Photographier l’imagination
L’intelligence artificielle et la sensibilité humaine se rejoignent dans le projet de Massimo Gardone pour Foscarini : un récit visuel qui marie la sensibilité d’un artiste à la capacité générative de l’intelligence artificielle, pour offrir une nouvelle manière de raconter la lumière.
Toujours à la recherche de langages originaux et inédits, non seulement liés au produit mais aussi à sa narration, Foscarini explore un nouvel horizon visuel aux côtés de Massimo Gardone, photographe et collaborateur historique de la marque. Un projet qui interroge les potentialités de l’intelligence artificielle comme outil d’expression, toujours guidé par une main humaine, sensible et consciente. Une narration où la technologie devient un instrument amplifiant le regard humain, dans des environnements générés par l’IA accueillant des lampes photographiées dans la réalité.
La recherche, développée par Foscarini avec Gardone et son studio Azimut, poursuivait un objectif à la fois simple et ambitieux : apprendre à l’ordinateur à « voir » comme le photographe, restituant ce regard suspendu et délicat qui caractérise le travail que Gardone mène depuis des années avec le monde floral, ses sujets de prédilection – avec la mer – dans ses explorations personnelles. Des milliers d’images florales ont envahi la mémoire digitale de la machine, dans un processus long et méthodique où chaque nuance, chaque détail de pétale, chaque vibration chromatique était absorbé et recodé.
Avec ce nouveau projet photographique, la même sensibilité a été transposée aux espaces, dans un fascinant glissement d’échelle du petit au grand, du naturel à l’imaginé, du détail fragile et naturel de la fleur à la création de paysages domestiques accueillant les lampes Foscarini. Point central de ce parcours : les luminaires Foscarini restent réels, photographiés pour en préserver l’authenticité et habiter des espaces situés à la frontière entre réalité et suggestion. Le résultat n’est pas une reproduction du réel, mais un acte de traduction poétique.
« Ma recherche visuelle naît toujours de la curiosité, du désir de me laisser imprégner. J’ai appris à évoluer entre l’analogique et le numérique comme dans un dialogue continu ; deux langages différents, qui se frôlent et se complètent, ouvrant à chaque fois de nouvelles possibilités. »
Massimo Gardone
/ Photographe
L’expérimentation technologique est un terrain partagé par Gardone et Foscarini : pour tous deux, la technologie n’est pas une fin en soi, mais un moyen de donner forme aux idées. Dans le travail de Gardone, cette approche se traduit par un dialogue entre geste analogique et potentiel numérique, où l’intelligence artificielle est guidée, instruite et calibrée pour amplifier le regard humain, sans le remplacer. Le photographe insuffle sensibilité et intuition dans le processus technologique, offrant ainsi un récit inédit de la lumière Foscarini : un équilibre entre matière et imagination, réalité et vision.
« Avec mon regard, j’ai traversé les époques et les technologies : mes premières expérimentations se faisaient avec le grand format Polaroid 20×25, un film qui rendait l’impalpabilité des fleurs ; avec le numérique, je visais souvent le résultat inverse : je voulais explorer la matérialité du monde floral tout en étant plongé dans un univers évocateur et suspendu. La technologie m’a toujours fasciné. J’ai commencé avec un Amiga 1000 de Commodore : je passais des heures à jouer avec la lumière du tube cathodique, je posais les films photographiques sur l’écran et les refotographiais avec la Polaroid, en intervenant sur les couleurs du moniteur. Des gestes qui semblent aujourd’hui préhistoriques et qui me font penser à Wim Wenders, qui dans « Jusqu’au bout du monde » imagine un dispositif capturant les rêves à partir de l’activité du cerveau pour les transformer en images. Cette vision anticipait de plusieurs décennies les recherches actuelles sur l’IA. »
Massimo Gardone
/ Photographe
« Chez Foscarini, l’expérimentation n’est jamais une fin en soi, mais un moyen d’ouvrir de nouveaux horizons. Avec ce projet, aux côtés de Massimo Gardone, nous avons exploré les potentialités de l’IA comme outil de créativité et de narration, sans jamais renoncer à la sensibilité humaine qui fait partie de notre identité. C’est une approche qui nous offre de nouvelles possibilités de communication et nous permet de dialoguer avec notre public de manière toujours originale et distinctive. »
Carlo Urbinati
/ Fondateur et président de Foscarini
Un nouveau chapitre de la vocation de Foscarini pour l’expérimentation et l’exploration d’outils et de langages capables de créer de nouvelles opportunités. Une nouvelle manière d’affirmer l’identité de la marque, qui vit dans la lumière, mais aussi dans la pensée et la culture visuelle.
Pour What’s in a Lamp?, l’illustrateur et directeur artistique espagnol Jorge Arévalo représente les lampes et les designers de Foscarini avec sa signature inimitable : lignes essentielles, couleurs puissantes, élégance graphique. Un dialogue suspendu entre l’objet de design et l’auteur qui l’imagine.
Pour le projet What’s in a Lamp?, l’artiste italien Beppe Conti ne considère pas les lampes simplement comme des sources de lumière, mais comme des instruments qui révèlent l’invisible. Dans ses collages numériques, des fragments et des couches cachées émergent de l’obscurité, façonnés par la lumière des lampes Foscarini en espaces oniriques.
Avec son style inimitable, fait de formes essentielles et de couleurs franches, Peter Grundy transforme les lampes Foscarini en archétypes visuels des concepts et des valeurs qui définissent l’identité de la marque, dans le cadre du projet éditorial What’s in a Lamp?. Un exercice de synthèse et de vision qui nous invite à considérer la lumière non seulement comme une source, mais comme une signification.
L’univers artistique d’Helen Musselwhite est fait de papiers découpés, de plis et d’ombres qui racontent les merveilles du monde naturel. Pour What’s in a Lamp?, l’artiste réinterprète certaines lampes Foscarini en les transformant en paysages de papier oniriques.
Ery Burns apporte la spontanéité libre des doodles au projet What’s in a Lamp ? de Foscarini. Dans chaque dessin, la lumière devient une expression immédiate et imaginative, qui donne vie à des histoires inattendues, riches de détails, de couleurs vives et d’une touche d’humour.
Jim Stoten a réinterprété quelques icônes de Foscarini, en créant des animations hypnotiques qui, tels des portails, nous invitent à nous perdre dans un jeu de zoom infini et à explorer des univers cachés, où la couleur, la forme et l’imagination se mêlent dans une expérience visuelle vibrante.
La dernière série de Giona Maiarelli pour What’s in a Lamp? mêle les cultures italienne et américaine, utilisant le collage pour réinterpréter les lampes iconiques de Foscarini. Elle combine des images issues de magazines, livres et photographies anciens, réimaginées à travers le prisme de la mémoire et de l’imagination.
Bennet Pimpinella apporte son art cinématographique au projet What’s in a lamp ? Grâce à sa technique emblématique de grattage direct sur film, il transforme les lampes Foscarini en symboles d’émotions et de souvenirs, créant des scènes intimes imprégnées d’une atmosphère surréaliste et grunge.
La série d’illustrations de Mattia Riami pour le projet « What’s in a Lamp ? » transforme les lampes Foscarini en objets magiques. Grâce à une touche de surréalisme et de fantaisie, il modifie les perspectives et apporte un sentiment de merveille au quotidien.
Antje Damm enrichit le projet “What’s in a Lamp?” avec de charmants dioramas dans lesquels les lampes sont les protagonistes de narrations évocatrices, prenant vie à l’intérieur de boîtes d’allumettes.
