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Ery Burns est une artiste et illustratrice britannique, reconnue pour son style immédiatement identifiable, fait de coups de pinceau spontanés, de couleurs vibrantes et de motifs détaillés. Elle dit qu’elle a hérité de son esprit doodle de sa grand-mère, une artiste indienne ayant grandi au pied de l’Himalaya. Son coup de pinceau naît de l’intuition, se forme directement sur le papier, sans modèles préétablis, dans un flot qui entrelace formes organiques, motifs récurrents et une pointe d’ironie. Le résultat est un univers visuel oscillant entre la fantaisie et la réalité, capable d’éveiller cette étonnement enfantine que nous perdons souvent en grandissant.

Pour le projet What’s in a Lamp ? de Foscarini, Ery Burns a réinterprété les lampes de la marque à travers le prisme de son imagination et a exploré l’essence émotionnelle de la lumière. Elle y a vu des visages, des créatures et des mondes à découvrir, qu’elle a laissés prendre vie à travers ses lignes, se laissant guider par les formes et volumes des lampes, transformant chaque lampe en un récit visuel entre nature et fantaisie, avec un coup de pinceau ludique et hypnotique qui capte le regard.

Buds a pris la forme d’une figure curieuse et interrogative, Gregg est devenu un œuf fraîchement pondu, gardé par une créature mi-chauve-souris mi-chat, Twiggy joue, avec ironie et audace, dans un univers de rainbows et de motifs inspirés des années 60.

Dans cette interview, nous avons parlé avec Ery Burns de son approche spontanée du dessin et de la manière dont elle a réinterprété les lampes de Foscarini avec son coup de pinceau unique. Découvrez toute la série What’s in a Lamp ? sur Instagram.

Peux-tu nous raconter ton parcours jusqu’à devenir illustratrice ? Y a-t-il eu des moments clés qui ont façonné ton chemin ?

Je réponds toujours de la même façon à cette question, car il y a tellement de raisons positives qui me font adorer dessiner, et j’essaie toujours d’être une personne ordinaire ! Mais la vérité, c’est que j’ai grandi dans une famille nombreuse, ce qui ne signifie pas forcément qu’on ne peut pas se sentir seul ou ignoré. J’étais la benjamine de cinq enfants, donc j’étais toujours entourée de personnes et d’influences venant des aînés. Mon père était avocat (et un travailleur acharné), donc il n’avait pas beaucoup de temps pour nous.

Je me souviens que mes crayons de couleur étaient une sorte de refuge : je pouvais créer des mondes et laisser libre cours à mon imagination. Dessiner était comme de l’oxygène, cela m’aidait à trouver un équilibre. Chaque fois que je me sentais dépassée, je me réfugiais dans mes doodles. Donc, oui, le moment clé a été exactement cette fuite de la réalité ! Je dessinais chaque fois que je voulais échapper au monde autour de moi, ce qui, je dois l’admettre, incluait souvent l’école… je suis vraiment mauvaise en maths !

Tes doodles sont vivants, pleins de détails, de motifs et de couleurs vives. Comment as-tu développé ce style si reconnaissable ? Quelles influences ont contribué à son développement ?

J’ai toujours su, d’une manière ou d’une autre, que j’avais une façon unique d’interpréter le monde. Cela s’est fait de manière inconsciente, mais quand j’étais petite, il y a eu des moments où j’étais influencée par des artistes ou des animations qui se croisaient sur mon chemin.

Je suis née dans les films de Terry Gilliam et Monty Python, et dans les années 90, Keith Haring et Basquiat étaient partout. Je crois qu’ils m’ont influencée plus que je ne l’imaginais. J’ai aussi beaucoup aimé Kandinsky, qui partageait avec moi l’amour des détails et des lignes claires.

Peut-être que cela vient aussi du fait que j’étais entourée de musique iconique et de pochettes d’albums—mon père avait une collection incroyable : The Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Beatles, Cream.

Récemment, grâce à un test ADN, j’ai découvert que j’ai des ancêtres indiens et kazakhs, deux cultures incroyablement riches et colorées. Je suppose que cet héritage est quelque chose que je porte en moi, et qui influence d’une manière ou d’une autre mes doodles et ma manière de créer.

Le doodling est souvent associé à la spontanéité et à l’intuition. Combien de ton processus créatif est instinctif et combien est le résultat d’une vision claire et compositionnelle dès le départ ?

Cela dépend du projet, mais en général, les premières esquisses sont complètement spontanées, une explosion d’idées ! Pour Foscarini, j’avais une intuition sur ce à quoi l’œuvre finie devrait ressembler, mais c’était plus un sentiment qu’une image claire. Je ne pouvais pas encore la voir, mais je la sentais et je savais qu’elle prendrait forme sur le papier.

Comment sais-tu quand une œuvre est “terminée” ? Y a-t-il un moment où tu sens que tu as atteint le potentiel maximal de la pièce ?

On le ressent quand il y a un équilibre dans l’illustration—lorsque les éléments communiquent bien entre eux, lorsque le flux est harmonieux ou quand quelque chose n’est pas à sa place. Le choix de la palette de couleurs peut également faire ou défaire une œuvre. J’ai dû jeter une pièce que j’avais réalisée pour Foscarini parce qu’elle ressemblait à un mauvais Jurassic Park. C’est simple : quand c’est juste, on le sent.

Peux-tu nous parler de ton processus créatif lorsque tu développes un motif ?

J’essaie de le faire ! Je fais beaucoup de croquis et de recherches sur Google, surtout si je dois dessiner quelque chose de plus réaliste. Pour des projets comme des emballages ou des illustrations pour des canettes de bière, l’illustration doit capter immédiatement l’attention—plus c’est bizarre, mieux c’est ! Dans ces cas-là, je peux laisser ma fantaisie s’écouler plus librement. J’utilise beaucoup de détails aléatoires dans les lignes pour relier les images entre elles.

Y a-t-il des éléments récurrents ou des thèmes qui apparaissent naturellement dans tes dessins ?

Bonne question. Mon processus est assez instinctif, donc ce n’est pas toujours facile à expliquer. En général, je commence par une forme aléatoire, et à partir de là, elle se développe de manière organique, comme si elle grandissait à partir d’une petite “graine” d’Ery.

Je pense que les yeux et les mains apparaissent souvent dans mes dessins, peut-être parce qu’ils transmettent un sentiment de présence et de connexion. Je m’imagine que les personnages seraient tristes s’ils ne pouvaient pas voir ou toucher. Je fais souvent appel à des éléments de la nature, de l’évolution et une petite touche d’humour.

La couleur est un élément essentiel dans ton travail. Comment choisis-tu tes palettes de couleurs ?

La couleur est essentielle et peut vraiment déterminer l’atmosphère d’une œuvre. Comme pour mon style, mon choix de couleurs est aussi assez intuitif et instinctif.

Cela dépend vraiment du projet : qu’il soit commercial ou personnel. Pour mes travaux plus intimes, j’ai tendance à utiliser des couleurs plus sombres avec des tons terreux, inspirés par la nature. Pour les illustrations pour enfants, je choisirais probablement des palettes plus vives et éclatantes.

Pour What’s in a Lamp ? de Foscarini, comment as-tu développé les illustrations ? Y a-t-il des aspects spécifiques des lampes qui ont inspiré ta vision ?

D’abord, j’ai réfléchi à ce que les lampes de Foscarini me transmettaient, et immédiatement, ce fut cette sensation de confort qu’on ressent lorsqu’on trouve une lumière dans l’obscurité.

En observant leurs formes et matériaux, j’ai vu des visages, des œufs, des œufs de grenouille, de l’eau. J’ai donc essayé de tisser tous ces éléments ensemble et de les transformer en œuvre d’art, tout en mettant en valeur les différentes personnalités des lampes.

Beaucoup de tes œuvres sont ironiques, ludiques et presque hypnotiques, amenant le spectateur à regarder plus longtemps. Vois-tu ton art comme une forme de narration ?

Je pensais aux lampes comme des petits mondes peuplés de créatures qui interagissent de manière inattendue avec leurs formes.

J’aimais l’idée que celui qui regarde mes dessins se sente comme s’il venait de se réveiller et se demande s’il rêve encore ou s’il est déjà en train de rêver. Buds, par exemple, a pris une allure curieuse qui m’a fascinée.

Gregg, quant à lui, est devenu un œuf fraîchement pondu gardé par une créature mi-chauve-souris mi-chat, portant une limace. Et Twiggy est mon personnage préféré : elle a l’âme des années 60, une touche de l’espace, et plein de rainbows. Et puis elle tire la langue avec une touche malicieuse—quelle lampe espiègle !

Ce projet pour Foscarini t’a-t-il offert des défis ou des opportunités particulières ?

Le plus grand défi a été l’absence d’un brief clair. J’avais une liberté créative totale, ce qui est génial, mais cela me poussait à remettre sans cesse en question mes choix.

Comment trouves-tu de l’inspiration et continues-tu à faire évoluer ton œuvre ?

Cela m’aide de maintenir un équilibre entre corps et esprit : écouter de la musique, marcher dans les bois ou danser comme une folle dans mon club préféré. Et surtout, je tente de ne pas trop me laisser influencer par les réseaux sociaux—je poursuis mon propre rythme, même dans les moments difficiles.

Qu’est-ce que la créativité signifie pour toi ?

Être tout et rien à la fois—comme un grain de sable dans l’univers.

Dès son plus jeune âge, Mattia Riami a montré une passion innée pour le dessin et les arts visuels. Il a perfectionné ses compétences à l’école des beaux-arts de Venise et à l’IED de Milan. Son travail se caractérise par un style « rapide, nihiliste et nerveux », complété par un usage raffiné de la couleur qui évoque les palettes chaudes et nostalgiques des publicités vintage des années 1940 et 1950.

Pour le projet « What’s in a Lamp ? » de Foscarini – où artistes, designers et créateurs sont invités à interpréter la lumière à travers les lampes Foscarini – Riami explore la vie quotidienne à travers six illustrations représentant des scènes de familiarité ordinaire. Pourtant, un détail inattendu bouleverse toujours la perspective : les lampes Foscarini se transforment en nuages, en vaisseaux spatiaux et en trompettes, devenant l’élément qui rend l’ordinaire extraordinaire. Cela crée une atmosphère de liberté et de légèreté, incitant à porter un regard neuf sur le monde.

Les illustrations de Riami, à la fois familières et oniriques, révèlent le pouvoir transformateur des lampes Foscarini de manière unique et originale. Tout comme dans les illustrations, ces lampes transcendent leur simple fonctionnalité et transforment n’importe quel espace en un environnement qui reflète la personnalité de ceux qui les choisissent, racontant des histoires et exprimant des désirs et des émotions.

Découvrez l’intégralité de la série de Riami pour « What’s in a Lamp ? » sur Instagram @foscarinilamps et plongez plus profondément dans sa vision artistique dans notre interview.

Comment votre parcours artistique a-t-il commencé ? Saviez-vous dès le début que l’art serait votre voie ?
« Oui, j’ai eu beaucoup de chance à cet égard ; j’ai toujours dessiné depuis que je suis enfant. Je dessinais sans savoir que cela deviendrait mon métier, ma manière d’être et de m’exprimer – je dessinais simplement. Je dessinais des personnages Disney, je recopiais des figures dans des livres illustrés et je fabriquais mes propres livres prototypes en agrafant quelques feuilles A4 où je mettais en scène mon histoire. En grandissant, j’ai pris conscience que cela pouvait devenir quelque chose de sérieux, alors j’ai orienté mes études vers les arts visuels pour transformer ces jeux d’enfance en carrière. »

Qu’est-ce qui vous motive à créer et d’où vient votre inspiration : curiosité, quête de sens ou pure expression visuelle ?
« Je dois dire que l’expression visuelle pure m’attire et m’influence grandement. Dans la vie quotidienne, je suis captivé par de nombreux stimuli visuels – dessins, illustrations, peintures, affiches et plus encore – et cela suscite en moi l’envie de dessiner simplement pour exprimer les formes et les couleurs qui émergent en moi. Cependant, pendant la phase de conception, toutes ces formes prennent un sens, et j’aime construire une histoire derrière chaque projet, comme je l’ai fait pour ‘What’s in a Lamp ?’. »

Votre style graphique est distinctif et reconnaissable. Comment décririez-vous votre style et comment a-t-il évolué au fil du temps ?
« Je le décrirais avec quelques mots que d’autres ont utilisés pour me le décrire : ‘un trait rapide, nihiliste et nerveux’. Je confirme, j’ai toujours une relation très physique avec mon travail, que ce soit sur papier ou avec des pinceaux numériques. J’utilise les crayons avec énergie sur le papier, parfois même en le perforant accidentellement ou en craignant d’endommager l’écran. J’aime que le trajet que ma main emprunte pour tracer cette ligne soit perceptible, et je ressens une force mystérieuse qui me pousse à dessiner ou à colorier d’une certaine manière. Mon approche a toujours été ainsi, influencée par mes professeurs à l’IED de Milan, mais elle s’est affinée avec le temps grâce à l’étude et à la recherche. »

Dans cette série, vous représentez des scènes du quotidien, en particulier des scènes domestiques, où les lampes deviennent des éléments transformateurs qui modifient la perception de la scène de manière magique, créant de nouvelles interprétations inattendues et surréalistes. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’inspiration derrière ce travail ?
« Bien sûr, c’était la partie la plus amusante ! Je voulais transmettre un sentiment de quotidien et transformer, à travers le jeu, les lampes en objets différents de ce qu’elles sont, comme si les personnages des illustrations étaient surpris de découvrir qu’une lampe ressemble à un autre objet ou a une autre utilisation. Comme quand nous étions enfants et que nous utilisions un rouleau de papier essuie-tout vide comme télescope ou mégaphone. Je me suis inspiré des formes des lampes et j’ai essayé de revenir en enfance ! J’ai vu des nuages, un vaisseau spatial, une trompette, une batte de baseball, et bien plus encore ; j’aurais pu continuer ce jeu indéfiniment. »

Quelles illustrations de cette série sont vos préférées et pourquoi ?
« Ma préférée est NUEE, car je pense qu’elle capture parfaitement le mélange de surréalité et de réalité que je visais. J’aime aussi beaucoup MITE pour la même raison, et LE SOLEIL pour son atmosphère de liberté et de légèreté. »

Il est remarquable de voir comment, avec quelques traits, vos illustrations racontent des histoires complètes, des vies, des situations et des émotions. Pouvez-vous nous expliquer l’aspect narratif de votre processus créatif ?
« Instinctivement, j’utilise toujours la figure humaine dans mon travail ; il est rare que je crée un paysage sans personnes ou autres sujets. L’être humain devient ainsi le protagoniste de mes œuvres, et ses émotions forment la base à partir de laquelle je construis mes histoires. À travers les protagonistes, on peut lire et deviner ce qui se passe, quelle est l’histoire, quelles sont les situations et les événements qui la caractérisent. Je pense à l’illustration pour la lampe TOBIA, où l’on voit un couple qui vient de s’installer et commence à déballer les cartons, avec la joie et l’excitation d’un nouveau foyer, utilisant la lampe comme trompette pour célébrer l’euphorie du moment. Mais cela pourrait tout aussi bien être de nouveaux achats pour la maison ; l’atmosphère est la même, et le spectateur voit ce qui résonne le plus avec sa propre expérience. »

Qu’est-ce qui vous intéresse le plus dans la réalité qui vous entoure ?
« C’est difficile à dire ; la nature me fascine certainement, et j’aimerais mieux la connaître et l’explorer – les formes des plantes, des feuilles, des fleurs, des nuages – ce sont de véritables architectures naturelles ou des œuvres de design. Je suis aussi toujours intrigué et attiré par la communication visuelle en général : mon œil est souvent attiré par des affiches, des couvertures de livres, et tout ce qui est visuel. Je prends beaucoup de photos avec mon téléphone pour me rappeler d’étudier plus tard ce qui a attiré mon attention. »

Comment décririez-vous votre relation avec la couleur dans votre travail d’illustrateur ? Qu’est-ce qui a guidé vos choix de couleurs pour la série « What’s in a Lamp ? » ?
« Ma relation avec la couleur s’est renouvelée ces dernières années. Il y a quelque temps, après mes études, je dessinais principalement en noir et blanc, en ajoutant seulement de temps en temps des touches de couleur. L’influence des nombreuses illustrations colorées que je voyais autour de moi a certainement éveillé en moi le désir de colorer mes propres œuvres. Je pense aussi avoir été influencé par le travail splendide de Jean-Charles de Castelbajac, un maître qui a été mon directeur artistique pendant plus de deux ans. Je suis fasciné par les publicités illustrées vintage des années 1940 et 1950 ; j’ai toujours aimé ce style, et j’ai toujours regardé des films en noir et blanc de cette époque. J’aime les mains tenant des cigarettes blanches, les vêtements, les chapeaux et la mode de cette époque. Cela a influencé ma manière de dessiner des personnages, hommes et femmes, de façon contemporaine et moderne mais avec une touche de ce passé. La palette de couleurs que j’ai utilisée pour ‘What’s in a Lamp ?’ reflète ces vieilles publicités ; j’ai étudié des nuances qui transmettent également une certaine chaleur. »

En dehors des sources d’inspiration que vous avez mentionnées, y a-t-il des maîtres qui ont particulièrement influencé votre vision artistique ?
« En parlant de grands maîtres, je pense à Egon Schiele, Picasso, et Jean-Michel Basquiat, surtout, ainsi qu’à Keith Haring, qui est l’un de mes idoles absolus pour sa personnalité plus que pour son style. Des artistes contemporains comme Marlene Dumas m’ont également influencé. Les bandes dessinées, en particulier les romans graphiques, et des illustrateurs comme Adelchi Galloni, qui a été mon professeur à l’IED de Milan, ont aussi eu un impact significatif sur moi. »

Avez-vous un rituel ou des habitudes particulières lorsque vous travaillez sur vos illustrations ?
« Mon procédé consiste d’abord en une recherche et une réflexion initiales sur ce que le projet vise à accomplir. Cela mène aux premières idées, que je note rapidement ou esquisse dans des carnets que je garde, généralement des griffonnages incompréhensibles pour saisir l’idée. Ensuite, je passe à des brouillons plus élaborés et enfin à la pièce finale. L’histoire se construit durant les deux premières phases. »

Que signifie pour vous la créativité ?
« Je pense que la créativité est la capacité de voir le monde différemment, d’imaginer des possibilités au-delà de l’ordinaire et de transformer des idées abstraites en réalité tangible. C’est un processus dynamique impliquant intuition, inspiration et expression personnelle, mais c’est aussi parfois de la discipline et un effort constant pour s’améliorer ; ce n’est pas toujours facile ! »

Antje Damm, artiste originaire de Wiesbaden, en Allemagne, s’est imposée dans le domaine de la littérature et de l’illustration pour enfants. Architecte de formation, elle a ensuite changé de direction pour se consacrer à l’écriture et à l’illustration de livres pour enfants, obtenant des reconnaissances internationales telles que le « Best Illustrated Children’s Books » du New York Times / New York Public Library.

Antje apporte sa vision artistique originale au projet éditorial “What’s in a Lamp?” de Foscarini, créant une série de dioramas complexes à l’intérieur de petites boîtes d’allumettes. Des mondes minuscules qui fascinent par leur caractère ludique et insouciant tout en réussissant à refléter l’âme et le caractère des lampes Foscarini qui les habitent. « Les lampes ne sont pas de simples sources de lumière ; ce sont des objets physiques, sculpturaux, capables d’enrichir les espaces de vie », explique l’artiste. « Un bon éclairage est essentiel dans tout environnement, et pas seulement pour sa fonctionnalité. Il a été stimulant et émouvant d’imaginer des ambiances et des situations en accord avec chaque lampe, en mélangeant des scènes quotidiennes avec des moments plus inattendus et spéciaux. »

Dans la création de ces scènes miniaturisées, l’artiste parvient habilement à équilibrer la liberté expressive de l’illustration avec une approche expérimentale et méticuleuse qui évoque sa formation d’architecte. Chaque scène est soigneusement construite en combinant des techniques telles que le dessin, le collage et la découpe sur papier, dans le but de créer une expérience narrative évocatrice et immersive. Dans son interprétation, par exemple, la lampe de sol Havana trouve sa place dans une forêt au charme presque magique, tandis qu’Orbital devient le point focal d’une scène domestique avec son « design fantaisiste et unique qui me rappelle les mobiles cinétiques de Calder, que j’adore », explique Antje. Dans un autre diorama, la suspension Big Bang est un contrepoint dynamique et sculptural à une œuvre d’art exposée dans une galerie.

Découvrez tous les dioramas d’Antje Damm sur le profil Instagram @foscarinilamps et plongez dans son fascinant parcours artistique à travers notre interview.

Bonjour Antje ! Parlez-nous de votre parcours artistique, qu’est-ce qui vous a poussée vers cette voie ?

Le dessin et la peinture ont toujours été ma manière de m’exprimer et de réfléchir sur moi-même, une passion que je cultive depuis mon enfance. Après avoir travaillé comme architecte pendant plusieurs années, j’ai commencé à écrire et à illustrer des livres pour enfants il y a environ 20 ans, presque par hasard. Finalement, j’ai dû décider où concentrer mes énergies car gérer les deux, surtout avec quatre enfants, est devenu trop exigeant. Être artiste, auteure et illustratrice est le travail de mes rêves. Cela me permet de travailler avec une grande liberté et indépendance, explorant constamment de nouvelles voies parce que je suis naturellement curieuse et j’aime expérimenter de nouvelles idées. Chaque livre est unique et représente un nouveau défi, et donner une interprétation visuelle à une idée comporte toujours des risques.

Votre formation en architecture a-t-elle influencé votre approche de la narration visuelle et de l’illustration ?

Fondamentalement, développer un concept architectural et un concept pour un livre présentent de nombreuses similitudes. Pendant mon temps en tant qu’architecte, j’ai construit de nombreux maquettes et les ai explorées en détail, une expérience que j’applique maintenant également à certaines de mes créations artistiques, lorsque je construis des décors en papier et carton pour ensuite les photographier. C’est une approche ludique, expérimentale et libre, qui me permet de faire des modifications, des ajustements et des intégrations facilement, et de focaliser ensuite le résultat dans la photographie. J’aime beaucoup travailler en trois dimensions.

Votre manière de mélanger différentes techniques artistiques est particulière et distinctive, comment décririez-vous votre style ?

Définir mon style est complexe car il varie selon le projet. J’expérimente avec des techniques telles que le dessin, le collage et l’illustration numérique, en m’adaptant à l’histoire que je raconte. Récemment, j’ai exploré l’utilisation des découpes sur papier pour leur nature évocatrice et abstraite, une caractéristique qui s’est révélée parfaitement en accord avec l’histoire que j’illustrais.

Comment est née l’idée d’utiliser les boîtes d’allumettes comme toile ?

Pendant la pandémie de COVID-19, toutes mes tournées prévues pour la présentation de livres ont été annulées, me laissant beaucoup de temps libre. C’est alors que l’idée de créer ces petits dioramas à l’intérieur de boîtes d’allumettes m’est venue. Dès le début, beaucoup de gens ont été passionnés par mes miniatures et pour moi, c’est amusant de les construire. C’est une activité relaxante mais aussi stimulante, car c’est toujours un défi de raconter une histoire dans un espace aussi limité.

Avez-vous une routine créative ? Comment cultivez-vous l’inspiration et surmontez-vous les défis dans le processus artistique ?

Je travaille à domicile, et parfois l’espace peut sembler un peu limité. Heureusement, je vis près d’une forêt, et la nature joue un rôle fondamental pour stimuler ma créativité. Je passe beaucoup de temps en plein air, en m’émerveillant des changements de saisons, en cueillant des champignons et en observant les plantes et les animaux. Je visite souvent des expositions, toujours à la recherche de nouvelles idées et de stimuli.

Dans votre série pour “What’s in a Lamp ?” les lampes Foscarini sont les protagonistes au sein de scènes de quotidien racontées dans l’espace limité d’une boîte d’allumettes. Comment avez-vous réussi à intégrer les lampes Foscarini dans ces petites narrations et quels défis ou satisfactions avez-vous rencontrés ?

Le design des meubles et des lampes m’a toujours fascinée et a été une partie significative de mon travail en tant qu’architecte. J’aime toutes les choses belles et les lampes, en particulier, sont pour moi bien plus que de simples sources de lumière. Ce sont des objets physiques, presque des sculptures, qui peuvent vraiment enrichir les espaces dans lesquels nous vivons. J’aime m’arrêter pour les observer. Un bon éclairage est essentiel dans tout environnement ; il nous accompagne et rend l’espace fonctionnel, mais c’est bien plus que cela. Il a été stimulant et émouvant d’imaginer des environnements et des situations en accord avec chaque lampe, en mélangeant des scènes quotidiennes avec des moments plus inattendus et spéciaux.

Qu’est-ce qui vous a inspirée dans ce projet ?

Le défi et la satisfaction de ce projet résident dans la capture de l’essence de chaque lampe. Quelles émotions et pensées suscite-t-elle ? Quel est l’environnement idéal pour la mettre en valeur ? Par exemple, j’ai immédiatement imaginé que la lampe Havana serait parfaite dans un contexte naturel, en accord avec son charme ancestral.

Comment avez-vous choisi les lampes à intégrer dans ces scènes miniatures ?

J’ai choisi les lampes qui m’ont le plus impressionnée. Big Bang est une sculpture intéressante qui semble toujours différente. J’ai aussi choisi une lampe petite et sympathique, comme Fleur, car elle montre l’éventail large et fascinant que les lampes peuvent couvrir.

Avez-vous une œuvre préférée dans la série “What’s in a Lamp ?” ?

J’aime beaucoup la boîte avec la lampe Orbital. C’est ma lampe préférée pour son design fantaisiste et unique, qui me rappelle les mobiles cinétiques de Calder, que j’adore.

En général, quelle est votre chose préférée à représenter ?

J’adore représenter des scènes naturelles et de petits environnements avec une atmosphère spéciale.

Votre art a un charme universel qui dépasse les barrières linguistiques. Comment réussissez-vous à combiner illustration et narration dans votre processus créatif ?

Lorsque vous créez un livre pour enfants, la clé est de raconter des histoires à travers des images qui enrichissent et complètent le texte écrit, en posant des questions ou parfois même en le contredisant. Ce qui est fantastique, c’est que tout le monde peut « lire » les images, indépendamment de la langue parlée.

La sélection des couleurs est cruciale dans vos œuvres. Comment décidez-vous de la palette et quel rôle joue-t-elle dans la transmission de l’atmosphère de vos travaux ?

Les couleurs sont des vecteurs d’émotions que j’utilise de manière très intuitive, sans trop réfléchir. Dans mon livre illustré “L’Invité inattendu”, ce sont précisément les couleurs qui construisent l’histoire : un enfant visite une femme âgée, apportant une touche de couleur dans sa vie grise.

Vos œuvres présentent une perspective unique sur la réalité. Qu’est-ce que la créativité pour vous et comment la cultivez-vous ?

C’est une approche fondamentale dans la vie en général : la créativité va au-delà de l’art, c’est un aspect essentiel de ma vie, tant personnelle que professionnelle. Il s’agit de chercher constamment des solutions, d’explorer de nouveaux chemins, même et surtout dans les moments difficiles, et de trouver de la beauté et du sens dans tout ce qui m’entoure. Et cela a beaucoup à voir avec l’espoir.