie eine normale Person zu wirken! Aber die Wahrheit ist, dass ich in einer großen Familie aufgewachsen bin, und das bedeutet nicht unbedingt, dass man sich nicht einsam oder unbeachtet fühlen kann. Ich war das jüngste von fünf Geschwistern, also war ich immer von Menschen und Persönlichkeiten umgeben und wurde von den Älteren beeinflusst. Mein Vater war Anwalt (und ein sehr harter Arbeiter), daher hatte er nicht viel Zeit für uns.

Ich erinnere mich, dass meine Buntstifte eine Art Zuflucht waren: Ich konnte Welten erschaffen und meiner Fantasie freien Lauf lassen. Zeichnen war wie Sauerstoff, es half mir, ein Gleichgewicht zu finden. Jedes Mal, wenn ich mich überwältigt fühlte, zog ich mich in meine Doodles zurück. Also ja, der entscheidende Moment war genau die Flucht aus der Realität! Ich zeichnete jedes Mal, wenn ich die Welt um mich herum abschalten wollte, was leider oft auch die Schule einschloss… Ich bin schrecklich in Mathematik!

Deine Doodles sind lebendig, voller Details, Muster und kräftiger Farben. Wie hast du diesen so erkennbaren Stil entwickelt? Welche Einflüsse haben zu seiner Entwicklung beigetragen?

Ich habe immer gewusst, irgendwie, dass ich eine besondere Art habe, die Welt zu interpretieren. Es war ein unbewusster Prozess, aber als Kind gab es Zeiten, in denen ich mich von Künstlern oder Animationen inspirieren ließ, die mir auf meinem Weg begegneten.

Ich bin mit den Filmen von Terry Gilliam und Monty Python aufgewachsen, und in den 90er Jahren waren Keith Haring und Basquiat überall. Ich glaube, sie haben mich mehr beeinflusst, als ich mir bewusst bin. Ich mochte auch Kandinsky sehr, der mit mir die Liebe zu Details und klaren Linien teilte.

Vielleicht hat es auch damit zu tun, dass ich von ikonischer Musik und Plattencovern umgeben war—mein Vater hatte eine unglaubliche Sammlung: The Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Beatles, Cream.

Kürzlich habe ich durch einen DNA-Test herausgefunden, dass ich zu 4% indische und kasachische Vorfahren habe, zwei unglaublich reiche und farbenfrohe Kulturen. Ich stelle mir vor, dass dieses Erbe etwas ist, das ich in mir trage und das irgendwie meine Doodles und meine Art, Kunst zu machen, beeinflusst.

Doodling wird oft mit Spontaneität und Intuition in Verbindung gebracht. Wie viel von deinem kreativen Prozess ist instinktiv und wie viel ist das Ergebnis einer klaren, von Anfang an sichtbaren kompositorischen Vision?

Es kommt auf das Projekt an, aber normalerweise sind die ersten Skizzen völlig spontan, eine Explosion von Ideen! Für Foscarini hatte ich eine Intuition darüber, wie das fertige Werk aussehen sollte, aber es war mehr ein Gefühl als ein klares Bild. Ich konnte es noch nicht sehen, aber ich fühlte es und wusste, dass es auf dem Papier Gestalt annehmen würde.

Wie weißt du, wann ein Werk „fertig“ ist? Gibt es einen Moment, in dem du das Gefühl hast, das maximale Potenzial des Stücks erreicht zu haben?

Man spürt es am Gleichgewicht der Illustration—wenn die Elemente gut miteinander kommunizieren, wenn der Fluss harmonisch ist oder wenn etwas nicht an seinem Platz ist. Auch die Wahl der Farbpalette kann ein Werk machen oder zerstören. Ich musste ein Stück, das ich für Foscarini gemacht hatte, wegwerfen, weil es wie ein schlechtes Jurassic Park aussah. Es ist einfach: Wenn es richtig ist, spürt man es.

Kannst du uns deinen kreativen Prozess erzählen, wenn du ein Muster entwickelst?

Ich versuche es! Ich mache viele Skizzen und recherchiere auf Google, besonders wenn ich etwas realistischer zeichnen muss. Bei Projekten wie Verpackungen oder Kunstwerken für Bierdosen muss die Illustration sofort die Aufmerksamkeit auf sich ziehen—je seltsamer, desto besser! In solchen Fällen kann ich meine Fantasie natürlicher fließen lassen. Ich verwende viele zufällige Details in den Linien, um die Bilder miteinander zu verweben.

Gibt es wiederkehrende Elemente oder Themen, die in deinen Zeichnungen natürlich auftauchen?

Gute Frage. Mein Prozess ist sehr instinktiv, daher ist es nicht immer einfach, ihn zu erklären. Normalerweise beginne ich mit einer zufälligen Form, und von dort aus entwickelt es sich organisch, als würde es aus einem kleinen „Ery-Samen“ wachsen.

Ich denke, Augen und Hände kommen oft in meinen Zeichnungen vor, vielleicht, weil sie ein Gefühl von Präsenz und Verbindung vermitteln. Vielleicht stelle ich mir vor, dass die Figuren traurig wären, wenn sie nicht sehen oder anfassen könnten. Ich greife auf Elemente der Natur, der Evolution und ein wenig Humor zurück.

Farbe ist ein wesentliches Element in deiner Arbeit. Wie wählst du deine Farbpaletten?

Farbe ist entscheidend und kann die Atmosphäre eines Werkes bestimmen. Wie bei meinem Stil ist auch meine Wahl der Farben ziemlich intuitiv und instinktiv.

Es kommt sehr auf das Projekt an: ob es kommerziell oder persönlich ist. Bei meinen intimeren Arbeiten neige ich dazu, dunklere Farben mit erdigen Tönen zu verwenden, inspiriert von der Natur. Für Kinderillustrationen würde ich wahrscheinlich kühnere, leuchtendere Paletten wählen.

Für What’s in a Lamp? von Foscarini, wie hast du die Illustrationen entwickelt? Gab es spezifische Aspekte der Lampen, die deine Vision inspiriert haben?

Zuerst dachte ich darüber nach, was mir die Lampen von Foscarini vermitteln, und sofort kam dieses Gefühl von Trost auf, das man empfindet, wenn man ein Licht in der Dunkelheit findet.

Als ich ihre Formen und Materialien betrachtete, sah ich Gesichter, ein Ei, Froscheier, Wasser. Also versuchte ich, all diese Elemente miteinander zu verweben und sie in ein Kunstwerk zu verwandeln, das die unterschiedlichen Persönlichkeiten der Lampen widerspiegelt.

Viele deiner Arbeiten sind ironisch, verspielt und fast hypnotisch, da sie den Betrachter dazu bringen, länger hinzusehen. Siehst du deine Kunst als eine Form der Erzählung?

Ich stellte mir die Lampen als kleine Welten vor, die von Kreaturen bewohnt werden, die auf unerwartete Weise mit ihren Formen interagieren.

Ich mochte die Idee, dass der Betrachter meiner Zeichnungen das Gefühl hat, gerade aufgewacht zu sein und sich fragt, ob er träumt oder noch halb im Schlaf ist. Buds zum Beispiel bekam eine neugierige Ausstrahlung, die mich fasziniert.

Gregg, hingegen, sah ich als frisch abgelegtes Ei, das von einer Fledermaus-Katze gepflegt wurde, die eine Schnecke bei sich trägt. Und Twiggy ist meine Lieblingsfigur: Sie hat eine Seele der 60er Jahre, einen Hauch von Weltraum und viele Regenbögen. Und dann macht sie sogar eine freche Zunge—was für eine freche Lampe!

Hat dieses Projekt für Foscarini besondere Herausforderungen oder Chancen geboten?

Die größte Herausforderung war das Fehlen eines klaren Briefings. Ich hatte völlige kreative Freiheit, was großartig ist, aber es bringt einen dazu, ständig seine Entscheidungen in Frage zu stellen.

Wie findest du Inspiration und entwickelst weiter dein Werk?

Es hilft mir, Körper und Geist im Gleichgewicht zu halten: Musik hören, durch den Wald laufen oder wie verrückt in meinem Lieblingsclub tanzen. Und mich nicht zu sehr von den sozialen Medien beeinflussen lassen—meinen eigenen Rhythmus verfolgen, auch in den schwierigsten Momenten.

Was bedeutet Kreativität für dich?

Alles und nichts zu sein—wie ein Sandkorn im Universum.

Schon in jungen Jahren zeigte Mattia Riami eine angeborene Leidenschaft für Zeichnen und visuelle Künste. Er verfeinerte seine Fähigkeiten an der Kunstschule in Venedig und dem IED in Mailand. Seine Arbeit zeichnet sich durch einen „schnellen, nihilistischen und nervösen“ Stil aus, ergänzt durch einen raffinierten Einsatz von Farben, die an die warmen, nostalgischen Paletten von Vintage-Werbung aus den 1940er- und 1950er-Jahren erinnern.

Für Foscarinis „What’s in a Lamp?“-Projekt – bei dem Künstler, Designer und Kreative eingeladen werden, Licht durch Foscarini-Lampen zu interpretieren – erkundet Riami das tägliche Leben durch sechs Illustrationen, die Szenen vertrauter Normalität zeigen. Doch immer gibt es ein unerwartetes Detail, das die Perspektive auf den Kopf stellt: Foscarini-Lampen verwandeln sich in Wolken, Raumschiffe und Trompeten und werden so zum besonderen Element, das das Gewöhnliche außergewöhnlich macht. Dies schafft eine Atmosphäre der Freiheit und Leichtigkeit und lädt dazu ein, die Welt aus einer neuen Perspektive zu betrachten.

Riami’s Illustrationen sind gleichzeitig vertraut und traumhaft und offenbaren die transformative Kraft der Foscarini-Lampen auf eine ganz besondere Weise. Genau wie in den Illustrationen übersteigen diese Lampen ihre bloße Funktionalität und verwandeln jeden Raum in eine Umgebung, die die Persönlichkeit derer widerspiegelt, die sie wählen – sie erzählen Geschichten und drücken Wünsche und Emotionen aus.

Entdecken Sie Riamis vollständige Serie für „What’s in a Lamp?“ auf Instagram @foscarinilamps und tauchen Sie tiefer in seine künstlerische Vision ein in unserem Interview.

Wie begann Ihre künstlerische Reise? Wussten Sie immer, dass Kunst Ihr Weg sein würde?
„Ja, in dieser Hinsicht hatte ich großes Glück; ich habe schon immer gezeichnet, seit ich ein Kind war. Ich zeichnete, ohne zu wissen, dass es einmal mein Beruf, meine Ausdrucksweise werden würde – ich zeichnete einfach. Ich zeichnete Disney-Figuren, kopierte Abbildungen aus illustrierten Büchern und bastelte meine eigenen Prototyp-Bücher, indem ich ein paar A4-Blätter zusammenheftete, um meine Geschichte zu erzählen. Als ich älter wurde, wurde mir immer bewusster, dass dies etwas Ernsthaftes werden könnte, und so konzentrierte ich mein Studium auf die visuellen Künste, um aus diesen Kindheitsspielen meinen Beruf zu machen.“

Was motiviert Sie zum Schaffen und woher kommt Ihre Inspiration: Neugier, die Suche nach Bedeutung oder reine visuelle Ausdruckskraft?
„Ich muss sagen, reine visuelle Ausdruckskraft zieht mich stark an und beeinflusst mich. Im Alltag werde ich von vielen visuellen Reizen angezogen – Zeichnungen, Illustrationen, Gemälde, Plakate und vieles mehr – und das weckt in mir den Wunsch, einfach nur Formen und Farben auszudrücken, die in mir aufkommen. Während der Entwurfsphase jedoch bekommen all diese Formen eine Bedeutung, und ich genieße es, eine Geschichte hinter jedem Projekt aufzubauen, so wie ich es bei ‚What’s in a Lamp?‘ getan habe.“

Ihr grafischer Stil ist unverwechselbar und wiedererkennbar. Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben und wie hat er sich im Laufe der Zeit entwickelt?
„Ich würde ihn mit einigen Worten beschreiben, die andere verwendet haben, um ihn für mich zu beschreiben: ‚eine schnelle, nihilistische und nervöse Linie.‘ Ich bestätige das; ich habe immer eine sehr physische Beziehung zu meiner Arbeit, sei es auf Papier oder mit digitalen Pinseln. Ich benutze energisch Bleistifte auf Papier, manchmal durchbohre ich es sogar versehentlich oder habe Angst, den Bildschirm zu beschädigen. Ich mag es, dass der Weg, den meine Hand nimmt, um diese Linie zu ziehen, spürbar ist, und ich fühle eine geheimnisvolle Kraft, die mich dazu drängt, auf eine bestimmte Weise zu zeichnen oder zu kolorieren. Mein Ansatz war schon immer so, beeinflusst von meinen Professoren am IED in Mailand, aber er hat sich im Laufe der Zeit durch Studium und Forschung verfeinert.“

In dieser Serie zeigen Sie Szenen des alltäglichen Lebens, insbesondere häusliche Szenen, in denen Lampen zu transformierenden Elementen werden, die die Wahrnehmung der Szene magisch verändern und neue, unerwartete und surreale Interpretationen schaffen. Können Sie uns mehr über die Inspiration hinter dieser Arbeit erzählen?
„Natürlich, das war der unterhaltsamste Teil! Ich wollte ein Gefühl des Alltagslebens vermitteln und die Lampen spielerisch in Objekte verwandeln, die anders sind, als sie erscheinen, so als wären die Figuren in den Illustrationen überrascht, dass eine Lampe einem anderen Objekt ähnelt oder eine andere Verwendung hat. Wie damals, als wir Kinder waren und eine leere Küchenpapierrolle als Fernrohr oder Megafon benutzt haben. Ich ließ mich von den Formen der Lampen inspirieren und versuchte, in die Kindheit zurückzukehren! So sah ich Wolken, ein Raumschiff, eine Trompete, einen Baseballschläger und vieles mehr; ich hätte dieses Spiel endlos fortsetzen können.“

Welche Illustrationen dieser Serie sind Ihre Favoriten und warum?
„Mein absoluter Favorit ist NUEE, weil ich denke, dass er perfekt die Mischung aus Surrealität und Realität einfängt, die ich anstrebte. Ich liebe auch MITE aus demselben Grund und LE SOLEIL wegen seiner Atmosphäre der Freiheit und Leichtigkeit.“

Es ist bemerkenswert, wie Sie mit wenigen Strichen ganze Geschichten, Leben, Situationen und Emotionen erzählen. Können Sie den erzählerischen Aspekt Ihres kreativen Prozesses erklären?
„Instinktiv nutze ich immer die menschliche Figur in meiner Arbeit; es kommt selten vor, dass ich eine Landschaft ohne Menschen oder andere Subjekte zeichne. Der Mensch wird somit zum Protagonisten meiner Werke, und seine Emotionen bilden die Grundlage, auf der ich meine Geschichten aufbaue. Durch die Protagonisten kann man lesen und erahnen, was passiert, was die Geschichte ist und welche Situationen und Ereignisse sie prägen. Ich denke an die Illustration der TOBIA-Lampe, wo wir ein Paar sehen, das gerade eingezogen ist und beginnt, Kartons auszupacken – mit der Freude und Aufregung eines neuen Zuhauses, wobei sie die Lampe wie eine Trompete benutzen, um die Euphorie des Moments zu feiern. Es könnte aber genauso gut um neue Einkäufe für das Haus gehen; die Atmosphäre bleibt dieselbe, und der Betrachter sieht, was für ihn am meisten mit seiner eigenen Erfahrung in Resonanz steht.“

Was interessiert Sie am meisten an der Realität um Sie herum?
„Das ist schwer zu beantworten; sicher fasziniert mich die Natur, und ich würde sie gerne noch mehr kennenlernen und erkunden – die Formen von Pflanzen, Blättern, Blumen, Wolken – sie sind wahre natürliche Architekturen oder Designwerke. Ich bin auch immer von visueller Kommunikation im Allgemeinen fasziniert: Mein Auge bleibt oft an Plakaten, Buchumschlägen oder allem Visuellen hängen. Ich mache viele Fotos mit meinem Handy, um später zu untersuchen, was mich angezogen hat.“

Wie würden Sie Ihre Beziehung zu Farbe in Ihrer Arbeit als Illustrator beschreiben? Was hat Ihre Farbwahl für Ihre Serie „What’s in a Lamp?“ geleitet?
„Meine Beziehung zur Farbe hat sich in den letzten Jahren erneuert. Vor einiger Zeit, nach meinem Studium, habe ich hauptsächlich in Schwarz-Weiß gezeichnet und nur gelegentlich ein paar Farbakzente gesetzt. Sicherlich hat der Einfluss der vielen farbenfrohen Illustrationen, die ich um mich herum gesehen habe, in mir den Wunsch geweckt, meine eigenen Werke zu kolorieren. Ich denke, ich wurde auch von der wunderbaren Arbeit von Jean-Charles de Castelbajac beeinflusst, einem Meister, der über zwei Jahre lang mein Art Director war. Ich bin fasziniert von Vintage-Werbeplakaten der 1940er- und 1950er-Jahre; ich habe diesen Stil schon immer geliebt und habe schon immer Filme aus dieser Zeit in Schwarz-Weiß gesehen. Ich liebe die Hände, die weiße Zigaretten halten, die Kleidung, die Hüte und die Mode jener Zeit. Dies hat meine Art beeinflusst, Figuren – sowohl männliche als auch weibliche – zeitgenössisch und modern zu zeichnen, aber mit einem Hauch von Vergangenheit. Die Farbpalette, die ich für ‚What’s in a Lamp?‘ verwendet habe, spiegelt diese alten Werbungen wider; ich habe Schattierungen studiert, die auch eine gewisse Wärme vermitteln.“

Neben den Inspirationsquellen, die Sie bereits erwähnt haben, gibt es noch andere Meister, die Ihre künstlerische Vision besonders beeinflusst haben?
„Wenn ich an große Meister denke, fallen mir Egon Schiele, Picasso und vor allem Jean-Michel Basquiat ein, ebenso wie Keith Haring, der einer meiner absoluten Idole ist, mehr wegen seiner Persönlichkeit als wegen seines Stils. Zeitgenössische Künstler wie Marlene Dumas haben mich ebenfalls beeinflusst. Comics, insbesondere Graphic Novels, und Illustratoren wie Adelchi Galloni, der mein Lehrer am IED Mailand war, haben auch einen großen Einfluss auf mich gehabt.“

Haben Sie ein Ritual oder bestimmte Gewohnheiten, wenn Sie an Ihren Illustrationen arbeiten?
„Meine Methode besteht darin, zunächst zu recherchieren und zu reflektieren, was das Projekt erreichen soll. Das führt zu den ersten Ideen, die ich schnell in Tagebüchern notiere, die ich führe, wirklich nur unverständliche Kritzeleien, um die Idee festzuhalten. Dann gehe ich zu aufwändigeren Entwürfen über und schließlich zum fertigen Werk. Die Geschichte entsteht in den ersten beiden Phasen.“

Was bedeutet Kreativität für Sie?
„Ich denke, Kreativität ist die Fähigkeit, die Welt anders zu sehen, sich Möglichkeiten jenseits des Gewöhnlichen vorzustellen und abstrakte Ideen in greifbare Realität zu verwandeln. Es ist ein dynamischer Prozess, der Intuition, Inspiration und persönlichen Ausdruck beinhaltet, aber manchmal ist es auch Disziplin und ständige Bemühung, sich zu verbessern; es ist nicht immer einfach!“

Antje Damm, eine Künstlerin aus Wiesbaden, Deutschland, hat sich einen Namen in der Welt der Kinderliteratur und Illustration gemacht. Ursprünglich Architektin, wandte sie sich später dem Schreiben und Illustrieren von Kinderbüchern zu und erhielt internationale Anerkennung, darunter den “Best Illustrated Children’s Books” Preis der New York Times / New York Public Library.

Antje bringt ihre originäre künstlerische Vision in das redaktionelle Projekt “What’s in a Lamp?” von Foscarini ein, indem sie komplexe Dioramen in kleinen Streichholzschachteln schafft. Diese kleinen Welten faszinieren durch ihren verspielten und unbeschwerten Charakter und spiegeln gleichzeitig die Seele und das Wesen der Foscarini-Lampen wider. “Lampen sind nicht nur Lichtquellen; es sind physische, skulpturale Objekte, die unsere Lebensräume bereichern”, erklärt die Künstlerin. “Gutes Licht ist für jeden Raum unerlässlich, und es war aufregend, sich vorzustellen, in welcher Umgebung welche Lampe passt, indem ich alltägliche Situationen mit unerwarteten und besonderen Situationen vermischte.”

Antjes architektonischer Hintergrund kommt in ihrem präzisen Ansatz zur Gestaltung dieser Matchbox-Szenen zum Ausdruck, wobei sie die expressive Freiheit der Illustration mit einem experimentellen und akribischen Ansatz ausbalanciert, der an ihre architektonische Ausbildung erinnert. Jede Szene ist sorgfältig aufgebaut und kombiniert Techniken wie Zeichnung, Collage und Papierausschnitte, um ein eindrucksvolles und einnehmendes narratives Erlebnis zu schaffen. So findet beispielsweise die Stehleuchte Havana ihren Platz in einem fast magisch anmutenden Wald, während Orbital zum zentralen Punkt einer häuslichen Szene wird, dank seines “fantasievollen und einzigartigen Designs, das mich an Calders kinetische Mobile erinnert, die ich liebe”, erklärt Antje. In einem anderen Diorama wird die Pendelleuchte Big Bang zu einem dynamischen und skulpturalen Gegenstück zu einem Kunstwerk in einer Galerie.

Entdecken Sie alle Dioramen von Antje Damm auf dem Instagram-Profil @foscarinilamps und tauchen Sie durch unser Interview tiefer in ihre faszinierende künstlerische Reise ein.

Hallo Antje! Kannst du ein wenig über deine künstlerische Reise erzählen und was dich dazu inspiriert hat, Künstlerin zu werden?

Das Zeichnen und Malen ist für mich schon immer die Möglichkeit von mir und dem, was in mir vorgeht, zu erzählen und das habe ich schon als kleines Kind oft und mit viel Freude gemacht.

Ich habe einige Jahre als Architektin gearbeitet und bin vor ca. 20 Jahren mehr durch Zufall zum Schreiben und Zeichnen von Bilderbüchern gekommen. Irgendwann musste ich mich entscheiden was ich in den Focus stelle, denn Beides zu machen, war einfach neben 4 Kindern zu viel. Die Arbeit als Künstlerin, Autorin und Illustratorin ist für mich ein Traumjob. Ich kann sehr frei und selbstbestimmt arbeiten und immer wieder neue Wege gehen, denn ich bin ein neugieriger Mensch der gerne Neues ausprobiert und den Pfad immer wieder verlässt.

Jedes Buch ist anders und immer wieder eine neue Herausforderung, und eine visuelle Umsetzung einer Idee immer wieder ein Wagnis.

Wie hat dein Hintergrund in Architektur deinen Ansatz für visuelles Erzählen und Illustration beeinflusst?

Im Grunde ist die Entwicklung eines Architekturkonzepts und die eines Buchkonzepts sehr ähnlich. Und in meiner Arbeit als Architektin habe ich natürlich viele Modelle gebaut und daran gearbeitet. Für manche meiner Illustrationen, für die ich aus Papier und Pappe Kulissen baue und dann abfotografiere, arbeite ich genauso. Es ist eine spielerische Rangehensweise, sehr experimentell und frei. Ich kann leicht ändern, hinzufügen und dann auch durch die Fotos focussieren und beeinflussen und ich mag es dreidimensional zu arbeiten.

Deine Verwendung von verschiedenen Materialien ist sehr charakteristisch. Wie würdest du deinen Stil beschreiben?

Im Grunde genommen finde ich es schwierig, das festzulegen. Ich illustriere meine Bücher sehr unterschiedlich, denn es sind auch ganz unterschiedliche Konzepte. Ich mische verschiedene Techniken, wie Zeichnung, Collage, digitale Illustration, und setzte sie je nach Projekt ein. In einem neuen Buch habe ich z.B. mit Scherenschnitten gearbeitet, weil ich diesen hohen Grad an Abstraktion mag, es unbedingt ausprobieren wollte und es sehr gut zu der Geschichte gepasst hat.

Wir sind neugierig auf deine Streichholzkunstwerke. Wie kam die Idee, Streichholzschachteln als Leinwand zu nutzen, zustande?

Während der Coronapandemie sind die ganzen Lesereisen ausgefallen und ich hatte plötzlich viel mehr Zeit. So kam mir die Idee, diese kleinen Streichholzschachteldioramen zu bauen. Inzwischen mögen vieler Leute meine kleinen Kunstwerke und möchten selber Eins besitzen.

Und mir macht es einfach großen Spaß sie zu bauen. Das ist Entspannung und Ausgleich für mich, aber auch die Herausforderung, auf so begrenztem Raum eine Geschichte zu erzählen.

Kannst du Einblicke in deine kreative Routine geben? Wie pflegst du Inspiration und überwindest Herausforderungen während des künstlerischen Prozesses?

Ich arbeite zuhause und habe hier ein Arbeitszimmer das mir eigentlich immer ein bisschen zu klein ist. Andererseits wohnen wir direkt am Wald und ich brauche die Natur um kreativ zu sein.

Ich bin viel Draußen, staune über die Veränderung der Jahreszeiten, sammele Pilze und beobachte Pflanzen und Tiere, aber ich gehe auch viel in Ausstellungen und brauche immer wieder neuen Input.

In deiner Serie für “What’s in a lamp?” werden Foscarini-Lampen Teil von Geschichten, die im begrenzten Raum einer Streichholzschachtel erzählt werden. Wie hast du Foscarinis Lampen in diese winzigen Erzählungen integriert, und welche Herausforderungen oder Freuden hattest du dabei, gleichzeitig mit Lampen und Schachteln zu arbeiten?

Möbel- und Lampendesign hat mich schon immer begeistert und war ja auch lange Zeit Teil meines Jobs als Architektin. Ich liebe schöne Dinge und Lampen sind für mich nicht nur ein Leuchtmittel, sondern ein Designobjekt oder eine Skulptur, die ich mir immer wieder gerne ansehen möchte. Und gutes Licht ist für jeden Raum wichtig, es begleitet uns ständig und macht den Raum nutzbar, den wir brauchen. Aber es ist einfach auch viel mehr als das.

Insofern war es spannend für mich, mir zu überlegen, in welchem Räumen ich welche Lampe gerne platzieren möchte. Ich wollte auf jeden Fall einige Besondere, aber auch ganz normale und alltägliche Situationen schaffen.

Was hat dich in diesem Projekt inspiriert?

Der Reiz diese kleinen Szenen mit den Lampen zu entwickeln, lag für mich darin, dem Spirit der Lampen nachzuempfinden. Was denke ich, wenn ich sie ansehe, wo können sie gut wirken. Bei der Havana-Lampe dachte ich, daß sie gut in die Natur passt. Sie hat etwas Archaisches an sich.

Wie hast du die Lampen ausgewählt, die in diesen Miniatur-Szenen vorkommen sollen?

Ich habe die Lampen gewählt, die mich besonders beeindruckt haben. Big Bang ist eine interessante Skulptur, die immer wieder anders aussieht. Und ich habe auch eine kleine und witzige Lampe, wie die Fleur ausgesucht, weil dies auch das große und spannende Spektrum zeigt, das Lampen abdecken können.

Hast du ein persönliches Lieblingskunstwerk aus deiner Serie “What’s in a lamp?”, und wenn ja, warum?

Besonders mag ich die Schachtel mit der Orbital Lampe. Das ist meine Lieblingslampe, weil sie lustig und so besonders ist und sie mich an die Mobiles von Calder erinnert, die ich sehr liebe.

Und ganz allgemein, was porträtierst du am liebsten?

Szenen aus der Natur und kleine Räume die eine ganz besondere Atmosphäre haben.

Deine Kunst hat eine universelle Anziehungskraft, die Sprachbarrieren überwindet. Wie verschmelzt du Illustration und Geschichtenerzählen in deinem kreativen Prozess?

Das Wichtige beim Kinderbüchermachen ist, das man in den Bildern eigene Geschichten erzählt, die einen Text ergänzen und weiterspinnen oder Neues hinzufügen, Fragen stellen oder sogar konterkarieren können. Das tolle ist ja, das Bilder Jeder lesen kann, egal welche Sprache er spricht.

Deine Illustrationen zeichnen sich durch eine kraftvolle Farbpalette aus. Wie triffst du Entscheidungen bezüglich der Farben, und welche Rolle spielen sie bei der Vermittlung der Stimmung deiner Werke?

Farben drücken Gefühle aus und die setzte ich natürlich ein. Aber ich arbeite da sehr intuitiv und überlege nicht viel. In meinem Bilderbuch „Der Besuch“ kann man sehr gut sehen, wie man mit Farben erzählen kann. Da besucht ein kleiner Junge eine ältere Frau und bringt durch diesen Besuch Farbe in ihr graues Leben.

Deine Arbeit bietet eine einzigartige Perspektive auf die Realität. Was bedeutet Kreativität für dich und wie pflegst du diese Kreativität?

Für mich gehört das zum Leben dazu. Damit meine ich nicht nur meine Arbeit. Vielleicht ist Kreativität auch die Kunst, im Leben immer wieder Lösungen und Wege zu finden, auch, wenn es mal nicht gut läuft. Das hat auch viel mit Hoffnung zu tun.