Zwischen Natur und Traum: die Landschaften aus Papier und Licht von Helen Musselwhite für Foscarini

In ihrem Studio in Manchester, an den Toren der englischen Landschaft, formt Helen Musselwhite verzauberte Landschaften, indem sie Papierausschnitte mit einer Meisterschaft schneidet und übereinanderlegt, die Handwerkskunst, künstlerische Vision und Innovation vereint. Ihre Kunst erkundet die Schönheit der Natur mit einer akribischen Detailgenauigkeit: Von kleinen Tieren bis zu verzauberten Landschaften ist jedes Element mit Präzision und Poesie gebaut, und ein einfaches Material wie Papier erzeugt narrative Szenarien, die voller Suggestionen sind.

Für das Projekt What’s in a Lamp? von Foscarini hat die britische Künstlerin eine Reihe von Werken geschaffen, die einige Foscarini-Lampen neu interpretieren, die aus denen ausgewählt wurden, bei denen das Design oder der Name Elemente der natürlichen Welt evocieren.

Durch ihre unverwechselbare Layering-Technik – eine sorgfältige Konstruktion, Schicht für Schicht, mit Papieren unterschiedlicher Gewichte und Farben – wird jede Lampe in eine dreidimensionale Erzählung eingefasst, die sich aus ihrer Form entwickelt und Emotionen sowie Visionen evoziert. In diesen Kompositionen ist Licht nicht nur ein Motiv: Es ist ein lebendiges Material, das mit dem Papier in Dialog tritt, die Szenen formt und Schatten, Tiefe und Rhythmus erzeugt. Das Ergebnis sind Werke, die sowohl zart als auch komplex sind und uns in eine Dimension zwischen Traum und Realität versetzen, in der jede Lampe zu einem Zugangstor zu einer Welt wird, die es zu entdecken gilt.

Entdecke das imaginäre Universum von Helen Musselwhite: Lies das vollständige Interview, um ihre kreative Vision besser kennenzulernen. Folge dem Projekt What’s in a Lamp? auf Instagram und lass dich von den kommenden Kunstwerken inspirieren.

Erzählen Sie uns ein wenig über sich und Ihren Werdegang. Gab es einen Moment oder eine Erfahrung, die Sie dazu bewegt hat, eine Karriere in der Kunst einzuschlagen?

Ich komme aus einer Familie von Künstlern und kreativen Hobbymenschen. Schon als Kind war ich von Beispielen für Kreativität umgeben: Mein Großvater malte mit Ölfarben, während er klassische Musik hörte, mein Vater reparierte alles Mögliche, von Spielzeugen bis hin zu Traktoren, und meine Mutter, die die Hauptquelle meiner kreativen Interessen war, experimentierte ständig mit neuen künstlerischen Aktivitäten und ermutigte mich, dasselbe zu tun. Der Einfluss dieses Geistes ist in allem, was ich tue, präsent, und dafür bin ich wirklich dankbar.

Wie würden Sie Ihren Stil beschreiben?

Mein Stil ist grafisch, farbenfroh und komplex. Er basiert stark auf Handwerk, Prozess und Detail. Früher habe ich nach Perfektion gestrebt, aber in letzter Zeit versuche ich, die Unvollkommenheiten zu akzeptieren, die zwangsläufig aus meiner Handarbeit entstehen, ein bisschen im Sinne des Wabi Sabi. Ich denke, es ist auch eine Reaktion auf die KI.

Was hat Sie an Papier als Hauptmaterial fasziniert? Und was fasziniert Sie noch an seinen unendlichen Möglichkeiten?

Ich habe angefangen, Papier zu verwenden, weil es ein einfaches, zugängliches und sehr vielseitiges Material ist. Die ersten Arbeiten waren alle weiß, und ich mochte die Idee, dass sie, obwohl sie Komplexität und Detail hinzufügten, eine ruhige und minimale Qualität behielten, weil es weiß auf weiß war. Aber bald kam die Farbe! Die ursprünglichen Gründe, warum ich mich für Papier entschieden habe, faszinieren mich immer noch: Ich liebe es, dass ein einfaches Blatt in alles verwandelt werden kann, was meine Kreativität sich wünscht.

Ihre dreidimensionalen Papierarbeiten sind für ihre Komplexität, den Einsatz lebendiger Farben und eine starke narrative Komponente bekannt. Wie haben Sie diesen so markanten Stil entwickelt?

Meine Arbeit liegt zwischen 2D und 3D; am besten lässt sie sich als 2,5D beschreiben. Manchmal wird meine Arbeit vollständig dreidimensional, aber ich mag es, in diesem Zwischenbereich zu bleiben. Ich habe angefangen, Papier und die Technik des Layerings zu verwenden, weil ich mich im traditionellen 2D nicht sicher fühlte. Außerdem, da ich nicht digital illustrieren gelernt habe, hatte ich das Bedürfnis, etwas Originelles hinzuzufügen, etwas, das mich auszeichnet.

In den letzten Jahren habe ich mich sehr auf den narrativen Aspekt meiner Arbeit konzentriert, oft inspiriert von Kindheitserinnerungen: der Freude und dem Staunen, das ich beim Besuch von Miniaturdörfern empfand, beim Erstellen von Gärten auf Keksdosen und insbesondere einige hawaiianische Bilder, die einem Onkel gehörten, die aus Schichten von Papier, Rinde und Zweigen bestanden. Ich wollte wirklich in diese Welten eintauchen, mich verkleinern und hindurchlaufen!

Wie fügt sich diese Zusammenarbeit im Projekt What’s in a Lamp? in Ihren künstlerischen Ansatz ein?

Ich war sehr froh, zu What’s in a Lamp? beizutragen. Mein Interesse an Kreativität erstreckt sich auch auf Innen- und Produktdesign, und Foscarini ist eine Marke, die ich aufgrund ihrer Innovation, Einzigartigkeit und Handwerkskunst mit Interesse verfolge. All diese Elemente sind das, was ich bewundere und in meiner Arbeit zu reproduzieren versuche.

Was ist Ihr kreativer Prozess, wenn Sie an Ihren Arbeiten arbeiten? Haben Sie bestimmte Rituale oder Gewohnheiten, die Sie folgen, um Ihre künstlerische Vision zu fördern?

Mein kreativer Prozess ist hauptsächlich analog. Er beginnt mit schnellen Notizen und Skizzen, die ich dann mit einem Kopierer vergrößere und verfeinere, indem ich Schichten und Details entscheide. Ich füge meinen Skizzen Farbe mit Markern hinzu, was ich sehr liebe und schon seit meiner Kindheit mache, auch wenn ich damals einfache Marker verwendet habe und nicht die teuren, die ich heute benutze!

Dann geht es zur Umsetzungsphase: Die Schichten und Elemente werden auf das Papier übertragen, ausgeschnitten und zusammengebaut. Die letzte Phase ist die Fotografie, in der ich in die digitale Welt eintauche, allein oder vorzugsweise mit einem professionellen Fotografen. Ich würde mir wünschen, dass mein Prozess ordentlicher wäre, aber leider wird mein Studio immer ein Chaos, also mache ich nach jedem Projekt eine gründliche Reinigung, um mich auf den nächsten Schritt vorzubereiten! Ein weiterer wichtiger Teil meines Tages ist ein Spaziergang. Das habe ich früher mit unserem Labrador Earl (RIP) gemacht und tue es auch weiterhin. Ich verbringe viele Stunden damit, sich wiederholende Aufgaben zu erledigen, daher brauche ich eine Pause, sowohl für den Körper als auch für den Geist. Ich hoffe auch, bald einen neuen vierbeinigen Freund zu haben, mit dem ich spazieren gehen kann…

Könnten Sie uns das zentrale Konzept oder die Inspiration hinter der Serie What’s in a Lamp? näher erklären?

Die Inspiration hinter der Serie What’s in a Lamp? stammt von der Idee der Designer oder den Namen der Lampen, die ich ausgewählt habe. Der rote Faden, der die verschiedenen Arbeiten verbindet, sind die Silhouetten, die als Rahmen dienen, durch die Schichten und Details im Inneren sichtbar werden. Dieser Ansatz hat gut funktioniert, um die Form und den Umriss der Lampen zu definieren und die Geschichten sowie die Designkonzepte innerhalb der Formen selbst hervorzuheben.

Die Natur spielt eine zentrale Rolle in Ihrer Arbeit. Wie hat sich diese Verbindung in dieser Serie manifestiert? Gab es eine bestimmte Emotion oder Geschichte, die Sie vermitteln wollten?

Einige der Lampen, die ich ausgewählt habe, sind mit der Natur verbunden, sowohl im Namen als auch im Design. Aus diesem Grund waren sie eine natürliche Inspirationsquelle.

Hast du ein Lieblingswerk aus dieser Serie? Was macht es besonders?

Birdie und Gregg waren die ersten, die ich ausgewählt habe. Mir gefiel die Idee, dass sie einen flüchtigen Moment erhellen: Ein Vogel, der fliegt, und nachtaktive Kreaturen, die im Licht vorbeiziehen, das sie projizieren.

Was bedeutet Kreativität für dich?

Für mich bedeutet Kreativität, inspiriert zu werden, etwas zu denken, zu tun oder zu erschaffen. Es ist etwas Flüchtiges, das manchmal schwer zu fassen und zu definieren ist, aber immer um uns herum ist.