Im Licht verwandelt sich alles. Marianna Tomaselli für What’s in a Lamp?

Als Illustratorin und Creative Director schafft Marianna Tomaselli Bilder, die einen Moment des Übergangs einzufrieren scheinen: Augenblicke, in denen etwas kurz davor ist zu geschehen oder gerade geschehen ist. Ihre visuelle Sprache – in der Ästhetik stets mit einer narrativen Ebene verbunden ist – entwickelt sich aus ihrer Erfahrung in Illustration, Animation und Regie. Das Ergebnis sind Bilder, die eher andeuten als erklären, aufgebaut wie Fragmente einer größeren Geschichte, mit besonderem Augenmerk auf das Licht als Element, das Räume formt und den Blick der Betrachtenden lenkt.

Genau das geschieht in ihrer Serie für What’s in a Lamp?. Bahia, Twiggy, Uto, Hoba, Plena und Le Soleil werden zu echten narrativen Auslösern: zentrale Elemente, von denen aus sich die Illustrationen entfalten und essentielle, warme, bewohnte Wohnräume entstehen lassen, in denen im Licht etwas geschieht – ein Detail wird aktiviert, eine Geste nimmt Form an, die Atmosphäre verändert sich.

Jede Illustration ist als in sich geschlossene Szene konzipiert, zugleich aber Teil einer idealen Sequenz, in der das Licht eine zentrale Rolle spielt: nicht als dekoratives Element, sondern als Präsenz, die den Raum definiert und konstruiert und stille Beziehungen zwischen Objekten, Umgebungen und alltäglichen Gesten aktiviert. Die Leuchte erzählt keine Geschichte – sie schlägt sie vor und überlässt es den Betrachtenden, sie zu vollenden.

Die chromatischen Entscheidungen unterstützen diese Vision durch eine reduzierte, klare und zeitgenössische Farbpalette, die in direktem Dialog mit dem Design der Foscarini-Leuchten steht. Farbe lenkt nicht ab, sondern verstärkt das Licht: Rot, der ikonische Farbton der Marke, erscheint als gezielter Akzent, während Blaunuancen Tiefe und Atmosphäre aufbauen und dem warmen Licht Raum geben, sich zu entfalten.

Begleitend zu den Leuchten führt Tomaselli ein wiederkehrendes Element ein: eine Katze. Als universelles Symbol für Zuhause, Wärme und Alltag wird sie zur stillen Begleiterin der Serie – eine lebendige Präsenz, die das Licht beobachtet, sucht und sich ihm nähert und so dazu beiträgt, die Räume authentisch, intim und wiedererkennbar wirken zu lassen.

Ihre Arbeiten entstehen oft aus Bildern, die einen schwebenden Moment festhalten, als wäre gerade etwas geschehen oder stünde kurz bevor. Wie hat sich diese Art, die Welt und Bilder zu betrachten, in Ihrem künstlerischen Werdegang entwickelt?

Ich denke, das hat in erster Linie mit einer persönlichen Eigenschaft zu tun: Mich haben Übergangsmomente schon immer fasziniert – Augenblicke, in denen sich etwas gerade verändert oder kurz davor ist. Ich bin eine große Liebhaberin von Thrillern, und vielleicht hat das meine Art beeinflusst, Geschichten durch Bilder zu erzählen. In Thrillern liegt die Spannung oft im Moment vor der Enthüllung, nicht im Ereignis selbst. Diese Schwebe empfinde ich auch visuell als sehr kraftvoll. Die Arbeit an Buchcovern in diesem Genre hat mich zudem gelehrt, eine Geschichte anzudeuten, ohne sie vollständig zu zeigen.

Ihr Hintergrund umfasst Illustration, Animation und Creative Direction. Wie wirken diese Bereiche heute in Ihrer Arbeit zusammen, und wie beeinflussen sie den Aufbau eines Bildes?

Ich habe meine Karriere in der Mode begonnen und an Messen sowie Modenschauen mitgearbeitet – eine Erfahrung, die mein ästhetisches Empfinden, meine Liebe zum Detail und mein Verständnis von Luxus, insbesondere des Made in Italy, nachhaltig geprägt hat.
Später habe ich mehrere Jahre in der Kreativabteilung einer Produktionsfirma gearbeitet, sowohl an Realfilm- als auch an Animationsprojekten. Das hat mich gelehrt, Bilder strukturiert und projektorientiert zu denken, nicht nur ästhetisch. Jedes Bild muss eine Absicht, einen Rhythmus, eine narrative Funktion haben.
Selbst wenn ich an einer einzelnen Illustration arbeite, baue ich sie so auf, als wäre sie Teil einer Sequenz: Ich frage mich, was vorher geschehen ist und was danach passieren könnte. Für mich ist auch ein einzelnes Bild immer Teil einer idealen Abfolge. Heute entsteht meine Arbeit aus dem Zusammenspiel von Ästhetik, Erzählung und projektorientierter Denkweise.

Wenn Sie Ihre visuelle Sprache in wenigen Worten beschreiben müssten – welche wären das?

Ich würde sagen: schwebend, emotional, narrativ. Mich interessiert es, Emotionen und Momente des Lebens zu erzählen, ohne sie explizit zu beschreiben. Ich bevorzuge das Andeuten, das Offenlassen, das Erschaffen von Bildern, die sich wie Teil einer größeren Geschichte anfühlen.

Wie entfaltet sich Ihr kreativer Prozess?

Das hängt stark vom jeweiligen Projekt ab.
Wenn es kreative Freiheit gibt, wie in diesem Fall, beginne ich immer beim Motiv: Ich frage mich, welche Emotionen es hervorruft, in welchem Kontext ich es mir vorstelle und welche persönliche Interpretation ich einbringen kann, um es authentisch zu machen – nicht nur visuell ansprechend.
Mein Ziel ist es nicht zu dekorieren, sondern einen Standpunkt anzubieten. Wenn es mehrere Motive gibt, konzentriere ich mich besonders auf die Beziehungen zwischen den Bildern und suche nach einer Harmonie, die jedes einzelne für sich stark macht, aber als Teil eines Ganzen noch bedeutungsvoller. Mich interessiert es, eine wiedererkennbare visuelle Linie zu entwickeln, in der jedes Bild für sich steht und zugleich durch den Dialog mit den anderen an Kraft gewinnt.

In Ihrer Serie für What’s in a Lamp? haben Sie Foscarini-Leuchten als Objekte gedacht, die nicht nur Licht einschalten, sondern das Verhalten von Raum und Dingen verändern. Die Leuchte bleibt zentral, doch die umgebende Szene scheint auf ihre Präsenz zu reagieren. Was war die Inspiration hinter diesem Konzept?

In dieser Serie wollte ich den Fokus von der Leuchte als einfachem Objekt auf das Licht als aktives Element verlagern.
Mich interessierte, zu zeigen, wie Licht die Wahrnehmung von Raum verändern kann: indem es Geometrien definiert, Leerräume und Volumen schafft und Oberflächen sowie Objekte in szenografische Elemente verwandelt.
Die Leuchte bleibt zentral, doch es ist ihr Licht, das die Szene erzeugt.
Inspiriert haben mich auch der amerikanische moderne Realismus und insbesondere Edward Hopper, bei dem das Licht eine grundlegende narrative Rolle spielt. Seine Lichtschneisen konstruieren Raum und suggerieren Emotionen, ohne erklärend zu sein.
Diese Idee wollte ich in meine Illustrationen übertragen: ein Licht, das nicht dekoriert, sondern erzählt.

Die Katze ist ein wiederkehrendes Element der gesamten Serie. Welche Rolle spielt diese Präsenz für Sie?

Ich habe die Katze als verbindendes Element gewählt, weil sie eine lebendige Präsenz einführt, ohne eine Geschichte zu stark festzulegen.
In gewisser Weise ersetzt sie die menschliche Figur, die die Szenen stärker charakterisiert und zu narrativ gemacht hätte. Die Katze hingegen hält die Bilder offen und universell.
Zugleich ist sie ein kraftvolles Symbol für Zuhause und Alltag: Sie bringt Wärme und Intimität und verwandelt geometrische, designorientierte Räume in bewohnte Orte.
Ihre Präsenz macht die Atmosphäre auf natürliche Weise häuslicher und gemütlicher, niemals dekorativ. Außerdem hat die Katze eine spontane Beziehung zum Licht: Sie sucht es, beobachtet es, nähert sich ihm. Damit war sie das ideale Motiv, um ein Licht zu vermitteln, das nicht nur funktional, sondern auch einladend ist.

Sie haben sich für eine sehr reduzierte, klare und zeitgenössische Farbpalette entschieden. Wie ist Ihr Verhältnis zur Farbe, und welche Rolle spielt sie in diesen Illustrationen?

Ich habe eine reduzierte, zeitgenössische Palette gewählt, die mit dem Design der Foscarini-Leuchten in Dialog tritt – sehr klare, essentielle Objekte.
Ich wollte, dass die Farbe nicht ablenkt, sondern das Licht unterstützt und ihm die Hauptrolle überlässt.
Rot, die ikonische Farbe der Marke, erscheint als wiederkehrender Akzent: ein Ton, der die Szene aktiviert und visuelle Kontinuität innerhalb der Serie schafft.
Die Blautöne hingegen tragen zur Atmosphäre bei, verleihen Tiefe und lassen das warme Licht hervortreten.
Ich habe mich bewusst für eine handgezeichnete Linie und strukturierte Pinsel entschieden, weil ich wollte, dass auch der Stil die Idee von Handwerk und Einzigartigkeit widerspiegelt, die Foscarini auszeichnet. Ich wollte keine zu digitalen oder perfekten Bilder, sondern lebendige Oberflächen, in denen die Geste und eine menschlichere Dimension spürbar sind.

Die Kompositionen der Serie folgen einer sehr präzisen visuellen Grammatik. Wie haben Sie diese formalen Regeln zu Beginn des Projekts festgelegt? Waren sie strikt oder haben sie sich intuitiv entwickelt?

Mein Ansatz ist sehr intuitiv, besonders in den frühen Phasen.
Ich gehe nicht von starren Regeln aus, sondern von einer Vorstellung von Atmosphäre und visuellem Rhythmus. Die ersten Bilder helfen mir zu verstehen, in welche Richtung sich die Sprache entwickelt.
Dann beobachte ich die Beziehungen zwischen den Bildern: was sich wiederholt, was funktioniert, was Kohärenz schafft.
In diesem Projekt hat sich die visuelle Grammatik schrittweise entwickelt. Nachdem alle sechs Illustrationen fertiggestellt waren, habe ich bestimmte Elemente verfeinert, um die Sprache einheitlicher und wiedererkennbarer zu machen. Es ist ein Gleichgewicht zwischen Intuition und Struktur: Die Intuition leitet den Anfang, die Struktur sorgt für Zusammenhalt.

Gibt es ein Bild oder eine Leuchte in der Serie, die für Sie eine besondere Bedeutung hat? Warum?

Ich fühle mich besonders zu Außenleuchten hingezogen, weil sie auch in offenen, weniger definierten Räumen Atmosphäre schaffen können.
Die Leuchte Uto mit ihrem klar definierten Lichtkegel erzeugt eine Art leuchtenden Raum innerhalb des Außenbereichs. Ich mag sie, weil sie die Grenze des Lichts sichtbar macht und die Transformation zwischen Innen und Außen sehr deutlich vermittelt.

Was bedeutet Kreativität für Sie?

Für mich ist Kreativität die Fähigkeit, über den festgelegten Rahmen der Realität hinauszublicken. Es geht darum, das, was wir jeden Tag sehen, neu zu interpretieren und ihm eine andere Lesart zu geben – manchmal sogar seine Bedeutung umzukehren. Es bedeutet nicht, etwas völlig Neues zu erfinden, sondern unerwartete Möglichkeiten in dem zu entdecken, was bereits existiert.