Categoría: Cultura

Jim Stoten, artista polifacético que vive y trabaja entre Hastings (Reino Unido) y Venecia, canaliza su imaginación sin límites en ilustraciones, animaciones y música. Su estilo audaz y caleidoscópico es fácilmente reconocible: una mezcla perfecta de juego y complejidad, intuición y reflexión. Profundamente espontáneo, Stoten deja fluir libremente las ideas, creando obras que nos invitan a sumergirnos en los mundos ocultos, vastos y fascinantes, que habitan su mente. “Trato de no pensar demasiado”, dice el artista, “Quiero que mi trabajo sea intuitivo y juguetón, como un descubrimiento continuo e infinito.”

En su serie para el proyecto editorial What’s in a Lamp? de Foscarini, Jim Stoten reinterpreta seis lámparas icónicas de la marca, transformándolas en animaciones con zoom infinito que funcionan como portales hacia otras dimensiones. Cada loop está inspirado en la estética del producto, en la inspiración que guió su diseño o en las sugerencias que tomaron forma en la mente del artista.

Hoba, con su forma orgánica que recuerda a un meteorito, da inicio a un viaje cósmico entre las estrellas, donde encontramos a un astronauta; Chapeaux, con sus difusores intercambiables, abre un desfile de sombreros diferentes, cada uno con una personalidad única, al igual que los difusores de la lámpara misma. Los suaves pliegues de Nuée dan forma a un paisaje nevado, ideal para un esquiador. Y luego Lumiere, Kurage y Orbital—cada animación nos transporta más profundamente al mundo de Stoten, invitándonos a perdernos en los detalles de sus narrativas superpuestas.

En esta entrevista exclusiva, exploramos la visión y la inspiración de Jim Stoten. Descubre cómo ha reinterpretado, con su estilo único, los diseños icónicos de Foscarini a través de sus animaciones con zoom infinito y déjate inspirar por toda la serie What’s in a Lamp? en Instagram.

Cuéntanos un poco sobre ti y tu recorrido como artista. ¿Cómo te convertiste en ilustrador?

Cuando era niño, siempre dibujaba por diversión. Cuando me inscribí y fui aceptado en el curso de Ilustración en la Universidad de Brighton, lo único que sabía sobre el curso es que fomentaba todo tipo de experimentación, lo cual me atrajo mucho. Durante los estudios hice mucha música, animaciones, dibujos, impresiones y pinturas, y gradualmente, después de mis estudios, llegué a donde estoy ahora.

¿Cómo conviven e influyen creativamente los dos lados de Jim Stoten: el ilustrador y el músico?

Todavía me gusta mucho experimentar con la creatividad. A veces, tanto con las imágenes como con la música, siento que llego a un muro, como si hubiera trabajado tanto que necesitara un descanso. En ese momento, vuelvo a algo que he dejado de lado por un tiempo, hasta que llego a otro bloqueo, y luego regreso al camino de antes. Básicamente, cada vez que me canso de dibujar, me dedico a la música, y cuando la música me cansa, vuelvo a dibujar.

Tu estética es única y fácilmente reconocible. ¿Cómo describirías tu estilo distintivo?

En realidad, no lo sé. Sé cómo lo describen los demás, pero no siempre veo lo que ven ellos. Creo que mi estética es tan personal porque está profundamente ligada a mi forma de pensar y a lo que me interesa transmitir.

Tenemos curiosidad por saber cómo tu estilo expresivo ha evolucionado con el tiempo. ¿Ha sido un proceso natural o el resultado de una búsqueda y experimentación intencional?

Ha evolucionado y cambiado con el tiempo. El trabajo que hago ahora es muy diferente al que hacía hace diez años, al menos en mi opinión. No ha sido un cambio intencional, simplemente sucede a medida que descubro nuevas cosas que me estimulan y me apasionan. La experimentación es lo que me entusiasma. Me gusta introducir elementos nuevos y dejar ir aquellos que ya no siento en sintonía.

¿Cuál es tu proceso creativo? ¿Tienes rituales o hábitos especiales cuando trabajas en tus obras?

Sí. Si estoy en mi estudio, me preparo una taza de café y pongo algo de fondo, normalmente una película que ya he visto o una vieja entrevista en televisión—algo que puedo escuchar y de vez en cuando parar a mirar. Si no estoy en mi estudio, pero tal vez en un tren, un avión o en un bar, solo escucho música con mis auriculares.

Hay una armonía extraordinaria entre simplicidad y complejidad en tus obras, donde ilustraciones coloridas y minimalistas se transforman en narrativas visuales inmersivas. ¿De dónde surge la inspiración para tus historias?

Las ideas suelen surgir de forma muy inmediata. Intento no pensar demasiado, porque creo que pensar demasiado en las ideas genera dudas infundadas sobre el valor de una idea o un concepto. Me gusta trabajar de manera muy intuitiva y espontánea, y el resultado es que lo que transmito cambia dependiendo de lo que me inspire mientras trabajo.

¿Qué te inspiró a colaborar con Foscarini en este proyecto?

Estaba emocionado con la libertad que este proyecto me ofreció. Me pareció una gran oportunidad para experimentar y comunicar al mismo tiempo, una combinación que encuentro muy estimulante. Es fantástico recibir briefs como este, donde me dan total libertad creativa.

¿Puedes compartir con nosotros el concepto y la inspiración detrás de tu serie para “What’s in a Lamp?”?

Para este proyecto, quise combinar el aprecio por la estética de los productos Foscarini con mi interpretación personal de la historia detrás de cada diseño. En ambos casos, mantuve un enfoque fresco y juguetón, para poder crear una atmósfera coherente que funcionara en las seis animaciones.

Entre las obras de tu serie What’s in a Lamp?, ¿hay alguna que prefieras?

No tengo un video favorito; me alegra haber creado todas estas obras. La serie completa es mi favorita.

Y más en general, ¿tienes un tema favorito para dibujar?

Los caballos.

Tus obras parecen ofrecer una visión alternativa y original de la realidad. ¿Cómo alimentas y cultivas esta perspectiva creativa tan singular?

Creo que mi cuaderno de bocetos juega un papel importante en esto. Siempre lo llevo conmigo y dibujo en él cada vez que tengo un momento libre. Es un espacio donde recojo ideas que aún no tienen un lugar, y las mezclo con lo que veo, escucho, recuerdo o lo que simplemente me impacta e inspira. Cada página de mi cuaderno de bocetos se convierte en una instantánea de todo lo que sucede dentro y a mi alrededor, y siempre me ofrece una base para empezar mis proyectos.

¿Qué significa para ti la creatividad?

La creatividad es un don. Permite a una persona procesar y digerir cualquier aspecto de la vida al que quiera prestar atención, al mismo tiempo que hace surgir algo nuevo, que antes no existía.

Artista, diseñador gráfico y curador, Giona Maiarelli nació en Italia y lleva más de veinticinco años viviendo en Estados Unidos, actuando como un puente entre dos culturas. Su obra se centra en el collage, un medio que se define por la aleatoriedad y la serendipia, combinando intuición y elementos táctiles con una sensibilidad estética que celebra la capacidad del arte para crear conexiones inesperadas y significativas.

“Para What’s in a Lamp?, Maiarelli ha creado una serie de collages que entrelazan la cultura italiana con una profunda exploración del imaginario colectivo estadounidense. Las icónicas lámparas de Foscarini, como Aplomb, Binic, Caboche, Chouchin, Nuée y Spokes, son el núcleo de estas obras, combinadas con imágenes de revistas vintage, libros y fotografías, generando composiciones visuales únicas que destacan la estética distintiva de cada lámpara mientras las sitúan en el contexto del mito estadounidense, con acentos a veces irónicos, a veces románticos.

“Mi objetivo era explorar la tensión entre la estética refinada italiana de las lámparas Foscarini y la robustez pragmática del paisaje estadounidense”, comenta Maiarelli. En su interpretación artística, Caboche se convierte en una joya circular emparejada con torres de agua estadounidenses, mientras que Spokes, con sus rayos, evoca el enredo caótico de cables eléctricos donde descansan los pájaros. Por su parte, Chouchin se transforma en un objeto volador que alude a la fascinación estadounidense por los fenómenos extraterrestres. Cada lámpara, así, se convierte en protagonista de una narrativa visual que combina diseño e imaginación, estética y relato.

Descubre más sobre esta colaboración y la serie completa de Giona Maiarelli en el canal de Instagram de Foscarini @foscarinilamps. Explora todas las obras del proyecto What’s in a Lamp?, donde artistas internacionales interpretan la luz y las lámparas de Foscarini.

Hola Giona, ¿puedes contarnos sobre tu trayectoria artística? ¿Cómo llegaste a abrazar el arte del collage y qué representa esta forma de expresión para ti?

Al inicio de mi carrera como diseñador gráfico, me encantaba reciclar los restos de papel y cartón usados en presentaciones para hacer un collage. Veía posibilidades expresivas en los desechos de mi trabajo. Luego vino un largo período dedicado a mi profesión, aunque siempre me atrajo el Dadaísmo y el collage, particularmente las obras del artista y poeta Jiří Kolář. Finalmente, en 2016, decidí regresar a mi pasión. “Redescubrir” el collage años después significaba redescubrir el placer de crear con las manos, que, como intermediarios entre la mente y el papel, se convierten en partes activas del proceso de creación. Los recortes de papel se mueven sobre el cartón, la intuición se convierte en acción, hasta que la composición se revela. Pero el ciclo no se completa hasta que el collage es visto por un público. Es solo cuando veo el collage a través de los ojos de otra persona que el ciclo se completa.

Tu enfoque en el collage es inmediatamente reconocible y único. ¿Cómo describirías tu estilo? ¿Cuáles son los elementos distintivos que lo definen?

La serendipia juega un papel fundamental en mis composiciones: incluso cuando tengo la intención de comunicar una idea específica, el collage se niega a ser acomodaticio y revela posibilidades expresivas y compositivas que no había considerado. Luego está el placer de la sorpresa: encontrar un libro del que cortar imágenes en una librería de segunda mano, descubrir el potencial en imágenes que al principio descarté, y finalmente, la sorpresa de una composición que se hace por azar en la página. Cada serie de collages comienza con un tema, pero el instinto juega un papel esencial.

D’où vient votre inspiration?

La inspiración surge junto al trabajo. Cuando comienzo una serie de collages, no tengo una idea en mente, solo el material sobre el que he decidido trabajar, elegido sobre una intuición. Después de unas horas, o a veces unos días, las ideas surgen por sí solas a través del trabajo mismo.

¿Qué te atrae más de la realidad que te rodea, y cómo traducís estas sugerencias en tu trabajo?

La mayoría de las series de collages que he producido son exploraciones de mi imaginación estadounidense personal: los paisajes del Oeste americano, la arquitectura modernista de los rascacielos de la posguerra en Nueva York, y las casas Case Study de California, el viejo Hollywood, las páginas del New York Times. Quizá inconscientemente, estoy procesando mi decisión de mudarme a los Estados Unidos, reclamando imágenes que ya estaban presentes en mi subconsciente.

Para el proyecto “What’s in a Lamp?” con Foscarini, creaste composiciones que asocian lámparas con imágenes evocadoras, a veces irónicas, a veces poéticas. ¿Puedes revelar la inspiración y el proceso creativo detrás de este trabajo?

Para What’s in a Lamp?, quería colocar las lámparas Foscarini en un contexto americano. Parecía ser la opción más obvia, dado que vivo en Estados Unidos, y el patrimonio visual americano es parte de mi vocabulario artístico.

En esta serie, el diálogo entre las dos culturas, italiana y americana, es muy claro. ¿Cómo se encuentran y se mezclan estas dos realidades en tus composiciones?

Mi objetivo era explorar la tensión entre la estética refinada de las lámparas Foscarini y la rugosidad pragmática del paisaje americano, jugando con el tamaño y el contraste entre las imágenes en color de los productos y las imágenes en blanco y negro de los paisajes. Al final, estos dos mundos, aparentemente tan distantes, se fundieron en un abrazo, a veces irónico, a veces poético.

¿Qué elementos específicos del imaginario colectivo americano trajiste a los collages que creaste para “What’s in a Lamp?”?

La forma y el material de las lámparas sugirieron ciertos caminos. Caboche apareció como un joya circular preciosa para combinar con un elemento austero del paisaje americano, como los tanques de agua. Aplomb encaja en el rostro del “hombre ideal” americano, creado combinando los retratos de cinco presidentes estadounidenses, reemplazando su sonrisa abierta con una sonrisa telegenic. Spokes, con sus delicados rayos, hace referencia a los cables eléctricos que se entrelazan en el cielo americano, de los cuales los pájaros nos observan, recordándonos su vocación de elegante aviario. Binic me recordaba a una brillante luna llena y me llevó hacia imágenes relacionadas con la exploración americana de nuestro satélite. Sabía desde el principio que al menos una de las lámparas se convertiría en un objeto volador, un fenómeno típicamente americano y fuente de teorías del complot ingenuas. Este destino recayó en Chouchin, brillante y técnicamente perfecta, como imagino un objeto volador proveniente de una civilización más avanzada podría ser, sorprendiendo a los transeúntes. Nuée es una nube ligera y aérea que intercepta a nuestro osado buceador y lo lleva en un viaje mágico.

¿Qué artistas o influencias han contribuido de manera significativa a la formación de tu visión artística? ¿Quién consideras tus maestros?

El artista y poeta checo Jiří Kolář, del que ya he hablado, ha tenido una gran influencia en mi trabajo. Y también la actitud despreocupada de los movimientos Dada y Futurista.

¿Tienes algún ritual o sigues hábitos cuando trabajas en tus collages?

Música, siempre.

¿Qué es la creatividad para ti?

Mi mentor, Milton Glaser, solía decir que la creatividad no existe; solo existe la imaginación. La creatividad no es más que la capacidad de imaginar, y luego crear, mundos que aún no existen.

Siempre en busca de soluciones originales y características, no sólo en el ámbito de los productos, sino también en la forma de explicarse, Foscarini replantea las convenciones comunicativas en los medios sociales típicas del sector y evoluciona su storytelling de una manera nueva y característica, transformando el feed del canal Instagram @foscarinilamps en un lugar virtual que da voz a exponentes conocidos o emergentes del mundo de las artes visuales, con el objetivo de regalar belleza, diversión y asombro.

Un proyecto caleidoscópico en el que se invita a artistas y creadores de contenidos internacionales de diferentes ámbitos, desde el arte digital a la fotografía, desde la ilustración al motion art, a dejarse inspirar y «jugar» con las lámparas Foscarini, cada una caracterizada por estilos, materiales y diseñadores diferentes.

Luca Font, polifacético artista italiano, abrirá la escena con una serie inédita de ilustraciones de inspiración modernista con rasgos geométricos y dinámicos, seguido por el conocido ilustrador israelí Noma Bar – maestro del Negative Space. Y luego: Federico Babina, Oscar Pettersson, Maja Wronska, Kevin Lucbert, Alessandra Bruni, Luccico y más artistas. Voces, estilos e interpretaciones únicas para explicar pensamientos, sensaciones y emociones suscitadas por las lámparas Foscarini, para subrayar sus formas, la idea que hay detrás de su concepto o el efecto que producen en un espacio. Un calendario repleto de visiones insólitas sobre el tema de la luz; un recorrido creativo que es la expresión de una reflexión sobre el papel que desempeñan las lámparas Foscarini en la transformación y definición de una idea personal de casa.