La forme d’une idée : Peter Grundy interprète Foscarini pour What’s in a Lamp?

Peter Grundy a bâti une carrière fondée sur la simplicité, et il est l’un des pionniers de l’infographie conceptuelle. De la fondation du studio Grundy & Northedge en 1980 à ses projets plus récents signés Grundini, il a choisi de travailler davantage avec l’information qu’avec la publicité, se consacrant à traduire des concepts complexes en images claires, accessibles et universelles. Son langage graphique est géométrique et narratif, caractérisé par l’équilibre et la réduction : un code visuel reconnaissable et distinctif, au service de l’idée avant même de servir l’image.

Pour What’s in a Lamp?, Grundy a choisi de raconter l’histoire de Foscarini à travers six lampes, six valeurs, six visions : Lumiere évoque l’internationalité, l’ouverture et la capacité du design Foscarini à dialoguer avec différentes cultures, chacune ayant sa propre manière de vivre la lumière ; Chouchin explore la maison comme refuge et espace personnel ; Buds incarne l’esprit d’avant-garde et l’élan vers l’avenir ; Binic célèbre la liberté créative ; Satellight raconte la personnalité des objets lumineux et leur lien émotionnel avec les gens ; Kurage rend hommage à l’artisanat, à l’harmonie entre l’esprit, la main et la matière.

Six illustrations, chacune enfermée dans la silhouette d’une lampe, animées par un système de symboles et d’icônes qui traduisent visuellement chaque valeur fondamentale. Chaque image de ce cycle narratif silencieux constitue un système dense, éloquent et autonome.

Il y a quelque chose de profondément philosophique dans la manière dont Peter Grundy aborde la forme. Ses images, réduites à l’essentiel, sont comme des idéogrammes contemporains. À une époque saturée de stimuli visuels, Grundy nous rappelle que la soustraction peut être plus radicale que l’ajout. Et qu’une lampe n’est pas seulement un objet qui éclaire : elle peut être une métaphore. De l’identité, du foyer, de la liberté. De la vision.

Suivez Foscarini sur Instagram pour découvrir l’intégralité du projet What’s in a Lamp? et lire l’interview complète pour approfondir la vision et l’approche artistique de Peter Grundy.

Peux-tu nous raconter brièvement ton parcours ? Comment es-tu arrivé à ce que tu fais aujourd’hui ?
En 1980, Tilly Northedge et moi avons fondé un studio pour explorer le design d’information d’une manière nouvelle, imaginative et personnelle. Premièrement, parce que personne d’autre ne le faisait. Deuxièmement, parce qu’au Royal College of Art, deux ans plus tôt, nous avions développé un intérêt pour un design plus axé sur l’explication que sur la vente.

Au cours des 26 années suivantes, avec Grundy & Northedge, nous avons redéfini ce que l’on appelle aujourd’hui l’infographie.

Comme l’a écrit un jour le magazine Graphis : « Dans le monde du design, la communication d’information n’a jamais eu le glamour d’autres disciplines. Concevoir une affiche peut faire du designer un artiste ; créer l’identité d’une multinationale en fait un stratège. Mais qui conçoit des plans pour des lotissements ou des instructions pour nouer un nœud papillon ? » Eh bien, c’était nous : Peter Grundy et Tilly Northedge.

En 2006, j’ai fondé Grundini pour me concentrer sur des projets plus petits et portés par la créativité, souvent en collaboration avec d’autres designers et agences. Angela Wilkinson, ancienne collègue de Scenario, a écrit : « Aujourd’hui, Peter Grundy, alias Grundini, affronte le chaos moderne en concevant des architectures simples, partagées et accessibles du futur. »

Quelles personnalités – designers, artistes, illustrateurs – ont marqué ta formation visuelle et créative ?
Benno Zehnder, qui m’a enseigné le style suisse à la Bath Academy of Art (1973–1976).
Lou Klien, qui m’a transmis l’esprit américain au Royal College of Art (1976–1979).

Tu dis souvent que ton style est né de la nécessité et de la simplicité. Que signifie pour toi “l’économie visuelle” et quel rôle joue-t-elle aujourd’hui dans ton travail ?
Nous avons créé un style de dessin en 1980 pour exprimer nos idées, en nous basant sur les méthodes géométriques apprises pour concevoir des symboles, des logos et des lettres. Ce style a évolué au fil des années, mais le principe est resté le même : communiquer des idées simplement et de manière universelle, sans mots.

Parle-nous du concept de ta série pour What’s in a Lamp?. Quelle histoire voulais-tu raconter à partir des silhouettes des lampes iconiques de Foscarini ?
Je trouvais intéressant de raconter une histoire propre à chaque lampe, qui reflète les valeurs de Foscarini. Les thèmes choisis sont : Internationalité, Maison, Avant-garde, Artisanat, Futur, et Humain.

Quelle valeur as-tu eu le plus de mal à traduire en langage visuel ?
Avant-garde.

Et laquelle a le plus résonné avec ta propre vision – celle qui t’a le plus inspiré ?
Avant-garde. Qu’y a-t-il de plus excitant qu’une vision du futur ? Mon idée est une lampe comme un système solaire, avec la Terre au centre et le futur qui gravite autour.

Tu travailles avec des images statiques, pourtant elles racontent toujours une histoire. Qu’est-ce qui fait la force d’une narration visuelle sans mouvement ni mots ?
Le cœur de tout design, c’est l’idée. L’idée précède toute image, symbole ou animation. J’ai fait un jour un schéma pour expliquer ma méthode de travail : il montre un iceberg – la partie visible est l’image, mais la plus grande partie, sous l’eau, c’est l’idée.

Comment choisis-tu les symboles ou icônes pour traduire des idées complexes en images ? Suis-tu une méthode ou ton intuition ?
J’invente des icônes et des symboles qui racontent une histoire de manière efficace et élégante, comme un langage écrit.

Comment abordes-tu la couleur ? Est-ce avant tout une question d’esthétique ou l’utilises-tu comme langage porteur de sens ?
La couleur joue deux rôles : elle sert de repère et rend les choses belles. Je choisis les couleurs instinctivement. Il m’arrive souvent de combiner des teintes qu’on penserait horribles ensemble – comme le rose et l’orange ou le brun et le gris – mais qui fonctionnent très bien lorsqu’elles sont utilisées dans les bonnes proportions. C’est quelque chose que j’ai appris en travaillant avec des architectes.

Les infographies sont nées pour simplifier. Les considères-tu encore comme un outil fonctionnel ou plutôt comme une forme d’art ?
Quand j’ai commencé à travailler, en 1980, personne ne faisait d’infographies de manière créative. Au Royal College of Art, à la fin des années 1970, nous avons vu une opportunité. À l’époque, la plupart des designers et illustrateurs travaillaient dans la publicité, le branding ou le packaging – les domaines “glamour” du milieu créatif. Lorsque Tilly Northedge et moi avons fondé Grundy & Northedge, notre objectif était d’aborder l’information avec la même créativité que la publicité ou l’identité visuelle….

Quel est le conseil le plus utile que tu aies reçu dans ta carrière ? Et celui qui t’a vraiment fait réfléchir ?
Il n’y a qu’une chose pire que d’être mauvais : être médiocre.

Que signifie la créativité pour toi ?
La liberté d’exprimer son individualité.