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Ery Burns es una artista e ilustradora británica con un estilo inmediatamente reconocible, caracterizado por trazos espontáneos, colores intensos y detalles intrincados. Ella dice que heredó su gen de los doodles de su tatarabuela, una artista india que creció a los pies del Himalaya. Su trazo nace de la intuición y toma forma directamente sobre el papel, sin esquemas preestablecidos, en un flujo que entrelaza formas orgánicas, patrones repetitivos y un toque de ironía. El resultado es un universo visual que oscila entre la imaginación y la realidad, capaz de evocar esa fascinación casi infantil que tendemos a perder al crecer.

Para el proyecto What’s in a Lamp? de Foscarini, Ery Burns ha reinterpretado las lámparas de la marca a través del lente de su imaginación, explorando la esencia emocional de la luz. Ha visto rostros, criaturas y mundos por explorar, y los ha hecho surgir con su trazo, dejándose guiar por las formas y volúmenes, transformando cada lámpara en un relato visual entre la naturaleza y la fantasía, con un trazo juguetón e hipnótico que captura la mirada.

Buds adoptó la forma de un personaje curioso e interrogante, Gregg se convirtió en un huevo recién puesto, cuidado por una criatura híbrida entre murciélago y gato, Twiggy juega, irónica y traviesa, en un contexto de arcoíris y patrones que recuerdan los años 60.

En esta entrevista, hablamos con Ery Burns sobre su enfoque espontáneo del dibujo y cómo reinterpretó las lámparas Foscarini con su trazo inconfundible. Descubre toda la serie What’s in a Lamp? en Instagram.

¿Puedes contarnos el camino que te llevó a convertirte en ilustradora? ¿Hubo momentos decisivos que marcaron tu trayectoria?

Siempre respondo de la misma manera a esta pregunta, porque hay muchas razones positivas por las que me encanta dibujar, ¡y siempre trato de parecer una persona normal! Pero la verdad es que crecí en una familia numerosa, y esto no significa necesariamente que no se pueda sentir soledad o no ser visto. Era la más pequeña de cinco hermanos, así que siempre estaba rodeada de personas, personalidades e influenciada por los mayores. Mi padre era abogado (y un gran trabajador), por lo que no tenía mucho tiempo para nosotros.

Recuerdo que mis crayones eran como un refugio: podía crear mundos y dar espacio a mi imaginación. Dibujar era como oxígeno, me ayudaba a encontrar un equilibrio. Cada vez que me sentía abrumada, me refugiaba en mis doodles. Así que sí, el momento decisivo fue precisamente la escapatoria de la realidad. Dibujaba cada vez que quería apagar el mundo a mi alrededor, lo que, lamentablemente, incluía gran parte de la escuela… ¡Soy terrible en matemáticas!

Tus doodles son vibrantes, llenos de detalles, patrones y colores audaces. ¿Cómo has desarrollado este estilo tan reconocible? ¿Qué influencias han contribuido a su evolución?

Siempre supe, de alguna manera, que tenía una forma particular de interpretar el mundo. Era un proceso inconsciente, pero de niña pasaba por etapas en las que me dejaba inspirar por artistas o animaciones que encontraba en el camino.

Crecí viendo las películas de Terry Gilliam y Monty Python, y en los años 90, Keith Haring y Basquiat estaban por todas partes. Creo que me influenciaron más de lo que soy consciente. También me gustaba mucho Kandinsky, quien compartía conmigo el amor por los detalles y las líneas firmes.

Tal vez también influyó el hecho de haber estado rodeada de música icónica y portadas de discos de vinilo—mi padre tenía una colección increíble: The Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Beatles, Cream.

Recientemente descubrí, gracias a una prueba de ADN, que tengo un 4% de ascendencia india y kazaja, dos culturas increíblemente ricas y coloridas. Me gusta imaginar que esa herencia es algo que llevo dentro y que de alguna manera influye en mis doodles y mi manera de hacer arte.

El doodling se asocia a menudo con la espontaneidad y la intuición. ¿Cuánto de tu proceso creativo es instintivo y cuánto es el resultado de una visión compositiva clara desde el principio?

Depende del proyecto, pero normalmente los primeros bocetos son completamente espontáneos, ¡una explosión de ideas! Para Foscarini, tuve una intuición sobre cómo quería que apareciera el trabajo terminado, pero era más una sensación que una imagen clara. No podía verlo todavía, pero lo sentía y sabía que tomaría forma en el papel.

¿Cómo sabes cuándo una obra está “terminada”? ¿Hay un momento en el que sientes que has alcanzado el máximo potencial de la pieza?

Lo percibes por el equilibrio de la ilustración—si los elementos dialogan bien entre ellos, si el flujo es armonioso o si algo está fuera de lugar. Incluso la elección de la paleta de colores puede hacer o destruir una obra. Tuve que desechar una pieza que había hecho para Foscarini porque parecía un mal Jurassic Park. Simplemente: cuando está bien, lo sientes.

¿Puedes contarnos tu proceso creativo cuando desarrollas un patrón?

¡Lo intento! Hago muchísimos bocetos y busco en Google, especialmente si tengo que dibujar algo de manera más realista. Para proyectos como el embalaje o el arte para latas de cerveza, la ilustración tiene que captar la atención de inmediato—¡cuanto más extraño, mejor! En esos casos puedo dejar fluir mi imaginación de forma más natural. Utilizo muchos detalles aleatorios en las líneas para entrelazar las imágenes.

¿Hay elementos o temas recurrentes que surjan naturalmente en tus dibujos?

Buena pregunta. Mi proceso es muy instintivo, por lo que no siempre es fácil de explicar. Normalmente empiezo con una forma aleatoria y a partir de ahí se desarrolla de manera orgánica, como si creciera de una pequeña “semilla de Ery”.

Creo que los ojos y las manos aparecen a menudo en mis dibujos, tal vez porque dan una sensación de presencia y conexión. Tal vez imagino que las figuras se entristecerían si no pudieran ver o tocar. Creo que extraigo elementos de la naturaleza, la evolución y un toque de humor.

El color es un elemento fundamental en tu trabajo. ¿Cómo eliges las paletas cromáticas?

El color es esencial y puede determinar la atmósfera de una obra. Al igual que con mi estilo, mi elección de colores también es bastante intuitiva e instintiva.

Depende mucho del proyecto: si es comercial o personal. En mis trabajos más íntimos tiendo a usar colores más oscuros, con tonos terrosos inspirados en la naturaleza. Para ilustraciones infantiles, probablemente elegiría paletas más audaces y brillantes.

Para What’s in a Lamp? de Foscarini, ¿cómo desarrollaste las ilustraciones? ¿Hubo aspectos específicos de las lámparas que inspiraron tu visión?

Primero, pensé en lo que me transmitían las lámparas de Foscarini, y esa sensación de consuelo que se experimenta cuando se encuentra una luz en la oscuridad llegó de inmediato.

Mirando sus formas y materiales, vi rostros, un huevo, huevos de rana, agua. Así que traté de entrelazar todos esos elementos y transformarlos en una obra de arte que reflejara las diferentes personalidades de las lámparas.

Muchos de tus trabajos son irónicos, juguetones y casi hipnóticos al hacer que el espectador los mire más de cerca. ¿Ves tu arte como una forma de narración?

Imaginé las lámparas como pequeños mundos habitados por criaturas que interactúan con sus formas de maneras inesperadas.

Me gustaba la idea de que quien mira mis dibujos tenga la sensación de haberse despertado recién, preguntándose si está soñando o aún medio dormido. Buds, por ejemplo, terminó adquiriendo un aire curioso que me fascina.

Gregg, en cambio, la vi como un huevo recién puesto, cuidado por un gato-murciélago que lleva consigo una caracol. Y Twiggy es mi favorita: tiene un alma de los años 60, un toque espacial y un montón de arcoíris. ¡Y además saca la lengua como una traviesa—qué lámpara tan descarada!

¿Este proyecto para Foscarini presentó desafíos u oportunidades particulares?

El mayor desafío fue la ausencia de un brief real. Tenía total libertad creativa, lo cual es genial, pero también te lleva a cuestionar continuamente tus decisiones.

¿Cómo encuentras inspiración y sigues haciendo evolucionar tu trabajo?

Me ayuda mantener el cuerpo y la mente equilibrados: escuchar música, correr por el bosque o bailar como loca en mi club favorito. Y no dejarme influenciar demasiado por las redes sociales—seguir mi propio ritmo, incluso en los momentos más difíciles.

¿Qué significa para ti la creatividad?

Ser todo y nada—como un grano de arena en el universo.

Desde una edad temprana, Mattia Riami mostró una pasión innata por el dibujo y las artes visuales, perfeccionando sus habilidades en la Escuela de Arte de Venecia y en el IED de Milán. Su trabajo se distingue por un estilo “rápido, nihilista y nervioso”, complementado por un uso refinado del color que evoca las paletas cálidas y nostálgicas de los anuncios vintage de las décadas de 1940 y 1950.

Para el proyecto “What’s in a Lamp?” de Foscarini—donde se invita a artistas, diseñadores y creativos a interpretar la luz a través de las lámparas Foscarini—Riami explora la vida diaria a través de seis ilustraciones que representan escenas de familiaridad ordinaria. Sin embargo, siempre hay un detalle inesperado que altera la perspectiva: las lámparas Foscarini se transforman en nubes, naves espaciales y trompetas, convirtiéndose en el giro que hace que lo ordinario sea extraordinario. Esto crea una atmósfera de libertad y ligereza, animando a ver el mundo con una nueva perspectiva.

Las ilustraciones de Riami, a la vez familiares y oníricas, revelan el poder transformador de las lámparas Foscarini de una manera única y original. Al igual que en las ilustraciones, estas lámparas trascienden su funcionalidad básica y convierten cualquier espacio en un entorno que refleja la personalidad de quienes las eligen, contando historias y expresando deseos y emociones.

Descubre la serie completa de Riami para “What’s in a Lamp?” en Instagram @foscarinilamps y profundiza en su visión artística en nuestra entrevista.

¿Cómo comenzó tu trayectoria artística? ¿Siempre supiste que el arte sería tu camino?
«Sí, tuve mucha suerte en este aspecto; siempre he dibujado desde que era niño. Dibujaba sin saber que eso se convertiría en mi trabajo, en mi forma de ser y de expresarme: simplemente dibujaba. Dibujaba personajes de Disney, copiaba figuras de libros ilustrados y hacía mis propios libros prototipo engrasando algunas hojas A4 donde montaba mi historia. A medida que crecí, me di cuenta de que esto podía convertirse en algo serio, así que enfoqué mis estudios en las artes visuales, transformando esos juegos infantiles en mi carrera.»

¿Qué te motiva a crear y de dónde proviene tu inspiración: curiosidad, búsqueda de significado o pura expresión visual?
«Debo decir que la expresión visual pura me atrae e influye mucho. En la vida cotidiana, estoy cautivado por muchos estímulos visuales—dibujos, ilustraciones, pinturas, carteles y más—y esto afecta mi deseo de dibujar simplemente para expresar formas y colores que emergen en mí. Sin embargo, durante la fase de diseño, todas estas formas toman un significado, y disfruto construir una historia detrás de cada proyecto, como hice para ‘What’s in a Lamp?’.»

Tu estilo gráfico es distintivo y reconocible. ¿Cómo describirías tu estilo y cómo ha evolucionado con el tiempo?
«Lo describiría con algunas de las palabras que otros han utilizado para describírmelo: ‘una línea rápida, nihilista y nerviosa’. Confirmo, siempre tengo una relación muy física con mi trabajo, ya sea en papel o con pinceles digitales. Utilizo los lápices con energía en el papel, a veces incluso perforándolo accidentalmente o temiendo dañar la pantalla. Me gusta que el trayecto que toma mi mano para dibujar esa línea sea perceptible, y siento una fuerza misteriosa que me impulsa a dibujar o colorear de una manera específica. Mi enfoque siempre ha sido así, influenciado por mis profesores en el IED de Milán, pero se ha refinado con el tiempo a través del estudio y la investigación.»

En esta serie, representas escenas de familiaridad cotidiana, especialmente doméstica, donde las lámparas se convierten en elementos transformadores que alteran mágicamente la percepción de la escena, creando interpretaciones nuevas, inesperadas y surrealistas. ¿Puedes contarnos más sobre la inspiración detrás de este trabajo?
«¡Claro, esa fue la parte más divertida! Quería transmitir una sensación de vida cotidiana y transformar, a través del juego, las lámparas en objetos diferentes de lo que son, como si los personajes de las ilustraciones se sorprendieran al descubrir que una lámpara se parece a otro objeto o tiene otro uso. Como cuando éramos niños y usábamos un tubo vacío de papel de cocina como telescopio o megáfono. Me inspiré en las formas de las lámparas e intenté volver a la infancia. Así que, vi nubes, una nave espacial, una trompeta, un bate de béisbol, y mucho más; ¡podría haber continuado este juego indefinidamente!»

¿Cuáles son tus ilustraciones favoritas de esta serie y por qué?
«Mi favorita absoluta es NUEE porque creo que capturó perfectamente la mezcla de surrealidad y realidad que buscaba. También me encanta mucho MITE por la misma razón y LE SOLEIL por su atmósfera de libertad y ligereza.»

Es notable cómo, con solo unos pocos trazos, tus ilustraciones cuentan historias completas, vidas, situaciones y emociones. ¿Puedes explicar el aspecto narrativo de tu proceso creativo?
«Instintivamente, siempre uso la figura humana en mi trabajo; es raro que cree un paisaje sin personas u otros sujetos. El ser humano se convierte así en el protagonista de mis obras, y sus emociones forman la base sobre la que construyo mis historias. A través de los protagonistas, podemos leer e inferir lo que está sucediendo, cuál es la historia, y las situaciones y eventos que la caracterizan. Pienso en la ilustración para la lámpara TOBIA, donde vemos una pareja que acaba de mudarse y empieza a desempacar cajas, con la alegría y emoción de un nuevo hogar, usando la lámpara como trompeta para celebrar la euforia del momento. Pero también podría ser simplemente nuevas compras para la casa; la atmósfera es la misma, y el espectador ve lo que más resuena con su propia experiencia.»

¿Qué es lo que más te interesa de la realidad que te rodea?
«Es difícil de decir; ciertamente, la naturaleza me fascina y me gustaría conocerla y explorarla más: las formas de las plantas, hojas, flores, nubes—son verdaderas arquitecturas naturales o trabajos de diseño. También siempre me intriga y atrae la comunicación visual en general: mi ojo siempre capta carteles, portadas de libros y todo lo visual. Tomo muchas fotos con mi teléfono para recordarme estudiar más tarde lo que captó mi atención.»

¿Cómo describirías tu relación con el color en tu trabajo como ilustrador? ¿Qué guió tus elecciones de color para la serie ‘What’s in a Lamp?’?
«Mi relación con el color se ha renovado en los últimos años. Hace un tiempo, después de mis estudios, dibujaba principalmente en blanco y negro, añadiendo solo ocasionalmente toques de color. La influencia de las numerosas ilustraciones coloridas que veía a mi alrededor ciertamente despertó en mí el deseo de colorear mis propias obras. También creo que me influyó el espléndido trabajo de Jean-Charles de Castelbajac, un maestro que fue mi director artístico durante más de dos años. Me fascinan los anuncios ilustrados vintage de las décadas de 1940 y 1950; siempre me ha encantado el estilo de esa época, y siempre he visto películas en blanco y negro de ese período. Me encanta ver las manos sosteniendo cigarrillos blancos, la ropa, los sombreros y la moda de esos tiempos. Esto ha influido en cómo dibujo a los personajes, tanto masculinos como femeninos, de manera contemporánea y moderna pero con un toque de ese pasado. La paleta de colores que usé para ‘What’s in a Lamp?’ refleja esos viejos anuncios; estudié matices que también transmiten cierta calidez.»

Además de las fuentes de inspiración que has mencionado, ¿hay algún maestro que haya influido particularmente en tu visión artística?
«Cuando hablo de grandes maestros, pienso en Egon Schiele, Picasso y Jean-Michel Basquiat, especialmente, así como en Keith Haring, quien es uno de mis ídolos absolutos por su personalidad más que por su estilo. Los artistas contemporáneos como Marlene Dumas también me han influenciado. Los cómics, especialmente las novelas gráficas, y los ilustradores como Adelchi Galloni, quien fue mi profesor en el IED de Milán, también han tenido un impacto significativo en mí.»

¿Tienes algún ritual o hábito particular cuando trabajas en tus ilustraciones?
«Mi método implica una investigación inicial y reflexión sobre lo que el proyecto pretende lograr. Esto lleva a las primeras ideas, que anoto rápidamente o bosquejo en diarios que guardo, realmente solo garabatos incomprensibles para captar la idea. Luego, paso a borradores más elaborados y finalmente a la pieza final. La historia se construye en las dos primeras fases.»

¿Qué significa para ti la creatividad?
«Creo que la creatividad es la capacidad de ver el mundo de manera diferente, imaginar posibilidades más allá de lo ordinario y transformar ideas abstractas en una realidad tangible. Es un proceso dinámico que involucra intuición, inspiración y expresión personal, pero también a veces disciplina y esfuerzo constante para mejorar; ¡no siempre es fácil!»

Antje Damm, artista originaria de Wiesbaden, Alemania, se ha destacado en el campo de la literatura y la ilustración para niños. Arquitecta de formación, luego cambió de dirección dedicándose a la escritura e ilustración de libros infantiles, obteniendo reconocimientos internacionales como el “Best Illustrated Children’s Books” del New York Times / New York Public Library.

Antje lleva su original visión artística al proyecto editorial “What’s in a Lamp?” de Foscarini, creando una serie de intrincados dioramas dentro de pequeñas cajas de cerillas. Mundos diminutos que fascinan por su carácter juguetón y despreocupado y, al mismo tiempo, logran reflejar el alma y el carácter de las lámparas Foscarini que los habitan. “Las lámparas no son simples fuentes de luz; son objetos físicos, escultóricos, capaces de enriquecer los espacios de vida”, explica la artista. “Una buena iluminación es esencial en cualquier entorno, y no solo por la funcionalidad. Ha sido estimulante y emocionante imaginar ambientes y situaciones en sintonía con cada lámpara, mezclando situaciones cotidianas con otras, más inesperadas y especiales.”

En la creación de estas escenas miniaturizadas, la artista logra equilibrar hábilmente la libertad expresiva de la ilustración con un enfoque experimental y meticuloso que evoca su formación como arquitecta. Cada escena está cuidadosamente construida combinando técnicas como el dibujo, el collage y el tallado en papel con el propósito de crear una experiencia narrativa evocadora e inmersiva. En su interpretación, por ejemplo, la lámpara de pie Havana encuentra su lugar en un bosque con un toque casi mágico, mientras que Orbital se convierte en el punto focal de una escena doméstica con su “diseño fantasioso y único que me recuerda los muebles cinéticos de Calder, que adoro”, explica Antje. En otro diorama, la suspensión Big Bang es un contraposición dinámica y escultórica a una obra de arte expuesta en una galería.

Descubre todos los dioramas de Antje Damm en el perfil de Instagram @foscarinilamps y sumérgete en su fascinante trayectoria artística a través de nuestra entrevista.

¡Hola Antje! Cuéntanos algo sobre tu trayectoria artística, ¿qué te llevó a seguir este camino?

El dibujo y la pintura siempre han sido mi forma de expresión y reflexión sobre mí misma, una pasión que cultivo desde niña. Después de trabajar como arquitecta durante varios años, comencé a escribir e ilustrar libros infantiles hace unos 20 años, casi por casualidad. Al final, tuve que decidir dónde concentrar mis energías porque gestionar ambas cosas, especialmente con cuatro hijos, se volvió demasiado exigente. Ser artista, autora e ilustradora es el trabajo de mis sueños. Me permite trabajar con gran libertad e independencia, explorando constantemente nuevos caminos porque soy naturalmente curiosa y me encanta experimentar nuevas ideas. Cada libro es único y representa un nuevo desafío, y dar una interpretación visual a una idea siempre conlleva riesgos.

¿Tu formación en arquitectura ha influido en tu enfoque hacia la narración visual y la ilustración?

Fundamentalmente, desarrollar un concepto arquitectónico y un concepto para un libro presentan muchas similitudes. Durante mi tiempo como arquitecta, construí muchos modelos y los exploré en detalle, una experiencia que ahora aplico también a algunas de mis creaciones artísticas, cuando construyo entornos en papel y cartón para luego fotografiarlos. Es un enfoque lúdico, experimental y libre, que me permite hacer cambios, ajustes e integraciones fácilmente, y luego enfocar el resultado en la fotografía. Me gusta mucho trabajar en tres dimensiones.

Tu forma de mezclar diversas técnicas artísticas es particular y distintiva, ¿cómo describirías tu estilo?

Definir mi estilo es complejo porque varía según el proyecto. Experimento con técnicas como el dibujo, el collage y la ilustración digital, adaptándome a la historia que estoy contando. Recientemente, he explorado el uso de los cortes en papel por su naturaleza evocadora y abstracta, una característica que se ha revelado perfectamente en sintonía con la historia que estaba ilustrando.

¿Cómo surgió la idea de usar las cajas de cerillas como lienzo?

Durante la pandemia de COVID-19, todos mis tours programados para la presentación de libros fueron cancelados, dejándome con mucho tiempo libre. Fue entonces cuando se me ocurrió crear estos pequeños dioramas dentro de las cajas de cerillas. Desde el principio, muchas personas se entusiasmaron con mis miniaturas y para mí es divertido construirlas. Es una actividad relajante pero también estimulante, porque siempre es un desafío contar una historia en un espacio tan limitado.

¿Tienes una rutina creativa? ¿Cómo cultivas la inspiración y superas los desafíos en el proceso artístico?

Trabajo desde casa, y a veces el espacio puede parecer un poco limitado. Afortunadamente, vivo cerca de un bosque, y la naturaleza juega un papel fundamental para estimular mi creatividad. Paso mucho tiempo al aire libre, maravillándome de los cambios de las estaciones, recogiendo hongos y observando plantas y animales. A menudo visito exposiciones, en busca constante de nuevas ideas e inspiración.

En tu serie para “What’s in a Lamp?” las lámparas Foscarini son protagonistas dentro de escenas de cotidianidad narradas en el espacio limitado de una caja de cerillas. ¿Cómo lograste integrar las lámparas de Foscarini en estas pequeñas narraciones y qué desafíos o satisfacciones encontraste?

El diseño de muebles y lámparas siempre me ha fascinado y ha sido una parte significativa de mi trabajo como arquitecta. Amo todas las cosas bellas y las lámparas, en particular, son para mí mucho más que simples fuentes de luz. Son objetos físicos, casi esculturas, que realmente pueden enriquecer los espacios en los que vivimos. Me gusta detenerme a observarlas. Una buena iluminación es esencial en cualquier ambiente; nos acompaña y hace el espacio funcional, pero es mucho más que eso. Ha sido estimulante y emocionante imaginar ambientes y situaciones en sintonía con cada lámpara, mezclando escenas cotidianas con momentos más inesperados y especiales.

¿Qué te inspiró en este proyecto?

La dificultad y la satisfacción de este proyecto residen en capturar la esencia de cada lámpara. ¿Qué emociones y pensamientos suscita? ¿Cuál es el entorno ideal para resaltar su belleza? Por ejemplo, de inmediato imaginé que la lámpara Havana sería perfecta en un contexto natural, acorde con su encanto ancestral.

¿Cómo elegiste las lámparas para incluir en estas escenas en miniatura?

Elegí las lámparas que más me impactaron. Big Bang es una escultura interesante que siempre parece diferente. También elegí una lámpara pequeña y simpática, como Fleur, porque muestra el amplio y fascinante espectro que las lámparas pueden abarcar.

¿Tienes una obra favorita en la serie “What’s in a Lamp?”?

Me gusta mucho la caja con la lámpara Orbital. Es mi lámpara favorita por su diseño fantasioso y único, que me recuerda a los muebles cinéticos de Calder, que adoro.

En general, ¿cuál es tu cosa favorita para retratar?

Amo retratar escenas naturales y pequeños entornos con una atmósfera especial.

Tu arte tiene un encanto universal que va más allá de las barreras lingüísticas. ¿Cómo logras combinar ilustración y narración en tu proceso creativo?

Cuando creas un libro para niños, la clave está en contar historias a través de imágenes que enriquecen y completan el texto escrito, planteando preguntas o a veces incluso contradiciéndolo. Lo fantástico es que cualquiera puede “leer” las imágenes, independientemente del idioma que hable.

La selección de colores es crucial en tus obras. ¿Cómo decides la paleta y qué papel juega en transmitir la atmósfera de tus trabajos?

Los colores son vehículos de emociones que utilizo de manera muy intuitiva, sin pensar demasiado. En mi libro ilustrado “El huésped inesperado” son precisamente los colores los que construyen la historia: un niño visita a una anciana, llevando un toque de color a su vida gris.

Tus trabajos presentan una perspectiva única sobre la realidad. ¿Qué es la creatividad para ti y cómo la cultivas?

Es un enfoque fundamental en la vida en general: la creatividad va más allá del arte, es un aspecto esencial de mi vida, tanto personal como profesional. Se trata de buscar constantemente soluciones, explorar nuevos caminos, incluso y sobre todo en los momentos difíciles, y encontrar belleza y significado en todo lo que me rodea. Y tiene mucho que ver con la esperanza.